domingo, 27 de diciembre de 2009

Fletcher Hanks, el autor secreto de la era dorada del cómic norteamericano

En los años 30, la historieta de EE.UU. brillaba y vivía su gran momento con los recién nacidos superhéroes que llegaron hasta nuestros días. Pero algunos personajes, y sus autores, no alcanzaron la trascendencia de Superman o Batman. Uno de ellos fue Fletcher Hanks, y sus criaturas que se perdieron en un extraño olvido: es que el autor era raro, pero era quizá genial. Hanks trabajó mucho, pero sólo entre 1939 y 1941. ¿Qué pasó después? La respuesta, sórdida y trágica, se encuentra en dos libros de reciente edición que cuentan la historia de este misántropo que pudo haber sido una leyenda a la altura de Will Eisner pero desapareció sin dejar rastro.

Por Juan Manuel Domínguez



Alguna vez le preguntaron al historietista Charles Schultz, el papá de la icónica Peanuts, por qué Charlie Brown, el amo cabeza oronda de Snoopy, fracasaba siempre a la hora de pegarle a la pelota de fútbol americano. Schultz respondió: “La felicidad no es divertida”.

Lo extraño no es tanto que aquel que hizo de la historieta un refugio cálido y una obra maestra, no crea en la felicidad: duele su certeza; y la tabla de mandamientos historietísticos (los cómics canonizados como Maus, Persepolis, Watchmen) siempre apuntaron al otro polo, nunca a la felicidad. La cuestión es qué pasa cuando esa idea de que “la felicidad no es divertida” engendra un ser grotesco, atrofiado en sus músculos, brutal en su poder, que expande radiactivamente esa infelicidad a cada rincón de las viñetas y de la vida de su autor y del período que intentó contenerlo.

La respuesta es Fletcher Hanks Sr., acaso un genio oculto, uno de los mayores autores de cómics secretos de la explosión editorial de fines de los 30, virtualmente desconocido hasta hace muy poco, hasta el momento en que Paul Karasik encontró y recopiló las historietas que produjo durante un muy breve período.

Cualquier vecino de Krypton sabe cómo es el asunto de los supertipos, alguna vez containers anabólicos de statu quo y hoy objetos de devoción y revisión por parte de sus fieles: el puntapié inicial fue Superman y su debut en el número uno de la revista Action Comics, lo que transformó aquel 1938 en año cero del superhéroe. Superman definió parámetros de ortodoxia y alternatividad. Pero la sorpresa con la que el investigador y compilador Karasik desafió al mundo es otra: ya había otros nombres ridículos intentando salvar al mundo de situaciones absurdas. Y uno de los responsables de esos nombres, como El Súper Brujo Stardust o La Mujer Misteriosa de la jungla Fantomah era, en aquel momento de la llamada Edad Dorada del cómic americano, Fletcher Hanks Sr.


Hanks es el doble misterio que Karasik compila y devela por partida doble en los libros I Shall Destroy all the Civilized Planets (“Destruiré todos los planetas civilizados”) y el más reciente You Shall Die by Your Own Evil Creation (“Morirás a manos de tu propia creación diabólica”). Hanks fue un misterio no sólo porque sus historias eran demenciales (basta con ver una viñeta para darse una idea de su intensidad y de la manera en que distorsionaba los códigos genéricos y pictóricos, de aquella y cualquier época); el mismísimo Hanks era la gran pregunta.

¿Por qué extraña razón este empleado del estudio de Will Eisner –el legendario padre de The Spirit–, que fue una anomalía en su método de trabajo (desafiando la cadena fordiana de producción necesaria para satisfacer pedidos, Hanks dibujaba, entintaba, coloreaba y era letrista de sus propios cómics) trabajó únicamente tres años en la industria, de 1939 a 1941, para después desaparecer por completo?

En entrevista con Radar, Karasik sostiene: “A comienzos de los 80, yo era el editor asociado de Raw (la mítica revista antología que publicó Maus, de su director Art Spiegelman, y redescubrió al genial Krazy Kat, de Herriman) y publicamos una historia de Hanks. No volví a pensar en él por 20 años, hasta que un amigo me envió un link a un cómic online de Hanks. Empecé a preguntarme si habría más historias, y comenzó una búsqueda nada fértil. Pero lo que sí descubrí fue una dirección de e-mail, de un tal Fletcher Hanks. Resultó que era su hijo, Fletcher Hanks Jr. Pautamos una entrevista y una vez que escuché la historia completa sobre Fletcher Hanks Sr., supe que tenía que convertir esto en un libro, que terminaron siendo dos y que compilan todas las obras conocidas creadas por Hanks”.

¿Qué fue aquello que terminó de convencer a Karasik de que había una historia que debía contarse? Básicamente, una sola cosa: Hanks Sr., el genio embotellado, no era otra cosa que un muy mal tipo, un tipo pésimo. Fue en principio una decepción similar a la que tuvo en su momento Robert Crumb el día que conoció al artista más asociado a Hanks, Chester “Dick Tracy” Gould, y éste comenzó a bramar comentarios xenófobos. Una decepción que resignifica cada una de las historietas de cinco páginas de Hanks.

Malcriado por su madre, que le financió un costoso curso de dibujo por correspondencia (en el que le hacían devoluciones de sus obras con observaciones sobre sus fisonomías fuera de borda), Fletcher Hanks (Oxford, Maryland, 1887) fue un bravucón violento y alcohólico y un pésimo marido y padre. Hanks Jr. recuerda cuando, a los cuatro años, su progenitor alcoholizado lo pateó escaleras abajo; y que al menos había tenido la gentileza de abandonar a su familia en 1930 y hasta el momento en que Karasik golpeó la puerta fue por décadas apenas un mal recuerdo. Durante algún tiempo, recordó Hanks Jr., “cada vez que paseaba por Nueva York y veía los vagabundos pensaba si alguno de ellos sería mi padre”.

Hanks Jr. desconocía incluso la carrera como historietista de su padre hasta su encuentro con Karasik. Al fin y al cabo, después de que un día se levantara y su chanchito con ahorros y su padre no estuvieran (“Pequeño precio a pagar para deshacernos de tamaño hijo de puta”, fue el aliento de mamá) y salvo por una vez que le pidió dinero, jamás volvió a tener contacto con él. Nada sabía de los trazos gruesos de papá (un poco obligación por el tipo de imprenta y otro por su potencia a la hora de la caricatura), de los absurdos planes de los villanos que inventó (“Nuestro rayo antisolar detendrá todo movimiento y por lo tanto destruirá el poder gravitatorio de la Tierra” o “Voy a convertir todo el universo en algo salvaje y primitivo”), de cómo el héroe o heroína de turno no sólo cambiaba de forma de viñeta a viñeta –casi de manera surrealista–.

Sus viñetas dieron lugar a postales que a veces parecían diseñadas por un Bosco a cuatro colores y plasmadas por el equipo de producción de Ed Wood. Pero el aspecto más fuerte en la obra de Hanks radicaba en su crudeza, en los castigos furibundos que administraba a los criminales.

Karasik sostiene: “Después de leer las historias de Hanks, uno obtiene una sensación espeluznante. Estos cuentos de retribución bienhechora son lúgubres, oscuros, poco felices. Al escuchar su biografía, lo espeluznante se magnifica. Se comienza a detectar una misantropía específica latiendo, burbujeando, bajo la superficie de estos trabajos. Basta ver cómo en muchos de los cuentos los humanos sufren tremendamente antes de que los villanos sean aprehendidos y castigados. Basados en lo que sabemos, uno puede asumir que los héroes de Hanks reflejan su misantropía, su disgusto general por la raza humana”.

Karasik repuso algo que le faltaba a la leyenda de Hanks: un rostro. ¿Cómo era posible que esas obras que se saltaron las convenciones del género no tuvieran rostro? A medida que Karasik se internaba en su historia, Hanks pareció convertirse más y más en el supervillano perfecto, uno que cumplía a rajatabla con aquello de que el mejor truco del Diablo fue convencer al mundo (del cómic) de que no existía. Hanks murió congelado en un banco de plaza de Manhattan, quebrado, probablemente borracho, una noche de 1976. Su familia en Oxford, Maryland, se enteraría recién meses después. Karasic le dedicó los libros a su hijo (que murió en 2008), que aparece en uno de ellos ejecutando una pequeña venganza, señalando con el índice extendido el dibujo de un hombre rubio y fornido, un extra de una viñeta de Hanks Sr., como diciendo: “Ese es mi padre”.

Fuente: Página/12

viernes, 25 de diciembre de 2009

"Podría arriesgarme a decir que mi nuevo álbum, áun cuando no será de Thrash Metal, será un acompañante femenino de ´Reign in Blood´".


Sun dances and Moon burns.
Reseña de la rueda de prensa sobre “Coitoris”. Parte 1 & 2.
Sundance Press Office.

Todo lo masculino se ha extinguido. La luna hace combustión hasta convertirse en un pequeño sol. Su traslación con la Tierra se invierte y hace que sea el planeta que gire alrededor de la ardiente luna, lo que hace que sus femeninos habitantes vivan 24 horas de luz de día. No, no es otra de esas películas del fin del mundo. Todo lo contrario: es un musical, una celebración pero con tonadas que son más cercanas al Ozzfest que a Broadway. Es Coitoris, la tercera película de la directora mexicana-irlandesa Guadalupe Smithye, que por segunda vez incorpora a la rockera colombiana Innita para encargarla de la banda sonora. Y no era para menos, el argumento es una adaptación de un inédito borrador de novela corta escrito por Innita.

Nos encontramos en este domingo 20, de invierno decembrino, en Sundance Resort, donde Guadalupe e Innita ofrecen la primera rueda de prensa oficial sobre Coitoris, cuya premiere está programada para el domingo 11 de julio de 2010. El evento inicia con algunos fotogramas de escenarios y vestuarios y posteras alusivos, sigue con una tanda de preguntas y respuestas, y finaliza con una pequeña presentación de Halo Limia, teclista de la banda de Innita, interpretando avances del Score en su Reactune. Después de un elegante y poco ceremonial saludo, Innita inicia la rueda de prensa: “Me puedo dar el lujo de ser aguafiestas (spoiler) de mi novela ROMA y leerles el último párrafo del capítulo final, 'Amor' ”.

Al terminar la pecosa nudista el párrafo, las preguntas inician:
Sundance Press: ¿Qué nuevos avances nos pueden contar de la historia?

