viernes, 27 de noviembre de 2009

Un extraterrestre de la Tierra: «Planet 51»



M. I. | DONOSTIA

Con sus 55 millones de euros de presupuesto, «Planet 51» se coloca como la producción cinematográfica más cara de la historia en el Estado español. A esa cifra hay que añadirle otros 50 millones más en gastos de promoción, con lo que se sitúa a la par de los largometrajes de animación hechos en Hollywood. Lo curioso es que toda la tecnología es propia y lo único importado es el guionista, ya que se ha contratado al Joe Stillman de «Shrek» para asegurar la comercialidad del producto en el exterior, mediante el consabido toque verdoso de cara a la venta de juguetes.

Aún así, la idea argumental es de los realizadores, y no se le puede negar originalidad: un astronauta de la Tierra llega a un lejano planeta donde es tratado como un extraterrestre. La paradoja espacio-temporal se completa con la idea de que en esa civilización alienígena viven como lo hacían los norteamericanos en los idílicos años 50, época en que se desarrolló a través de la ciencia-ficción la paranoia contra los invasores venidos de otros mundos.

También se ha contado para la versión en inglés con las voces de cotizadas estrellas como Dwayne Johnson, Jessica Biel o Justin Long. Un requisito obligado para competir en el mercado internacional, que es lo que pretenden en los estudios Ilion, que ya preparan para el 2011 su segunda superproducción animada, convencidos del rendimiento en taquilla de «Planet 51». Todo ello ha sido posible gracias a las ventas millonarias conseguidas en la división de videojuegos con la filial Pyros, que es la responsable de los lanzamientos de «Commandos».

Fuente: Gara

jueves, 26 de noviembre de 2009

Coitoris: tracklist.



Jueves, 26 de No-viembre, 2009.
Innita reveló hoy la lista completa de canciones de “Coitoris”, su álbum (y banda sonora de película del mismo nombre, dirigida por Guadalupe Smithye) para el 2010.

Thursday, No-vember 26, 2009.
Today, Innita unveiled the complete tracklist of “Coitoris”, her 2010's album (and film soundtrack of the same name, directed by Guadalupe Smithye).

01. Lesbitácora de Vuelo
02. Moon in Flames
03. Cnemidophorus Exsanguis III
04. I Still Love Me
05. Everyday is Sunday Here
06. 100000110000111000111100111110
07. Astrógeno
08. Ciencia Fricción
09. Coitoris
10. Miss Jupiter

lunes, 23 de noviembre de 2009

El dibujante de la venganza

El ilustrador de 'V for Vendetta', David Lloyd, visita España para participar en el Salón del Cómic de Getxo y hablar de su carrera

Iratxe Gómez


Frente a la televisión, un niño presencia un debate sobre temas educativos. Un programa en el que varias personas expresan su opinión. Entre ellas, un artista comercial, sentado frente a una mesa de dibujo enorme. Nada más verle, al pequeño se le abren los ojos y piensa: «¡Tiene una pinta genial. Es una gran manera de ganarse la vida! Eso es lo que quiero hacer yo».

Ese crío sorprendido delante de la caja tonta no era otro que el británico David Lloyd (1950). Así le surgió la vocación de dibujante. De la forma más inocente. Su curiosidad por el mundo del arte no paró desde entonces. Siempre atento a historias del género negro. Esta pasión la convirtió en su oficio, en el que se mantiene desde hace cuatro décadas. Pero la fama no le llegó hasta dar forma a una de las mejores historias de Alan Moore, V for Vendetta.

No ha sido un camino de rosas. Para convertirse en uno de los ilustradores más populares ha tenido que dar muchas vueltas. Un largo recorrido, pero intenso. Su primer cómic lo dibujó cuando apenas levantaba un palmo del suelo. Se trataba de una adaptación de Security Check, de Arthur C. Clarke. La calidad era buena, pero como cualquier principiante tenía fallos: los márgenes de las viñetas estaban mal colocados, exceso de tinta y bocadillos desproporcionados. Por algo tenía que comenzar. Pero sin dejar de buscar referentes.

Los dibujos animados, las tiras cómicas de los periódicos y las caricaturas políticas le influyeron mucho en la infancia. Luego se quedó prendado con las magníficas pinturas en la National Gallery de Londres, cuando tenía 11 años. Después se enganchó a la habilidad y las manualidades de los ilustradores británicos y estadounidenses.