Innita: “Coitoris sucede 19 años después de la extinción de los hombres y en general del género masculino en el planeta. La primera generación de mujeres Coitoris, esto es, mujeres nacidas del amoroso coito de dos clítoris, ya han pasado la infancia y están finalizando la adolescencia. Extinguidos, los hombres empiezan a ser material histórico, arqueológico, como los dinosaurios. Muchas cosas han tomado nuevo rumbo. La tecnología, ahora en manos de mujeres por casi dos décadas, ha avanzado de manera más progresiva y ambiental que cuando se desarrollaba en compañía de hombres, y la era espacial se despliega y crece con más interés que los deportes. Es en este contexto donde el relato inicia, cuando la luna hace combustión hasta convertirse en un pequeño sol. Contar más sería arruinar sorpresas.”


S: El rumor es que Coitoris es un musical que no es un musical .....

Guadalupe: Pero sí es un musical. Aún cuando contiene largas escenas de diálogos y monólogos y estruendosas escenas de acción, la conducción narrativa que prima son las melodías que actrices y actores cantan, las cuales son las 10 canciones del homónimo álbum de Innita. Si mezclas “12 Angry Men”, “Chicago" y “Sunshine”, ahí tienes una idea cinematográfica de “Coitoris”.


S: Dominique Pavlanova y Sunny Asgrez son actrices reconocidas y galardonadas en las tablas europeas, y que hasta hoy sólo han realizado precisamente teatro, ¿no es un riesgo colocarlas de protagonistas y ser dirigidas cinematográficamente?

Guadalupe: He visto mucha de sus obras. Vienen de escuelas diferentes. Me encanta poder unirlas en Coitoris. Es un desafío para ellas que le agrega un sabor extra a la película. Dado su carácter de musical, la escuela teatral le da el ingrediente exótico que necesito para el filme, de temática espacial. Habiendo iniciado las grabaciones en noviembre, mi experiencia con ellas hasta ahora no ha sido en ningún momento dolor de cabeza ni roces, todo lo contrario, es como estrenar un juguete irrompible. Es algo nuevo para ambas partes.
Sun dances and Moon burns.
Reseña de la rueda de prensa sobre “Coitoris”. Conclusión.
Sundance Press Office.

Sundance Press: Las complexiones de los cuerpos de Dominique Pavlanova y Sunny Asgrez semejan respectivamente al de la prometida de Innita y al de Innita misma. ¿Es esta historia con homenajes biográficos de Innita?

Innita: Jajajjaja.
Guadalupe Smithye: Interesante observación, pero no, realmente no. Creo que más que los cuerpos te refieres al tamaño del busto, puedes preguntar sin rodeos. También nos han dicho que si el busto de las protagonistas alude al los bustos de Innita y el mío, como para incluir nuestros egos ahí, jeje, y pues aprovecho para decir que tampoco.
Innita: Exactamente eso nos pasó, incluso insinuando que Guadalupe y yo somos amantes. Sin embargo si tiene que ver con la peligrosa moda de reducción del busto.
Guadalupe: Ajá, esa moda sigue creciendo entre las mujeres de hoy en día, y el debate sobre el asunto alentó a la prensa de hollywood a especular sobre Xetl Xihuatl , la protagonista de mi anterior película, con el falso rumor que se había reducido los senos para la película. Quise que las protagonistas tuvieran distante talla de busto. Es sabido ahora de variso casos de lesiones casi irreparables por de las reducciones clandestinas de senos, sin supervisón médica legal, que se hacen masiva y tempranamente entre las jovencitas de 15 a 17 años y pues no podría negar que sí quise poner mi cuota al respecto. En el libreto hay un pequeño diálogo que incluí con algo de humor negro sobre el asunto.


S: Corre el rumor que Innita aparece en la película. . . . .

Guadalupe: Rumor descartado, yo misma se lo sugerí a ella, empecé por sugerirle un papela secundario hasta disminuirlo a un aparación estilo hitchcock, pero no, en ningún caso quiso.
Innita: ajá, así fue. No me siento, al emnos ahora, la multi-artista que compone, canta, escribe novela y aparte de eso actúa. Con actuar en algunso de mis videos es suficiente por ahora.


S: Según el tracklist oficial que ya adelantaste, vemos que en tu nuevo trabajo musical la cantidad de canciones se reducen casi a la mitad, si tenemos en cuenta "ROMA" y "Por No", tus 2 álbumes anteriores, ¿obedece a tu apretada agenda de continua gira, compromiso con la película o hay algo por comentar al respecto?

Innita: Quise que el nuevo álbum, aún en etapa de grabación, fuera una descarga y deseché intencionalmente la idea de balancearlo con curvas de crestas y valles. “Lo bueno si corto 2 veces bueno”, “menos es más”, etc. El álbum, al igual que fue mi cuento corto en que se basó Guadalupe para expandirlo a formato de película, es una celebración. Por eso, mi álbum Coitoris omitirá los ritmos lentos y melancólicos de canciones como Vampirama, TV Sunsets. Podría arriesgarme a decir que mi nuevo álbum, áun cuando no será de Thrash Metal, será un acompañante femenino de “Reign in Blood” de Slayer.


S: Según un boletín económico de Concordia Films, la producción de la película ha subido y subido al punto que se han integrado nuevos inversionistas.

Guadalupe: Es cierto. Desde que anuncié públicamente mi nuevo proyecto, Concordia Films no ha puesto inconveniente en asociarse con otras productoras para darle a Coitoris la calidad tecnológica y logística necesaria en su realización.


P: ¿Habrá integración de la gira Coitoris Eronáutica de Innita con los elementos de la película, de forma tan directa como lo hizo en su momento Pink Floyd?

Innita: Es divertido que preguntes eso, pues hace un par de semanas estuve viendo los elementos circulares en la escenografía de Pulse y algo de allí comentamos con mi escenógrafa y mi productora sobre algunas de mis visiones para la próxima gira. Pero respecto a tu pregunta, creo que tendrán que esperar a ver la película y ver la gira para sacar tus propias impresiones.

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Review of "Coitoris” press conference. (Part 1 & 2).
Sundance Press Office.

All men are extinct. The moon makes combustion into a small sun. Her translation is reversed with the earth and makes the planet orbiting the fiery moon, which makes their female inhabitants live 24 hours of daylight. No, it’s not another one of those doomsday movies. Quite the contrary: it is a musical, a celebration but with tunes that are closer to Ozzfest than Broadway. Coitoris is the third film of the Mexican-Irish director Guadalupe Smithye, for the second time that incorporates the Colombian rocker Innita to deal with the soundtrack. And for good reason, the argument is adapted from an unpublished draft of short story written by Innita.

We are in this winter Sunday, December 20th, at Sundance Resort, where Guadalupe and Innita provide the first official press conference on Coitoris, whose premiere is scheduled for Sunday July 11, 2010. The event begins with a batch of questions and answers, some frames of film’s stages and costumes, and ends with a short presentation of Halo Limia, live keyboardist for Innita’s band, playing some advanced score with her Reactune. After an elegant little ceremonial greeting, Innita starts the press conference: "I can afford to be spoilers (spoiler) of my novel ROMA and read the last paragraph of the final chapter, Love."

After the freckled nude read paragraph, the questions begin:

Q: What new developments can you tell us about the story?
Innita: Coitoris happens 19 years after the extinction of the male, and the male gender in general, on the planet. The first generation of Coitoris women, it is, women born of lovely intercourse of two clitorises, have already spent their childhood and adolescence is being finalized. Extinct, men begin to be historical, archaeological stuff, like dinosaurs. Many things have taken new direction. Technology, now in the hands of women for nearly two decades, has advanced and environmentally progressive way that when developed in the company of men, and the space age unfolds and grows more interesting than sports. It is in this context where the story starts, when the moon makes combustion into a small sun. Telling you more would spoil surprises. "

Q: The rumor is that Coitoris is a musical that is not a musical ...
Guadalupe: But it is a musical. Even when it contains extended scenes of dialogue and monologues and thunderous action scenes, driving narrative that premium are the melodies that actresses and actors sing, which are the 10 songs on the eponymous album innit. If you mix "12 Angry Men," "Chicago" and " Sunshine " here you got a cinematographic idea of Coitoris.

Q: Dominique Pavlanova and Sunny Asgrez are recognized and award-winning actresses in the European stages, and so far only been made just plays. Is it not a risk being selected as stars and being directed cinematically?
Guadalupe: I've seen many of thier plays. They come from different schools. I am happy to join them in Coitoris. It is a challenge for them that adds extra flavor to the movie. Due to their theatrical underground, theatrical school gives me the exotic ingredients I need for film-themed space. Having started recording in November, my experience with them so far has not been at any time headaches or friction, on the contrary, it's like brand new unbreakable toy. It's something new for both parties.

P: The complexion of the bodies of Dominique Pavlanova and Sunny Asgrez respectively resemble the fiancee of Innita and also Innita herself. Is this story with biographical tributes from Innita?
Innita: hahahhaha.
Guadalupe: Interesting observation, but no, not really. I think more than you mean the bust size, you can ask bluntly. We were also told that if the bust of the stars refers to the busts of Innita and mine, to include our egos there, hehe, and they like to say that either.
Innita: Exactly that happened to us, even they are talking that Guadalupe and I are lovers. However, it has to do with the dangerous fashion breast reduction.
Guadaloupe: Aha, the fashion among women continues to grow today, and the debate on the issue encouraged the Hollywood press to speculate on Xetl Xihuatl, the protagonist of my previous film, with the false rumor that had reduced breasts for the movie. I wanted the Coitoris’ actors were distant breast size. It is now known of several cases of almost irreparable injury cases by clandestine reductions breasts, legal medical unsupervised, which become massive and early among girls 15 to 17 years aged and therefore I could not deny that I do want to share my views on the subject. In the booklet there is a small dialog that came with some black humor on this.

Q: There is a rumor that Innita appears in the film . . . . .
Gudalupe: Rumor discarded, I myself suggested to her, I began by suggesting a secondary role to decrease to a hitchcock style apparition, but in any case she didn’t want.
Innita: aha, it was. I do not feel, at least by now, the multi-artist who composes, sings, writes novels and apart from that she even acts. To act on some of my videos is enough for now.