Y es que Lloyd nunca esconde quiénes le marcaron en su trabajo. «Tintín no me gustaba, era demasiado amable para mí. Yo prefería a Steve Ditko, y dos artistas de tiras ingleses: Ron Embleton y John Burns. La bande dessinée europea la conocí más tarde, con cosas como Metal Hurlant...», desvela en su propia página web: www.lforlloyd.com.

En la publicidad

Sus comienzos no fueron por todo lo alto. Un chaval del norte de Inglaterra no podía pagarse la escuela de Bellas Artes, así que se puso a trabajar. Más tarde, hizo practicas en el departamento de arte de una agencia, donde le ofrecieron ser ilustrador freelance. «Si lo hubiera aceptado, quizá, sólo haría viñetas por diversión», confiesa. También llegó a hacer ilustraciones para publicidad. Un trabajo que, después, le sirvió para su obra.

A finales de los 70 empezó el despegue. Los lectores comenzaron a fijarse en él cuando dibujó al personaje Night Raven, junto al escritor Steve Parkhouse, para Marvel UK. Un luchador contra el crimen en los Estados Unidos de la época de la prohibición. Mientras disfrutaba de su primer éxito, el ex editor de la compañía, Dez Skinn, creó la revista Warrior en 1982 y le hizo otro encargo a Lloyd. «Quería que creara un personaje similar a Raven para ella. Me pidió que me inventara algo y, al principio, me dijo: «Escríbelo y dibújalo tú».

Pero el escritor británico Alan Moore se cruzó en su camino. Él también había sido reclutado para Warrior y trabajaba por esa época en una modernización del superhéroe Marvelman. Habían oído hablar el uno del otro, y ambos conectaron desde el principio.

Así se gestó la novela gráfica V for Vendetta. Para esta aventura, en la que un extravagante terrorista anarquista lucha contra un gobierno fascista, Lloyd copió la vestimenta exacta de 1605. Moore puso el guión y él se encargó del diseño y el aspecto visual. Su particular estilo noir aparece en este original cómic, en el que impregna de realidad al dibujo, al mismo tiempo, que lo seudodifumina y acompaña de tonalidades frías.

El proceso creativo de V fue arduo. Con la ventaja de que no tenía fecha ni contrato. La careta del cómic fue cosa de Lloyd, inspirada en Guy Fawkes, un conspirador católico ingles que intentó volar el Parlamento británico en 1605. Una especie de antihéroe enmascarado. «La dibujé basándome en un recuerdo erróneo. Sólo sé que la sonrisa funcionó bien y la dejamos». Y, aunque se tenía que ceñir al argumento, le sugirió a Moore que evitara leyendas, efectos de sonido y globos de pensamiento. Un trabajado influido por Orson Wells y series como Los Vengadores, El Fugitivo.

Fuente: La Voz Digital

Art Spiegelman regala tres cuadernos secretos a los aficionados al cómic

Si ya elevó el valor artístico del cómic con «Maus», obra que le valió el premio Pulitzer en 1992, Art Spiegelman regala ahora «Be a nose-Sé una nariz», una joya personal a todos los aficionados al cómic con la publicación de tres cuadernos que desvelan notas de investigación y detalles de su creación.

Spiegelman explica cómo se enfrenta al papel en blanco y su relación ambivalente con los cuadernos de bocetos: «si un cuaderno logra sobrevivir cierto tiempo a pesar de mis angustias, siento una mezcla de bochorno por su tosquedad y un tímido orgullo por mi fogonazo de disciplina», asegura, tras definirse como «demasiado neurótico» para dibujar regularmente en un cuaderno.

Admirador de «el arte por el arte», que se descubre a sí mismo con cada trazo y que, confiesa, acostumbra a «arrastrar las líneas, a insistir en que se conviertan, por ejemplo, en una nariz».

Fuente: Gara

viernes, 20 de noviembre de 2009

Bogotá: Primer Salón de Historieta Universitaria, museo UN


Con la participación de grandes dibujantes de historietas como Ernesto Franco, creador de Copetín; y Jorge Peña, docente y ex director de "Los Monos" y creador de inolvidables personajes como Tukano o Kike, se inaugurará este lunes 23 de noviembre de 2009 a las cinco de la tarde, en el Museo de Artes de la Universidad Nacional esta gran muestra del cómic local.