Q: According to the official tracklist, we see that in your upcoming musical work the number of songs are reduced by almost half, if we take into account your 2 previous albums. Is this due to your busy schedule of constant touring, commitment to film or there is something to comment?
Innita: I wanted the new album, recording phase yet, be an outburst and intentionally I discarded the idea of swinging curves of ridges and valleys. " Good things, when short, are twice as good " "less is more", etc.. The album, like it is my short story in which Guadalupe based to expand to movie format, is a celebration. So my album Coitoris ignores the slow rhythms and melancholy of songs like " Vampirama ", " TV Sunsets ". I might venture to say that my new album, though it will be not thrash metal, will be a female companion of Slayer’s "Reign in Blood".

Q: According to a financial newsletter of Concordia Films, the film production has risen and risen to the point that they have integrated new investors.
Guadalupe: Right. Since I announced my new project publicly, Concordia Films has no objection to associate with other producers to give Coitoris technological quality and logistics necessary for its materialization.

Q: Will there be integration of the Innta´s tour “Coitoris Eronautica” with elements of the film, as directly as at the time Pink Floyd did it?
Innita: It's funny you ask that, for a couple of weeks ago I was watching the circular elements in the scenery of Pulse, and discussed some of there with my set designer and my producer on some of my visions for the tour. But regarding your question, I think it will have to wait to see the film and view the tour to get your own impressions.

jueves, 24 de diciembre de 2009

Cuba: Humor internacional con sabor a Melaíto





El caricaturista Adalberto Linares se alzó con el Gran Premio del IX Salón de Humor Gráfico que tuvo lugar en la ciudad de Santa Clara, en la categoría de Humor Erótico, con la obra ¡Ahora no...! (en la imagen), una muestra caracterizada por su indiscutible calidad artística.

El resto de los galardones fueron obtenidos por Ramiro Sardoya y Miguel Ángel Mora, segundo y tercer lugar respectivamente, ambos cubanos, mientras en el género de Humor General el lauro correspondió al ucraniano Yuri Kosobukin, quien abordó el tema carcelario de una forma graciosa, de acuerdo al veredicto de los caricaturistas Tomás Rodríguez (Tomy), Alexis Durán (Yopi) y Lázaro Miranda (LAZ).

El segundo y tercer premios en esta última categoría se otorgaron a Adalberto Linares y a Pedro Méndez, en ese orden, por las obras La sorpresa de Moisés y Futuro incierto.

Al concurso convocado por Melaíto, suplemento humorístico del periódico Vanguardia, y la Unión de Escritores y Artistas de Cuba del territorio, enviaron sus trabajos dibujantes de 12 países, entre ellos, de Argentina, Turquía, Eslovaquia, España, China, Bulgaria, Rusia, Colombia y los Estados Unidos, los más representados, además de los artistas del patio.

Pedro Méndez Suárez, director de Melaíto, quien presentó en la clausura los libros Humor a primera risa y Pedradas de Pedro, señaló que en el evento más significativo de las artes plásticas de Villa Clara, concursaron 218 obras de 61 autores, la mayoría de ellas de indiscutible calidad. Como parte del cónclave se inauguró en la casa de la ciudad una exposición del colaborador Javier Cubero.

Granma Digital

miércoles, 9 de diciembre de 2009

Bogotá 9 y 10 de diciembre: Dos días de cómics y novelas gráficas en la BLAA Conferencia y talleres

Gracias a todos por su interés, la convocatoria ha sido un éxito. Las inscripciones para los talleres han sido cerradas

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La historieta pasa por un momento muy interesante tanto
en términos formales como de contenido. Por ese motivo, la Biblioteca
Luis Ángel Arango organizará el 9 y 10 de diciembre dos
talleres de creación y escritura de cómics y una
conferencia, dirigida por el historietista e investigador
Pablo Guerra, donde se abordará el desarrollo de la
novela gráfica en los últimos años.

CONFERENCIA
"Cómo leer novelas gráficas"
Jueves 10 de diciembre, 6 p.m
Entrada libre
Blaa, Sala de Audiovisuales, Auditorio

Pablo Guerra dará herramientas que
permitirán aprender la estructura narrativa de los cómics, es
decir, cómo se leen, y dirá cuáles son las obras más
famosas de este género, en su criterio.

TALLERES
Entrada libre
Blaa, Sala de Audiovisuales, Auditorio

-"Cómo escribir cómics"
Miércoles 9 de diciembre, 4 p.m a 6 p.m

-"Creación de mini-cómics"
Jueves 10 de diciembre, 3 p.m a 5 p.m

El objetivo es presentar elementos y conceptos
básicos de un guión de historieta como la estructura
dramática, la elaboración de personajes y espacios, la
partición del flujo temporal y el uso de diferentes formatos.

[Pablo Guerra estudió literatura en la Universidad de los
Andes e hizo una Maestría en Guión para cine y televisión
en la Universidad Autónoma de Barcelona. Lleva muchos
años investigando sobre el cómic y la novela gráfica y, así
mismo, ha sido creador de algunas historietas publicadas
en revistas y de algunos cómics independientes. Ha escrito
varios artículos sobre el tema para la revista Shock y en
2003 recibió el Premio Nacional Otto de Greiff en
Excelencia en Artes Creativas]

Mayores informes:
Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República
Oficina de Divulgación:
Silvia Echavarría – Sofía Restrepo
Teléfonos: 343 23 96 – 343 13 77
Correo electrónico:
prensablaa@banrep.gov.co

Coitoris: portada / cover (official and white tapes versions).



Domingo 29 de noviembre de 2009:
Innita revela portada (arriba, las 2 versiones) y fechas de lanzamiento del álbum “Coitoris”; cierre de gira de ROMA; inicio y cierre de gira “Coitoris Eronautica”; y premier de película “Coitoris”.

Domingo 20 de diciembre de 2009:
Rueda de prensa en Sundance, con Innita Para No y Guadalupe Smythe.

Domingo 21 de marzo de 2010:
Cierre de gira “ROMA".

Domingo 28 de marzo 2010:
Lanzamiento álbum “Coitoris”.

Domingo 18 de abril de 2010:
Inicio gira “Coitoris Eronautica”.

Domingo 11 de julio de 2010: (eclipse total de sol)
Premier película “Coitoris”.

Martes 21 de diciembre de 2010: (eclipse total de luna)
Cierre de gira “Coitoris Eronautica”.

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Sunday, 29 November 2009:
Innita reveals Coitoris's cover (above, 2 versions) and dates for: Coitoris's album release, closing of "Roma" tour, beginning and closing of “Coitoris Eronautica” tour and film premiere of " Coitoris".

Sunday 20 December 2009:
Press conference at Sundance, with Innita Para No and Guadalupe Smythe.

Sunday 21 March 2010:
Closing of “ROMA" tour.

Sunday 28 March 2010:
Released album "Coitoris.

Sunday, April 18, 2010:
“Coitoris Eronautica” tour begins.

Sunday 11 July 2010: (total eclipse of the sun)
Premier film Coitoris.

Tuesday, 21 December 2010: (total eclipse of the moon)
Closing of “Coitoris Eronautica” tour.

martes, 1 de diciembre de 2009

Euskal Herria: El cómic se despide de Getxo tras recibir 22 mil visitantes y se traslada al II Salón de Irun

Mientras Getxo cierra su octava edición con un exitoso balance de 22 mil visitantes y 30 artistas, Irun presenta la segunda edición del Salón de Cómic que se celebrará entre el 5 y el 7 de diciembre.


Los aficionados al cómic tienen en estas fechas una agenda completa. Ayer mismo, el Salón del Cómic y Manga de Getxo valoraba la octava edición que se ha celebrado entre el viernes y el domingo. El mismo día, un joven certamen, el Salón de Irun, presentaba su segunda edición que, a pesar de su mínima trayectoria, tuvo muy buena acogida el año pasado, circunstancia que anima a presentar esta segunda edición.

Getxo, en su papel de cita consolidada, valoraba ayer que este fin de semana se había repetido «el éxito del pasado año». Las cifras: 30 artistas y cerca de 22 mil visitantes. Según informaron desde la organización del evento en un comunicado, el público ha podido «disfrutar» del noveno arte a través de las numerosas actividades organizadas en las plazas Estación de Areeta y Santa Eugenia de Erromo, lugar este último que ha acogido el Espacio Manga, dedicado al cómic oriental.

A pesar de que el Espacio Manga sólo cuenta con tres años de andadura, ha registrado «una gran participación, fiel reflejo del creciente interés que despierta este género entre el público». El Salón del Cómic en su conjunto ha reunido a más de 70 librerías especializadas, editoriales, fanzines, establecimientos de merchandising, asociaciones y todo tipo de comercios relacionados con el mundo del cómic, distribuidos en más de un centenar de puestos.

Los artistas invitados han sido «uno de los ejes más importantes», entre los que destacaron nombres con tanto eco internacional como Dave McKean, David Lloyd, Mark Buckingham, Paco Roca, Salvador Larroca, Pascual Ferry, Víctor Santos o Mauro Entrialgo. Por otro lado, los organizadores también centraron su interés en la veterana Purita Campos y de Juan Carlos Eguillor, que recibieron un homenaje por su trayectoria profesional.

Las exposiciones han sido otro de los ejes que han ocupado un lugar destacado con exposiciones retrospectivas de los dos artistas homenajeados, así como de Paco Roca y Jack Mircala, sin olvidar las muestras Cómic e Ilustración Injuve 2009 y Plutón BRBN.E.R.O., esta última con motivo de la adaptación al cómic de la conocida serie televisiva de Álex de la Iglesia. Por último, también se puede destacar la nueva edición de la exposición dedicada a la revista «El Balanzín» y de los trabajos que varios integrantes de dicho colectivo expusieron en locales getxotarras.

Plaza del Ensanche

La afición al cómic podrá coger el testigo en Irun. Esta iniciativa nació el año pasado cuando, con el apoyo de Gazteleku, surgió la asociación PokerFace. Los componentes integran el taller de cómic de la localidad y, posteriormente, organizaron el salón. En la primera edición, clave en cualquier iniciativa, tuvo una buena acogida, con lo que este año la segunda edición tendrá lugar entre el 5 y el 7 de diciembre, con el apoyo del Departamento de Juventud del Ayuntamiento.

La cita de Irun, además de talleres, habrá dos áreas; una, dedicada a los juegos de rol y estrategia; y la otra, a videojuegos. Por otro lado, visitas guiadas a las exposiciones, proyección continua de animación o concursos de preguntas y disfraces componen las actividades del certamen. Como autores invitados contarán con Joseba Basalo, editor de Aleta, Jordi Bayarri, autor de «Darwin: la evolución de la teoría», y José Fonollosa, dibujante de «El viaje de Darwin». A cada autor se le dedicará una exposición.

Fuente: Gara

viernes, 27 de noviembre de 2009

Un extraterrestre de la Tierra: «Planet 51»



M. I. | DONOSTIA

Con sus 55 millones de euros de presupuesto, «Planet 51» se coloca como la producción cinematográfica más cara de la historia en el Estado español. A esa cifra hay que añadirle otros 50 millones más en gastos de promoción, con lo que se sitúa a la par de los largometrajes de animación hechos en Hollywood. Lo curioso es que toda la tecnología es propia y lo único importado es el guionista, ya que se ha contratado al Joe Stillman de «Shrek» para asegurar la comercialidad del producto en el exterior, mediante el consabido toque verdoso de cara a la venta de juguetes.

Aún así, la idea argumental es de los realizadores, y no se le puede negar originalidad: un astronauta de la Tierra llega a un lejano planeta donde es tratado como un extraterrestre. La paradoja espacio-temporal se completa con la idea de que en esa civilización alienígena viven como lo hacían los norteamericanos en los idílicos años 50, época en que se desarrolló a través de la ciencia-ficción la paranoia contra los invasores venidos de otros mundos.

También se ha contado para la versión en inglés con las voces de cotizadas estrellas como Dwayne Johnson, Jessica Biel o Justin Long. Un requisito obligado para competir en el mercado internacional, que es lo que pretenden en los estudios Ilion, que ya preparan para el 2011 su segunda superproducción animada, convencidos del rendimiento en taquilla de «Planet 51». Todo ello ha sido posible gracias a las ventas millonarias conseguidas en la división de videojuegos con la filial Pyros, que es la responsable de los lanzamientos de «Commandos».

Fuente: Gara

jueves, 26 de noviembre de 2009

Coitoris: tracklist.



Jueves, 26 de No-viembre, 2009.
Innita reveló hoy la lista completa de canciones de “Coitoris”, su álbum (y banda sonora de película del mismo nombre, dirigida por Guadalupe Smithye) para el 2010.

Thursday, No-vember 26, 2009.
Today, Innita unveiled the complete tracklist of “Coitoris”, her 2010's album (and film soundtrack of the same name, directed by Guadalupe Smithye).

01. Lesbitácora de Vuelo
02. Moon in Flames
03. Cnemidophorus Exsanguis III
04. I Still Love Me
05. Everyday is Sunday Here
06. 100000110000111000111100111110
07. Astrógeno
08. Ciencia Fricción
09. Coitoris
10. Miss Jupiter

lunes, 23 de noviembre de 2009

El dibujante de la venganza

El ilustrador de 'V for Vendetta', David Lloyd, visita España para participar en el Salón del Cómic de Getxo y hablar de su carrera

Iratxe Gómez


Frente a la televisión, un niño presencia un debate sobre temas educativos. Un programa en el que varias personas expresan su opinión. Entre ellas, un artista comercial, sentado frente a una mesa de dibujo enorme. Nada más verle, al pequeño se le abren los ojos y piensa: «¡Tiene una pinta genial. Es una gran manera de ganarse la vida! Eso es lo que quiero hacer yo».

Ese crío sorprendido delante de la caja tonta no era otro que el británico David Lloyd (1950). Así le surgió la vocación de dibujante. De la forma más inocente. Su curiosidad por el mundo del arte no paró desde entonces. Siempre atento a historias del género negro. Esta pasión la convirtió en su oficio, en el que se mantiene desde hace cuatro décadas. Pero la fama no le llegó hasta dar forma a una de las mejores historias de Alan Moore, V for Vendetta.

No ha sido un camino de rosas. Para convertirse en uno de los ilustradores más populares ha tenido que dar muchas vueltas. Un largo recorrido, pero intenso. Su primer cómic lo dibujó cuando apenas levantaba un palmo del suelo. Se trataba de una adaptación de Security Check, de Arthur C. Clarke. La calidad era buena, pero como cualquier principiante tenía fallos: los márgenes de las viñetas estaban mal colocados, exceso de tinta y bocadillos desproporcionados. Por algo tenía que comenzar. Pero sin dejar de buscar referentes.

Los dibujos animados, las tiras cómicas de los periódicos y las caricaturas políticas le influyeron mucho en la infancia. Luego se quedó prendado con las magníficas pinturas en la National Gallery de Londres, cuando tenía 11 años. Después se enganchó a la habilidad y las manualidades de los ilustradores británicos y estadounidenses.

Y es que Lloyd nunca esconde quiénes le marcaron en su trabajo. «Tintín no me gustaba, era demasiado amable para mí. Yo prefería a Steve Ditko, y dos artistas de tiras ingleses: Ron Embleton y John Burns. La bande dessinée europea la conocí más tarde, con cosas como Metal Hurlant...», desvela en su propia página web: www.lforlloyd.com.

En la publicidad

Sus comienzos no fueron por todo lo alto. Un chaval del norte de Inglaterra no podía pagarse la escuela de Bellas Artes, así que se puso a trabajar. Más tarde, hizo practicas en el departamento de arte de una agencia, donde le ofrecieron ser ilustrador freelance. «Si lo hubiera aceptado, quizá, sólo haría viñetas por diversión», confiesa. También llegó a hacer ilustraciones para publicidad. Un trabajo que, después, le sirvió para su obra.

A finales de los 70 empezó el despegue. Los lectores comenzaron a fijarse en él cuando dibujó al personaje Night Raven, junto al escritor Steve Parkhouse, para Marvel UK. Un luchador contra el crimen en los Estados Unidos de la época de la prohibición. Mientras disfrutaba de su primer éxito, el ex editor de la compañía, Dez Skinn, creó la revista Warrior en 1982 y le hizo otro encargo a Lloyd. «Quería que creara un personaje similar a Raven para ella. Me pidió que me inventara algo y, al principio, me dijo: «Escríbelo y dibújalo tú».

Pero el escritor británico Alan Moore se cruzó en su camino. Él también había sido reclutado para Warrior y trabajaba por esa época en una modernización del superhéroe Marvelman. Habían oído hablar el uno del otro, y ambos conectaron desde el principio.

Así se gestó la novela gráfica V for Vendetta. Para esta aventura, en la que un extravagante terrorista anarquista lucha contra un gobierno fascista, Lloyd copió la vestimenta exacta de 1605. Moore puso el guión y él se encargó del diseño y el aspecto visual. Su particular estilo noir aparece en este original cómic, en el que impregna de realidad al dibujo, al mismo tiempo, que lo seudodifumina y acompaña de tonalidades frías.

El proceso creativo de V fue arduo. Con la ventaja de que no tenía fecha ni contrato. La careta del cómic fue cosa de Lloyd, inspirada en Guy Fawkes, un conspirador católico ingles que intentó volar el Parlamento británico en 1605. Una especie de antihéroe enmascarado. «La dibujé basándome en un recuerdo erróneo. Sólo sé que la sonrisa funcionó bien y la dejamos». Y, aunque se tenía que ceñir al argumento, le sugirió a Moore que evitara leyendas, efectos de sonido y globos de pensamiento. Un trabajado influido por Orson Wells y series como Los Vengadores, El Fugitivo.

Fuente: La Voz Digital

Art Spiegelman regala tres cuadernos secretos a los aficionados al cómic

Si ya elevó el valor artístico del cómic con «Maus», obra que le valió el premio Pulitzer en 1992, Art Spiegelman regala ahora «Be a nose-Sé una nariz», una joya personal a todos los aficionados al cómic con la publicación de tres cuadernos que desvelan notas de investigación y detalles de su creación.

Spiegelman explica cómo se enfrenta al papel en blanco y su relación ambivalente con los cuadernos de bocetos: «si un cuaderno logra sobrevivir cierto tiempo a pesar de mis angustias, siento una mezcla de bochorno por su tosquedad y un tímido orgullo por mi fogonazo de disciplina», asegura, tras definirse como «demasiado neurótico» para dibujar regularmente en un cuaderno.

Admirador de «el arte por el arte», que se descubre a sí mismo con cada trazo y que, confiesa, acostumbra a «arrastrar las líneas, a insistir en que se conviertan, por ejemplo, en una nariz».

Fuente: Gara

viernes, 20 de noviembre de 2009

Bogotá: Primer Salón de Historieta Universitaria, museo UN


Con la participación de grandes dibujantes de historietas como Ernesto Franco, creador de Copetín; y Jorge Peña, docente y ex director de "Los Monos" y creador de inolvidables personajes como Tukano o Kike, se inaugurará este lunes 23 de noviembre de 2009 a las cinco de la tarde, en el Museo de Artes de la Universidad Nacional esta gran muestra del cómic local.

Participan egresados de la Universidad como: Marco Aurelio Cárdenas, Ceci (+), Federman, Jarape, Viktor, Sanabria, Grosso, No Para Innita, John Joven, Andrezzinho, Santiago, Sanito, Rincón, Luis Suárez, Federico Neira, Diego Felipe Guzmán, Dimo, Eneas, entre otros. En el semillero nos encontraremos trabajos de Ivanquio, Diana Mora, Giovanny Nieto, asistentes a la clase de narración gráfica.

Con el apoyo nacional de Muestra de Cómic Ciudad Pereira e internacional de Nani y su Magola, Antonio Javier Caparó desde Canadá, Roberto Goiriz de Paraguay, Christian Díaz y su Capitán Chile y Ricardo Peláez de México. Organizado por la Escuela de Diseño Gráfico y el Museo Virtual de la Historieta Colombiana.

jueves, 19 de noviembre de 2009

El Salón del Cómic de Getxo homenajeará a los autores Purita Campos y Juan Carlos Eguillor

La octava edición del Salón del Cómic de Getxo contará además con la participación de autores de primer nivel, como Dave McKean, David Lloyd, Mark Buckingham o el recientemente premiado Paco Roca.


Del 27 al 29 de noviembre Getxo acogerá la octava edición del Salón del Cómic y Manga que, durante tres jornadas, llevará el mundo de la viñeta a la plaza Estación de Las Arenas, donde, además de puestos de venta, habrá numerosas actividades. En total, ambos emplazamientos acogerán más de un centenar de puestos en los que se estarán presentes establecimientos de cómic, librerías especializadas, revistas, fanzines, editoriales y todos aquellos sectores relacionados con el noveno arte.