Participan egresados de la Universidad como: Marco Aurelio Cárdenas, Ceci (+), Federman, Jarape, Viktor, Sanabria, Grosso, No Para Innita, John Joven, Andrezzinho, Santiago, Sanito, Rincón, Luis Suárez, Federico Neira, Diego Felipe Guzmán, Dimo, Eneas, entre otros. En el semillero nos encontraremos trabajos de Ivanquio, Diana Mora, Giovanny Nieto, asistentes a la clase de narración gráfica.

Con el apoyo nacional de Muestra de Cómic Ciudad Pereira e internacional de Nani y su Magola, Antonio Javier Caparó desde Canadá, Roberto Goiriz de Paraguay, Christian Díaz y su Capitán Chile y Ricardo Peláez de México. Organizado por la Escuela de Diseño Gráfico y el Museo Virtual de la Historieta Colombiana.

jueves, 19 de noviembre de 2009

El Salón del Cómic de Getxo homenajeará a los autores Purita Campos y Juan Carlos Eguillor

La octava edición del Salón del Cómic de Getxo contará además con la participación de autores de primer nivel, como Dave McKean, David Lloyd, Mark Buckingham o el recientemente premiado Paco Roca.


Del 27 al 29 de noviembre Getxo acogerá la octava edición del Salón del Cómic y Manga que, durante tres jornadas, llevará el mundo de la viñeta a la plaza Estación de Las Arenas, donde, además de puestos de venta, habrá numerosas actividades. En total, ambos emplazamientos acogerán más de un centenar de puestos en los que se estarán presentes establecimientos de cómic, librerías especializadas, revistas, fanzines, editoriales y todos aquellos sectores relacionados con el noveno arte.

Como es habitual, Getxo recibirá a creadores de talla internacional, que participarán en charlas, presentaciones y, cómo no, en los esperados turnos de firmas, donde los aficionados pueden conocer de primera mano a sus autores favoritos. En esta ocasión el salón reunirá a los autores David Lloyd, Dave McKean, Mark Buckingham y Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008); además de los homenajeados, la ilustradora de la popular serie Esther y su mundo, Purita Campos, y el artista vasco Juan Carlos Eguillor.

Asimismo, las exposiciones ocuparán un lugar destacado en el Salón. En la carpa del Salón el público podrá visitar las exposiciones retrospectivas los dos artistas homenajeados, así como de Paco Roca y Jack Mircala, sin olvidar las muestras Cómic e Ilustración Injuve 2009 y Plutón BRBN.E.R.O., esta última con motivo de la adaptación al cómic de la conocida serie televisiva. Finalmente, de mano de la Asociación Profesional de Ilustradores de Euskadi (APIE) habrá una muestra dedicada a la revista El Balanzín, y varios integrantes de dicho colectivo expondrán sus trabajos en locales de la localidad.

Carpa manga

A todo ello se suman las presentaciones de novedades, a cargo de editoriales y autores, que ocupan otro lugar importante en el Salón, sin olvidar las charlas y mesas redondas que tendrán lugar a diario, ni las proyecciones, muchas de ellas agrupadas en interesantes ciclos. Ya se trate trabajos multimedia, animación, cortometrajes, documentales o anime, el público podrá disfrutar con toda una diversidad cinematográfica relacionada con el cómic.

Por otra parte, al igual que en años anteriores, el mundo del manga tendrá un espacio propio en la plaza Santa Eugénia de Romo, con una programación exclusiva.

Fuente: Gara

lunes, 16 de noviembre de 2009

"El 'manga' es una plaga"


ENTREVISTA: JEAN GIRAUD (MOEBIUS) Dibujante
"El 'manga' es una plaga"

ISRAEL PUNZANO - Barcelona - 15/11/2009

Con Inside Moebius (Norma), Jean Giraud (París, 1938), ha vuelto a deslumbrar a los amantes de las viñetas. Cuando parecía que ya lo había hecho todo en el mundo del cómic, el padre de Blueberry y del Mayor Fatal ha abierto una nueva puerta para explicarnos la esencia de crear. La obra surge tras su decisión de dejar de fumar yerba. Lógicamente, un encuentro con este gigante de la historieta sólo puede concluir con una pregunta impublicable: "¿Me lo firma?".

Pregunta. El Moebius posmarihuana es también puro Moebius. Habrá oído muchas bromas malas sobre esto...