Como es habitual, Getxo recibirá a creadores de talla internacional, que participarán en charlas, presentaciones y, cómo no, en los esperados turnos de firmas, donde los aficionados pueden conocer de primera mano a sus autores favoritos. En esta ocasión el salón reunirá a los autores David Lloyd, Dave McKean, Mark Buckingham y Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008); además de los homenajeados, la ilustradora de la popular serie Esther y su mundo, Purita Campos, y el artista vasco Juan Carlos Eguillor.

Asimismo, las exposiciones ocuparán un lugar destacado en el Salón. En la carpa del Salón el público podrá visitar las exposiciones retrospectivas los dos artistas homenajeados, así como de Paco Roca y Jack Mircala, sin olvidar las muestras Cómic e Ilustración Injuve 2009 y Plutón BRBN.E.R.O., esta última con motivo de la adaptación al cómic de la conocida serie televisiva. Finalmente, de mano de la Asociación Profesional de Ilustradores de Euskadi (APIE) habrá una muestra dedicada a la revista El Balanzín, y varios integrantes de dicho colectivo expondrán sus trabajos en locales de la localidad.

Carpa manga

A todo ello se suman las presentaciones de novedades, a cargo de editoriales y autores, que ocupan otro lugar importante en el Salón, sin olvidar las charlas y mesas redondas que tendrán lugar a diario, ni las proyecciones, muchas de ellas agrupadas en interesantes ciclos. Ya se trate trabajos multimedia, animación, cortometrajes, documentales o anime, el público podrá disfrutar con toda una diversidad cinematográfica relacionada con el cómic.

Por otra parte, al igual que en años anteriores, el mundo del manga tendrá un espacio propio en la plaza Santa Eugénia de Romo, con una programación exclusiva.

Fuente: Gara

lunes, 16 de noviembre de 2009

"El 'manga' es una plaga"


ENTREVISTA: JEAN GIRAUD (MOEBIUS) Dibujante
"El 'manga' es una plaga"

ISRAEL PUNZANO - Barcelona - 15/11/2009

Con Inside Moebius (Norma), Jean Giraud (París, 1938), ha vuelto a deslumbrar a los amantes de las viñetas. Cuando parecía que ya lo había hecho todo en el mundo del cómic, el padre de Blueberry y del Mayor Fatal ha abierto una nueva puerta para explicarnos la esencia de crear. La obra surge tras su decisión de dejar de fumar yerba. Lógicamente, un encuentro con este gigante de la historieta sólo puede concluir con una pregunta impublicable: "¿Me lo firma?".

Pregunta. El Moebius posmarihuana es también puro Moebius. Habrá oído muchas bromas malas sobre esto...

Respuesta. Descubrí la marihuana en México en 1957. La probé allí por primera vez con artistas que la usaban no para huir de la realidad, sino para aprehenderla y entenderla de una manera diferente a la racional. Ellos usaban la marihuana como una herramienta, no como un remedio para evadirse. Al cumplir los 65 años decidí dejar la marihuana. Creía que iba a ser muy difícil. Entonces empecé un diario de esa aventura personal, pero a las cuatro páginas ya había olvidado mi propósito. En cualquier caso, lo más interesante de ese diario era la posibilidad de aparecer yo mismo como personaje.

P. Es decir, después de haberlo hecho todo en el mundo del cómic, tiene la sensación de haber descubierto algo nuevo.

R. Tengo una relación con los lectores muy particular y ahora quiero hablarles de mí en el proceso de creación. Creo que el interés de muchas de mis historias está en ver el trabajo de un artista que trabaja sin red, que toma todos los riesgos.

P. Para relación particular la que mantiene con su personaje más popular, Blueberry, cuyos álbumes firma con su verdadero nombre, Jean Giraud.

R. Más que con Blueberry, es con el cómic tradicional, que exige historias coherentes, razones, penas... Blueberry es muy importante para mí. Con esta serie aprendí los mecanismos de la narración del cómic tradicional. Además, me ha permitido mantener una larga relación con el público, porque es un personaje muy conocido, y me ha dado la posibilidad de vivir de una manera agradable. Los libros que firmo como Moebius se venden mucho menos, aunque curiosamente son los que me han dado mayor reputación artística.

P. Pero incluso llegó a tener algún problema con Philippe Charlier, el hijo del guionista original de la serie, Jean-Michel Charlier.

R. Cuando conocí a Philippe era un niño de 12 años. Fallecido su padre, Jean-Michel, yo quise seguir manteniendo una relación de amistad con su hijo. Por eso le presenté una historia nueva de Blueberry con la intención de que le diera el visto bueno o hiciera los comentarios que quisiera para mejorarla. Quería que participara. Entonces me dijo que mientras él viviera, yo nunca podría publicar esa historia, porque su padre había puesto unos límites a Blueberry que yo no podía transgredir. Para mí fue un horror.

Isabelle Giraud, la mujer de Moebius, explica que esta historia se titulaba Blueberry 1900 y que en ella el autor mezclaba western y género fantástico con la aparición de fantasmas y zombis. Isabelle afirma que el desencuentro con Charlier hijo impactó tanto a Moebius que hasta le hizo perder durante un tiempo el flujo creativo en la saga Blueberry.

P. Usted dibujó para Marvel una historia de Estela Plateada. Si hubiera seguido con la colaboración ahora sería un empleado de la Disney con tanta concentración empresarial...

R. En Inside Moebius aparece el único superhéroe de Europa. Soy yo mismo volando con dificultad, no como Superman, pero vuelo. Está claro que no tengo la misma seguridad de vuelo que los estadounidenses, pero ahí estoy... surcando el cielo.

P. Hablando de titubeos, en la prensa francesa se ha publicado recientemente que peligraba la celebración del Salón de Angulema.

R. Siempre está en peligro, pero al final acaba celebrándose. Es un certamen que funciona muy bien, pero mientras mejor funciona, más cuesta y eso es un problema en tiempos de crisis económica.

P. Lo que parece seguro es que a este ritmo dentro de poco estaremos todos leyendo manga. El éxito del cómic japonés entre los jóvenes no presagia nada bueno para los autores europeos.

R. El manga es una plaga. La invasión ha sido total, como demuestra las cuotas de mercado que ha conseguido. Es una epidemia. Me recuerda a lo sucedido con las abejas de la Amazonia que suben hasta Norteamérica y matan a las especies autóctonas. En Francia, los camarones han desaparecido porque echaron en nuestras aguas una especie foránea que acabó con ellos. Los nuevos también están buenos, pero no son los mismos... Tienen un acento espantoso. El problema es que el manga llega a Europa, pero el cómic europeo no va a Japón. Eso es lo injusto.

© EDICIONES EL PAÍS S.L.

sábado, 7 de noviembre de 2009

Héroe a su pesar






Nick Abadzis trasciende la épica al narrar la historia de Laika, la perrita lanzada al espacio por la URSS. Con un trazo sencillo y eficaz, resume la Guerra Fría en un cómic

ÁLVARO PONS
BABELIA - 07-11-2009


Recuerdo perfectamente la fascinación que me produjo de niño un libro sobre Werner von Braun, el científico alemán que pasó a la historia como el cerebro del programa espacial americano, pese a su oscuro pasado como creador de las mortíferas V-2 nazis. Es verdad que hoy apenas tengo una memoria fugaz de su portada, pero sigue marcada a fuego la sensación que elevaba a aquel hombre y a la titánica tarea de llevar a la humanidad al espacio a la categoría de épica heroica.

Poco importaba haber sido parte de las SS, o tener el dudoso honor de ser artífice de una de las armas más letales de la II Guerra Mundial: las lejanas estrellas parecían edulcorar con efectividad cualquier agrio episodio anterior, fascinando al niño con un poder hipnótico de arrasadora fuerza.

Esa capacidad de hechizo se mantiene y extiende con el tiempo: el relato de las misiones espaciales tiene la virtud de apelar a esa atracción que el joven tiene por la gesta heroica, transformando a los astronautas en una suerte de seres mitológicos a los que se admira de forma rendida.

La ciencia-ficción ya nos ha llevado a los límites del universo, pero los logros de la carrera espacial parecen activar un escondido mecanismo que nos dice que lo imaginado puede ser posible, despertando a ese niño dormido por la anestesia de la madurez, bajando nuestras defensas intelectuales y entregándonos a esa visión magnética del héroe espacial.

Nick Abadzis sintió esa misma pasión, que conecta a la infancia y lleva a todo niño a desear ser astronauta de mayor. Ya adulto, su trabajo de dibujante de historietas no le podía llevar físicamente a las estrellas, pero sí le permitía transformar aquella adoración en un relato. Se fijó en el programa espacial soviético, el que dio el primer paso y el que se beneficiaba de un eficaz entramado de propaganda, aunque también el más desconocido hasta la caída del muro.

Un largo recorrido de éxitos, pero también de fracasos, que le obligaba a centrarse en algún episodio en especial, eligiendo el lanzamiento del Sputnik II, la primera misión al espacio con un ser vivo: la famosa perrita Laika.

Una historia de sinsabores bien conocida hoy, pero que investigó exhaustivamente, siguiendo la vida de todos los actores de este drama, desde el ingeniero jefe responsable del Programa Sputnik, Korolev, hasta la técnica veterinaria que cuidaba de los perros sobre los que se hacían pruebas para que años después Yuri Gagarin fuera el primer hombre en órbita.

Descubrió una historia que rebasaba los límites de la simple conquista científica, con vergüenzas sobre las que la épica había extendido un tupido y conveniente silencio, lo que le llevó a una encerrona argumental: su libro era un encargo que tenía como objetivo el lector juvenil... ¿Cómo transmitir ese sentimiento de pasión por el espacio a los jóvenes del siglo XXI sin traicionar la necesidad de contar la realidad?

La solución era tan arriesgada como sorprendentemente resolutiva: trasladar el protagonismo a la perrita Laika. Convertirla en el eje del relato aupándola a la categoría de héroe a su pesar, pero desde una perspectiva realista, evitando caer en los peligros de la querencia antropomorfista disneyniana.

La excusa de un lector potencial juvenil justifica y da coartada a la maniobra: la alegre perrita conecta con facilidad con un lector emocionalmente permeable, pero la opción realista evade caer en un indulgente -cuando no barato- sentimentalismo que practica con demasiada asiduidad toda una corriente de la historieta infantil y juvenil "de animalitos". A su vez, la aparentemente sencilla elección tiene otra consecuencia afortunada: la épica heroica que adormecía una mirada más reflexiva ya no es posible.

El protagonismo de un pequeño animal irracional rompe el hechizo y deja libre al autor para establecer otros niveles de protagonismo, así como trabajar con mayor profundidad en todo el apasionante entorno histórico, desde el principio de la competición espacial en la guerra fría a la situación política, pasando por una interesante reflexión sobre el proceso científico y los hombres que lo hacen posible.

Su dibujo sencillo, abigarrado de viñetas en algunos momentos, es perfecto para el desarrollo de unos personajes que se moverán alrededor de la perrita para construir una historia en la que las ambiciones políticas se entremezclan con el espíritu científico, revelando al público una cara de la investigación poco habitual, la que habla de personas con sentimientos humanos.

Y Laika, la pequeña y alegre perra de rabo rizado, asiste como espectadora impotente al drama que protagoniza. De vez en cuando, Abadzis le da voz, más que como humanización del personaje, como proyección de las ilusiones de aquellos que la rodean. En la justa medida para actuar como impulso emotivo de una historia donde la épica heroica se transforma en un drama realista, vibrante y conmovedor, que da una nueva perspectiva a esa ambición humana que llamamos la carrera espacial.

martes, 3 de noviembre de 2009

Desde Cuba: No están todos los que son... Segunda parte



por Francisco Pascasio Blanco Ávila
caricaturista cubano


Lamento que en el último trabajo que les ofrecí, titulado No están todos los que son, ni son todos los que están, se me haya olvidado algo muy importante: El tema fue motivado por celebrarse en Cuba el 20 de octubre, Día de la Cultura Nacional, y ya estábamos dentro de la Jornada conmemorativa.

Antes que se me olvide, los tres autores incógnitos en esa edición son: (V.M.) Víctor Manuel González, cuadro de la esfera ideológica del Partido por entonces, y actualmente en “Bohemia”; (Tato Páez) es Tubal Páez, el presidente de la Unión de Periodistas de Cuba desde hace unos cuantos años, y (AEP) es nada más y nada menos que nuestro ministro de Cultura Abel Enrique Prieto Jiménez.


Dentro de pocos días cumplo 79 años, y si sumamos una catarata débil visual con mi disco duro (un poco blando) de memoria Ram, conspiran para que se me olvide incluir otras personalidades que incursionaron esporádicamente en la caricatura. Rectifico pues:

De momento podemos agregar al querido Ho Chi Minh, quien con el seudónimo de Nguyen A. Q. firmó este dibujo que ahora tengo el placer de presentarles…


En la antigua URSS, visité museos donde se guardan testimonios de los dibujos satíricos que adornaron la Ventana Rosta de Moscú, en tiempos de la revolución bolchevique.


¿El autor? Ése gran poeta ruso Vladímir Mayakovski, quien también escribiera hermosos versos sobre Cuba. Aquí dos de esas caricaturas…

¿Y qué me dicen del multipremiado cineasta Gutiérrez Alea, autor de obras para morirse de risa como “La muerte de un burócrata” o aconsejables para olvidadizos como yo “Memorias del subdesarrollo”: Pues bien, Titón firmaba sus caricaturas con el seudónimo de Titón, y de ahí que los más cercanos a él, lo llamaran Titón.

Existen apuntes cómicos del inolvidable Lezama Lima como esta copia de un original hecho por el padre de “Orígenes” y espero que ustedes, mis queridos vecinos, me ayuden a recordar algún otro ejemplo porque, para finalizar, debo confesarles algo:


Uno de los espacios televisivos que más veo es “Contra el olvido”, y notando las dificultades que últimamente presento para memorizar, acudí al geriatra especialista en psicología del adulto mayor.

El médico me preguntó:

--¿Qué le pasa?-

A lo que le respondí:

--Doctor, se me olvida todo; dónde puse los espejuelos; si guarde la prótesis dental en el armario o el escaparate; se me desapareció el último trabajo que escribí para el blog, y así una y mil cosas más.

Tras el inventario de amnesias, el facultativo me pregunta:

--¿Desde cuándo tiene ese problema?

Y yo, a una pregunta, otra:

--¿Qué problema, doctor?

Espero me hayan disculpado.

Fuente: ¡Ay, Vecino!

Desde Cuba: No están todos los que son, ni son todos los que están



por Francisco Pascasio Blanco Ávila
caricaturista cubano


¿Se han fijado que lo más parecido a una caricatura es un dibujo infantil?

Igualmente comparable es la pintura primitivista o ingenua.

¿Por qué en edades tempranas hay tanta demanda por los “cómics” y los animados del cine y la televisión?

Es que en cada niño hay un caricaturista en potencia. Que se desarrolle o no, depende de su propia maduración. Para algunos esa afición conduce hacia las artes plásticas en general o de adultos se convierte en un pasatiempo. Los profesionales del humor gráfico, son aquellos que derivan en víctimas de una adicción crónica, como un alcohólico cualquiera. Ese es mi caso.

Pero en esta oportunidad trataremos de algunos casos significativos de caricaturistas ocasionales.

Empezamos con nuestro Héroe Nacional José Martí y una de sus autocaricaturas.

Recuerdo en mi infancia que el famoso tenor Enrico Caruso, no sólo tenía una voz capaz de matar un burro con un do de pecho. Fue también un sagaz caricaturista personal, lo cual testimonió el maestro Massaguer en sus memorias.






Otro grande por entonces del pentagrama, Xavier Cugat, catalán de nacimiento pero formado musicalmente en Cuba, triunfó en Hollywood como un excelente director de orquesta. Era tan bueno con la batuta en una mano como con el lápiz juguetón en la otra.

Sin apartarnos del pentagrama: Bobby Carcacés, intérprete, compositor, y uno de nuestros jazzistas más destacados, tiene una colección de originales dibujos cómicos sólo comparables con su propia producción de instrumentos musicales absurdos.


¿Y qué me dicen de Silvio Rodríguez? Casi imberbe era ya un consagrado en la revista “Mella” de la juventud, donde sus caricaturas más que caer por el hoyo, se elevaban en “El Hueco”, sección gráfico-cómica de la publicación. Tenía un gran futuro mucho antes de que se le ocurriera cambiar el pincel por la guitarra. No es de lamentar pues: Ningún caricaturista, presente, pasado o futuro; criollo o foráneo, ha brillado tan alto.

Conocí a Luis Felipe Carneado cuando me confesó sus habilidades caricaturescas aunque no lo hizo profesionalmente en los primeros tiempos de Prensa Latina ni después, al frente de la Oficina de Atención a Actividades Religiosas, donde tuvo una destacada participación.

Aún recordamos a Idalberto Delgado en el personaje protagónico de “Tito el Taxista” o el Paco de “Alegrías de Sobremesa”, series radiales y televisivas de gran comicidad. Pues bien, en cierta ocasión asistí a una exposición de caricaturas suyas, donde no quedó un solo compañero de la radio que pudiera escaparse de su irresistible pincel.


Lamento no poder ofrecerles copias de los trabajos gráficos de esos dos colegas, pero quería dejar constancia de ello.

Este es uno de los dibujos que tuve el privilegio de ver adornando originales del Poeta Nacional Nicolás Guillén, cuyos márgenes mostraban garabatos jocosos, que él iba realizando en la medida en que coqueteaba con su musa.

Todos recordarán a ese innovador de la noticia radial que hizo de la inmediatez su meta. El uruguayo, que triunfó primero en la radio manzanillera y posteriormente conquistó a la nación con “Haciendo Radio” por Radio Rebelde.



Pues bien: Es poco conocido que Jorge Ibarra colaboró mucho tiempo con PALANTE bajo la firma de Zaba, apócope de su segundo apellido, Zabaleta.

Por último, traigo algunos ejemplos que para mis vecinos resultará una revelación:


Corría la década de los años 70 en el pasado siglo, cuando dos inquietos jóvenes estudiantes compartían tareas sociales e inclinaciones al arte, comenzando sus pininos en el humorismo gráfico cubano. Ambos firmaban con seudónimos y hoy ocupan cargos de gran responsabilidad en la cultura nacional.


Uno firmaba Tato Páez o Tubal a secas, y el otro con sus iniciales AEP. Aquí van algunos de sus trabajos, entre ellos tres "tenis" en la cabeza. Otro dirigente de la esfera política llegó a tener un espacio fijo en la Revista “Bohemia” con el personaje cómico “Cheo el Cojo” y firmaba con sus iníciales: V.M.



Comencé con una interrogante y termino con un enigma: ¡Identifique a estos tres autores!

Fuente: ¡Ay, Vecino!

domingo, 1 de noviembre de 2009

Entrevista y reseña de Cabaret, de Medusa the Doll Maker



Desirée Bressend 01/11/2009

Conoce esta inconfundible obra de Asunción Macián Ruíz, Medusa: the Doll Maker.

FICHA TÉCNICA:

Título: Cabaret.
Autora: Asunción Macián Ruiz "Medusa: the Doll Maker".
Estilo: Ilustración, drama.
Editorial: Planeta de Agostini.
Formato: Cartoné con sobrecubierta.
Precio de esta edición: 12,95 € (muy buena relación calidad/precio).
Lo Mejor: El estilo inconfundible y personal de la autora.
Lo Peor: Se echa de menos una foto de la autora.
Te gustará: Si te gustan las películas tipo Cabaret o Moulin Rouge.

OPINIÓN:

Lo primero que hice al coger el libro fue quitarle la sobrecubierta, ya que es un libro grande, en más de un sentido, "El destino más grande tiene simientes sencillas. El mío lo decidió un lápiz". Eso sentencia el primer personaje de la autora, y al parecer ella misma; dividido en seis historias independientes a modo de estaciones Medusa nos presenta una introducción al mundo del cabaret, con clásicos como el Moulin Rouge o Die Katakombe; guiños al cine y al estilo burlesque que se unen y conforman un hilo conductor unitario a pesar de que las historias, enlazadas en el libro sean independientes y que conozcamos a los personajes brevemente, entre ellos figuran un pintor, una preciosa Bella Otero o una bailarina hermosísima.

En palabras de la autora eligió esta temática porque "El Cabaret representa esa fusión donde se trenzan todas las artes y donde acaban refugiándose muchas almas que buscan la esa magia en lo cotidiano. La vida es un misterio que está ahí, una tragicomedia que va desenvolviendo sus actos como un abanico y está al toque de dedos de cualquiera que quiera trepar hasta ella. Cada uno escoge si quiere desentrañar ese misterio. La historia de los cabarets es más antigua de lo que parece, puesto que el ser humano siempre ha buscado expresar una madeja interior, protestar contra aquello que oprime esa voluptuosidad. El mérito era darle una forma con ese nombre y amamantarla en una época donde todavía era sórdido ir más allá de las convenciones. El "Cabaret" como tal se desarrolla en una ansia humana de expandirse, en plena revolución en todas las áreas. Una explosión. Yo sencillamente he vivido enamorada de esos ambientes oscuros donde podrían haber personas como tu y como yo. Lo veo como algo intimista." esta descripción da de lleno en el espíritu del libro, contando historias propias del romanticismo trágico de principios del siglo XX.

Dentro de un marcado estilo propio, los colores se trenzan de manera que envuelven al lector, Medusa nos explica que sus ilustraciones las hace "Con todas las técnicas que estén a mi alcance" esto incluye técnicas tanto tradicionales como digitales siguiendo el proceso que ella nos cuenta "Se generan en menor o mayor medida de la matriz de un lápiz siempre, un bocetado ya sea como idea definitiva u orientativa. Para el tradicional me gusta jugar con lápiz, bolígrafo y collage con piezas de tela y materiales diversos, aunando todo lo que pueda ser un lenguaje. Es muy espontáneo".

"Intento llevar el mismo aroma a la técnica digital, donde algunas de esas ilustraciones a lápiz cobran un acabado diferente y una atmósfera con la que esté satisfecha. Así vinculo yo tradición y modernidad, imprescindibles las dos en mi vida. Mis herramientas son un bloc sucio y dramáticamente reventado, unos lápices que están continuamente pidiendo auxilio, bolígrafos que nacen y mueren como les viene en gana, la tableta digital Wacom Bamboo que es muy aseada y un ordenador con Freehand y Photoshop CS3/CS4 que tiene vida propia" de estas palabras también podemos extraer la facilidad de palabra que tiene la autora que se agradece en el texto del libro, claro pero evocador y que fluye de manera excelente compaginando las ilustraciones con la historia perfectamente, aunque quizá peque un poco de corto (ya que al ser de agradable lectura se podía haber incluido más texto) hay que tener en cuenta que se edita en cuatro idiomas pero simultáneamente, hablando de esta singularidad con la autora nos dijo que "en un principio me parece una idea espectacular para hacer una promoción internacional desde el lanzamiento del libro. Se ha hecho con otros libros, pero también te limita los textos y en mi caso, apostando por la idea de montar un libro de cara al extranjero también me ha tocado recortar todo el guión del libro un 50%, con lo cual se ha perdido mucha esencia por el camino. Tampoco creo que lo que tenga que decir sea nada del otro mundo. Eso si, me hace mucha gracia leer cómo suena en italiano, francés o inglés "Cabaret". Yo uso el inglés a diario pero hay palabras que ni conocía o formas gramaticales que no entendía así. Y como también me chiflan los idiomas hasta el infinito y más allá he aprendido muchas cosas.

Otro punto innovador que ha aportado la autora desde su blog, completamente actualizado siempre, es el de añadir una lista de canciones recomendadas para escuchar a la vez que realizamos la lectura del libro, llamándolo "mapa melódico de las canciones de Cabaret" esto es un complemento altamente recomendable, amén de demostrarnos un gran gusto musical por parte de Asunción, que elige grupos como Dresden Dolls o Marlene Dietrich termina por darle banda sonora de manera muy especial a la obra, aquí reproducimos las listas de manera muy breve, así, para ampliar la información os recomendaríamos pasar por su blog, estas listas también os dará una idea de como está estructurado el libro.


Capítulo 1 - Estación de la delicia // Moulin Rouge! (Francia)

Nature boy - David Bowie/Moulin Rouge OST
Complainte du la butte - Rufus Wainwright/ Moulin Rouge OST
Bolero - Moulin Rouge OST
Evil night together - Jill Tracy


Capítulo 2 - Estación de la locura // le Chat Noir (Francia)

Aristide Bruant - le Chat Noir
Tony Zenet - Soñar contigo
Puccini - E Lucevan le estelle (Tosca)
System of a Down - Toxicity

Capítulo 3 - Estación de las Palabras / Els Quatre Gats (España)

Pasión Vega - La canción de las noches perdidas
Conchita Piquer - Ojos verdes
Ella Fitgerald - Summertime
Lola Flores - Pena penita pena
Vania Fernandes - Senhora Do Mar

Capítulo 4 - Estación de la Serpiente (Cotton Club, New York)

Dresden Dolls - Coin operated boy
Mónica Naranjo - Inmensidad
Dresden Dolls - Backstabber
Enigma - Gravity of Love
The Eternal Fall - The Puppet
Dead Can Dance - Lotus Eaters
Mónica Naranjo - Amor y Lujo
Mychael Danna - Maya's Theme (OST KamaSutra, a Tale of Love)


Capítulo 5 - Estación de la esperanza (Die Katakombe 1, Alemania)

The Tiger Lillies - Angel
Michael Jackson - Earth Song
Mónica Naranjo - Usted
The Tiger Lillies - Crack of Doom
The Cure - Lullaby
Nina Simone - My baby just care for me
Enigma - Beyond the invisible
Kerli - Walking on air

Capítulo 6 - Estación de sueños (Die Katakombe 2, Alemania)

Marlene Dietrich - Lili Marleen
The Tiger Lillies - Xyz
Queen - The Show must go on
Nick Cave & Kylie Minogue - Where the wild roses grow
Mónica Naranjo - Idilio
System of a Down - Spiders
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ENTREVISTA CON MEDUSA "THE DOLL MAKER"


En el mundo de la ilustración se te reconoce mas por "Medusa" que por Asunción, ¿Porqué ese pseudónimo?

Surgió hace bastantes añitos. Siempre he resultado una fanática de la mitología, el arte griego y romano y sobre todo la "ley del rascar el suelo": la arqueología. Como es evidente, el carácter que más me fascinaba por una lejana ambigüedad, por representar a una mujer marcada por una injusticia y que se convierte en un icono de fortaleza con todas las consecuencias buenas y malas, es Medusa. Es también un tremendo avatar de sensualidad, algo que considero fundamental, pero de una forma alternativa a la sensualidad alegre de Afrodita. Las serpientes para mi representan sinuosidad, feminidad y sabiduría milenaria.

Me afecta tremendamente una Atenea más que una Afrodita. Mi objetivo en la vida es llegar a ser una mujer fuerte, sabia e independiente. Por todo esto y porque siempre llevo pelos de loca, ¡para qué nos vamos a engañar! ¡Ten en cuenta que Asunción es muy poco exótico!

En todas tus ilustraciones de mujeres hay una mezcla entre "femme fatale" y "doncella desvalida" ¿Te inclinas en especial por alguno de estos tipos?


(Risas) Yo creo que todas somos una fusión de ambas, donde ninguno de esos adjetivos es incompatible. Pero si me inclino por alguna de ellas es por la "femme fatale" porque es una conciencia completa de lo que una mujer puede llegar a ser, dominando sus virtudes y sacando partido a sus defectos, asumiendo una sexualidad que existe. Me gustan las mujeres fuertes y que toman con las dos manos las riendas de su vida, y esto lo hago extensible a cualquier género, hombre, mujer o cosa y en todos los ámbitos. Aún así me es imposible desvincular a la "fatale" de la "desvalida", puesto que todas somos tremendamente vulnerables, sobretodo ante nosotras mismas como némesis eterno. A veces da un miedo terrible tomar la determinación de sentarse a hablar un ratito con nuestro yo interior, pero hay que enfrentarlo todo y somos un enemigo temible.

Hemos podido ver que para aquellos que siguen tu blog has creado una lista de reproducción de música ideal para escuchar con el libro ¿Por qué esta manera de compaginar música e ilustración?


Porque considero "Cabaret" en todo lo breve que es como un libro tremendamente musical. La música es un hermano siamés entregado y amoroso para lo que respecta a mi trabajo. No te digo que no podría crear sin escuchar música, pero sin ella el mundo adolecería de una magia necesaria y un sentido. Para mí, tener ese hilo musical con lo que respecta al libro fue una manera de ver vivo cada capítulo, como en una película. En "Cabaret" no puedo desvincular esta conexión irremediable y a través del blog quise compartir esta experiencia con los parroquianos. Todas aquellas músicas que hacían dinámicas todas aquellas escenas congeladas que se ven en el libro están ahí. Algo bonito e imposible habría sido acompañar el libro con un CD, habría sido perfecto. Pero ni la música que me inspiró era mía, ni yo tengo la más pajolera idea de componer con ingenio y gracia. Así que recurro a los magos melódicos para que muevan los hilos de las marionetas que yo voy creando. No puedo decir sino que admiro a todos y cada uno de esos creadores. El diseño gráfico, la ilustración, el arte es mi vida.... pero la música también. Como pongo en boca de Tolouse en el libro, "Yo pintaré tus canciones y tu cantarás mis pinturas".


También se ven muchas referencias al cine en tu obra como Moulin Rouge,... ¿Es el cine una fuente de inspiración para ti?


Sí, Como extraordinario fenómeno que dota a la imagen estática de movimiento y vida, lo adoro. Moulin Rouge, tanto la película de John Houston como la de Baz Luhrmann son tesoros que inundan la vista con magníficas fotografías, explosiones de color y brillantes características. A través de ellas, con mayor o menor acierto y gracias a las labores de documentación que realizaron sus respectivos directores, podemos asomarnos un poquito a lo que era la vida entonces y aquel enigmático mundo de luz y sombra que se despereza en los cabarets. Eso en cuanto a cabarets de fin de siglo. Para el resto de épocas hay un elenco de películas míticas que nos acercan trocitos de esa experiencia; Cabaret, All That Jazz, El Ángel Azul... Pero no únicamente hay referencias a un cine hormigonado de locales nocturnos y música en el libro. Todo tipo de cine ha arañado un poquito la puerta de cada capítulo. Kama Sutra, Tesis, Al final de la escalera, El jorobado de Notre Dame (en todas sus versiones), La Bella y la Bestia (también en todas sus versiones), el Fantasma de la Ópera (versiones antiguas y modernas), cine de Bollywood, Los Otros, cine español y películas de hostias finas. También me impacta un buen videoclip. Debo reconocer que hasta los rótulos de los capítulos están trabajados desde una perspectiva cinematográfica, yo disfruto como una enana jugando con los elementos en pleno éxtasis de diseño gráfico.

¿Qué otras inspiraciones hay?


Desde la rabiosa actualidad con todos sus conflictos y avances hasta la psicología, la literatura especialmente Bécquer, Alan Moore, Wilde y Pérez-Reverte o Lovecraft entre otros. También personalidades históricas o artísticas que me han impactado ardorosamente como Frida Kahlo, La Bella Otero (Carolina Otero), Tolouse Lautrec, Klimt, Anita Delgado, Giger, Dalí, Miguel Ángel, Brom, Tamara de Lempicka.... y excepcionalmente Gandhi. Este último me ha marcado a fuego. Debo destacar que el mundo del cómic y la novela gráfica ha sido una gran influencia a lo largo de toda mi existencia. Yo empecé en el cómic leyendo Mortadelos, cómics de Batman y los primeros que compraba con lo que me sobraba de las chuches eran los de Ranma 1/2. El trabajo de Ibáñez ha significado mucho, muchísimo para mi, tanto en lo personal como en lo laboral. Otras grandes influencias han sido Frank Miller, Tsutomu Nihei, Yoshitaka Amano, Katsuhiro Otomo, Milo Manara, Enkil Bilal, Roger y Raule con su Jazz Maynard... hasta las películas de anime japonesas o la animación occidental de Disney o Dreamworks.


¿Crees que el trabajo digital no se valora tanto como el tradicional? ¿Cómo es usar técnica mixta?

Si, lo creo así. No desmerece el trabajo que hacemos los que tocamos los palos tanto tradicional como digital, pero parece que todo es más sencillo y que el ordenador te lo hace todo solo. La gente que se dedica al terreno digital de la ilustración y diseño gráfico y mis amigos que han estado ahí viendo cómo no cabía ni la más remota posibilidad de separarme del ordenador para sacar "Cabaret" (por ejemplo) adelante, sabemos el sacrificio que supone y el esfuerzo que conlleva. La ventaja que tiene es que si desgracias algo en la ilustración puedes mandar a freír gaitas amablemente lo que no te guste sin tener que comenzar una ilustración de nuevo. También que si tratas de hacer un collage ni te pones perdida de pegamento ni te apuñalas la yema de los dedos con agujas tratando de coser al papel trocitos de los materiales. Son cosas distintas pero como he comentado arriba, para mi están muy vinculadas y ni puedo ni quiero divorciarlas.

Los programas de ordenador, por mucho que queramos, no hacen las cosas ellos solitos. Antes de empezar con el ordenador ya has caminado ancho y largo varias veces por lo tradicional para aplicar esos conocimientos, ya que un Photoshop por ejemplo no te va a decir, por muy completo que sea, dónde van las luces y las sombras, qué gama cromática te va mejor o te dibuja la anatomía. Y si no tienes esa experiencia por muchos filtros "guays" o muchas cosas chulas que tenga el programita se nota. La técnica digital es solo una puerta abierta más a la creatividad que exige un "empezar de nuevo a aprender" cómo aplicar lo que ya sabes y el partido que le puedes sacar. Se debe gozar como tal, ni desvirtuar ni sobrevalorar. Solo cambia el soporte y el dinamismo de "fabricación" de tu obra. Lo que quieres expresar con tu trabajo y tu estilo al final debe ser el mismo.

De un modo u otro, yo he pasado toda mi vida con técnicas tradicionales, y como soy de una insoportable curiosidad he experimentado con todo lo que me ha caído en las manos: lápiz, carboncillos, tizas, maquillaje, telas, plástico, café, bolígrafos, acuarelas, óleos, pintura de camisetas, lápices de colores, escultura... Así que jamás voy a dejar de lado aquello de lo que he mamado. Sencillamente he incluido otra herramienta en mi vida. Me siento muy cómoda con todo ello y me encanta escaparme con un bloc rancio, un lápiz y un bolígrafo a dibujar por allá donde esté.

Cada uno entiende por técnica mixta su propia mezcla de artilugios. Yo en tradicional lo entiendo como no monopolizar una herramienta, sino sumar al lápiz por ejemplo, acuarelas, bolígrafos, óleo, tela... lo que crea que puede ir bien. La técnica mixta que uso para el terreno digital incluye la tradicional en mayor o menor medida, el coloreado donde te pasas horas interminables dándole que te pego a la tableta y el collage con elementos reales o texturas para ropa, fondos, granulado de pieles, encajes, ornamentos... Me gusta que una ilustración no sea solo una cosa de una pieza, sino un elemento que sume el diseño gráfico para experimentar a todos los niveles. Si no pudiese experimentar, montar y desmontar a placer, sería monótono y me aburriría.


Todavía no has empezado con sesiones de firmas pero lo harás en breve ¿te asusta el público?

Buff.... (risas) Más que asustarme, me intimida. Soy una persona muy extrovertida, los que me conocen saben que soy muy payasa, una cachonda mental y que posiblemente me falte ese tornillo que hace que continuamente haga contorsiones mentales. Debo recalcar que mis amigos están hasta la nariz de Cristo de mi, ¡pero es que ellos no saben lo difícil que es ser yo! (risas)... El vértice del mal radica en que soy terriblemente tímida. Suelo moverme en círculos pequeños de amistades y gozo de una vida sencilla y apacible. Creo que eso es el único problema que voy a tener con las firmas, el vencer esa timidez errante, pero está controlado muchachada, está controlado. En otras circunstancias me he visto frente a situaciones de este tipo y he logrado salir sin morirme ahí mismo, como en alguna actuación musical que he tenido que realizar por necesidad o devoción, debo decir que al día siguiente estaba ingresada por una pancreatitis en el hospital, pero intento no relacionarlo, (risas) . Por lo demás se que lo voy a pasar de fábula compartiendo con el que se deje caer por las firmas lo que ha significado para mi "Cabaret" y agradezco infinito el bonito gesto de que alguien quiera que le firmes, todas las muestras de cariño, el ánimo y las críticas que h e recibido hasta ahora de mi trabajo.


MÁS INFORMACIÓN


SOBRE LA AUTORA


WEB:http://www.medusathedollmaker.com/
BLOG:http://medusadollmaker.blogspot.com/
MYSPACE: http://www.myspace.com/medusathedollmaker

Fuente: Fantasy Mundo

sábado, 31 de octubre de 2009

El veterano dibujante Juan Giménez recala en Donostia


Oihane Larretxea
Gara, Donostia


La 20a. Semana de Cine Fantástico y de Terror dedica dos exposiciones al gran dibujante de cómics Juan Giménez. Es un reconocimiento a la larga trayectoria de quien está considerado como uno de los más importantes dibujantes del género fantástico y de ciencia ficción de las últimas décadas. En la rueda de prensa que ofreció ayer, Giménez lanzó la vista atrás para hablar de sus inicios, y recordó que no fueron fáciles «sobre todo por unos padres que dudaban que fuera posible ganarse la vida mediante los cómics», señaló.


Con la mirada puesta en el presente, lamentó «lo difícil que lo tienen los jóvenes hoy en día», aunque les animó a persistir. En cuanto a las exposiciones, los dibujos son una selección de la cronología de su trabajo desde que pisara Europa, dejando su Argentina natal en los años 70, hasta el día de hoy. El paso del tiempo queda reflejado en los dibujos, que van transformándose según las inquietudes del autor en cada momento: «Las modas cambian y también en el cómic, aunque la esencia de querer transmitir algo siempre perdura», matizó Giménez.

Las exposiciones se podrán visitar hasta el próximo 14 de noviembre en el Centro Cultural Okendo y en la Galería Vito 021.

martes, 27 de octubre de 2009

Preparando un sayonara

por Josep Calduch

La semana pasada se publicó el penúltimo capítulo del segundo manga más extenso jamás publicado en nuestro país, el tomo 55 de Inu Yasha.

Sí, ni Son Gokus ni Narutos ni Lobos Solitarios han logrado acercarse al montón de páginas publicadas de las aventuras del medio demonio creado por Rumiko Takahashi. De hecho en número de páginas esta obra sólo se ve superada por el pequeñajo Detective Conan.

Pero Inu Yasha no es sólo que sea larga, que lo es, es que además se ha hecho larga, la condenada, para los que la hemos ido siguiendo. Una constante en nuestras lecturas y visitas a la librería, y que tras una próxima entrega terminará, dejando un hueco en nuestro corazón y algunos euros en nuestros bolsillos que encontrarán pronto algo en que ser gastados.

Queda por tanto un solo tomo por salir, y muchas incógnitas por resolver. Estamos acostumbrados por otras obras (Lamu, Ranma) a que Takahashi no cierre completamente las tramas ni las relaciones entre los personajes, de forma que siempre sea posible una revisitación en un futuro; sin embargo esto no es recomendable en una serie como Inu Yasha en la que la escalada de poder, la lucha contra el Mal, y la consecución del Poder Supremo en forma de joya de las cuatro almas no es algo que puedas dejar así pendiente, sería como terminar Dragon Ball con Namec a punto de explotar... es de esperar, por tanto, que si no todas al menos algunas de las muchas incógnitas que penden en el aire se vean resueltas en la última entrega de esta larga serie.

Vaya, que tras más de diez mil páginas publicadas sus seguidores podamos quedarnos con la sensación de que al final ha sucedido algo.

Y es que son tantas las cuestiones que quedan por resolver: ¿Cómo terminará la relación entre Inu Yasha y Kagome? ¿y entre Sango y Miroku? ¿conseguirán derrotar definitivamente a Naraku? ¿Qué sucederá con Sesshömaru, el hermano de Inu Yasha? ¿conseguirá Inu Yasha dominar de forma definitivamente su espada Colmillo Perforacero? ¿Cual será el destino definitivo de la Joya de las Cuatro Almas? y quizá la pregunta más importante...




¿Acabará saliendo en la historieta la chica de la trenza que aparecía en el lomo del tomo 40?






Tantas preguntas y menos de 200 páginas para resolverlas.

Fuente: ADLO!