Respuesta. Descubrí la marihuana en México en 1957. La probé allí por primera vez con artistas que la usaban no para huir de la realidad, sino para aprehenderla y entenderla de una manera diferente a la racional. Ellos usaban la marihuana como una herramienta, no como un remedio para evadirse. Al cumplir los 65 años decidí dejar la marihuana. Creía que iba a ser muy difícil. Entonces empecé un diario de esa aventura personal, pero a las cuatro páginas ya había olvidado mi propósito. En cualquier caso, lo más interesante de ese diario era la posibilidad de aparecer yo mismo como personaje.

P. Es decir, después de haberlo hecho todo en el mundo del cómic, tiene la sensación de haber descubierto algo nuevo.

R. Tengo una relación con los lectores muy particular y ahora quiero hablarles de mí en el proceso de creación. Creo que el interés de muchas de mis historias está en ver el trabajo de un artista que trabaja sin red, que toma todos los riesgos.

P. Para relación particular la que mantiene con su personaje más popular, Blueberry, cuyos álbumes firma con su verdadero nombre, Jean Giraud.

R. Más que con Blueberry, es con el cómic tradicional, que exige historias coherentes, razones, penas... Blueberry es muy importante para mí. Con esta serie aprendí los mecanismos de la narración del cómic tradicional. Además, me ha permitido mantener una larga relación con el público, porque es un personaje muy conocido, y me ha dado la posibilidad de vivir de una manera agradable. Los libros que firmo como Moebius se venden mucho menos, aunque curiosamente son los que me han dado mayor reputación artística.

P. Pero incluso llegó a tener algún problema con Philippe Charlier, el hijo del guionista original de la serie, Jean-Michel Charlier.

R. Cuando conocí a Philippe era un niño de 12 años. Fallecido su padre, Jean-Michel, yo quise seguir manteniendo una relación de amistad con su hijo. Por eso le presenté una historia nueva de Blueberry con la intención de que le diera el visto bueno o hiciera los comentarios que quisiera para mejorarla. Quería que participara. Entonces me dijo que mientras él viviera, yo nunca podría publicar esa historia, porque su padre había puesto unos límites a Blueberry que yo no podía transgredir. Para mí fue un horror.

Isabelle Giraud, la mujer de Moebius, explica que esta historia se titulaba Blueberry 1900 y que en ella el autor mezclaba western y género fantástico con la aparición de fantasmas y zombis. Isabelle afirma que el desencuentro con Charlier hijo impactó tanto a Moebius que hasta le hizo perder durante un tiempo el flujo creativo en la saga Blueberry.

P. Usted dibujó para Marvel una historia de Estela Plateada. Si hubiera seguido con la colaboración ahora sería un empleado de la Disney con tanta concentración empresarial...

R. En Inside Moebius aparece el único superhéroe de Europa. Soy yo mismo volando con dificultad, no como Superman, pero vuelo. Está claro que no tengo la misma seguridad de vuelo que los estadounidenses, pero ahí estoy... surcando el cielo.

P. Hablando de titubeos, en la prensa francesa se ha publicado recientemente que peligraba la celebración del Salón de Angulema.

R. Siempre está en peligro, pero al final acaba celebrándose. Es un certamen que funciona muy bien, pero mientras mejor funciona, más cuesta y eso es un problema en tiempos de crisis económica.

P. Lo que parece seguro es que a este ritmo dentro de poco estaremos todos leyendo manga. El éxito del cómic japonés entre los jóvenes no presagia nada bueno para los autores europeos.

R. El manga es una plaga. La invasión ha sido total, como demuestra las cuotas de mercado que ha conseguido. Es una epidemia. Me recuerda a lo sucedido con las abejas de la Amazonia que suben hasta Norteamérica y matan a las especies autóctonas. En Francia, los camarones han desaparecido porque echaron en nuestras aguas una especie foránea que acabó con ellos. Los nuevos también están buenos, pero no son los mismos... Tienen un acento espantoso. El problema es que el manga llega a Europa, pero el cómic europeo no va a Japón. Eso es lo injusto.

© EDICIONES EL PAÍS S.L.

sábado, 7 de noviembre de 2009

Héroe a su pesar






Nick Abadzis trasciende la épica al narrar la historia de Laika, la perrita lanzada al espacio por la URSS. Con un trazo sencillo y eficaz, resume la Guerra Fría en un cómic

ÁLVARO PONS
BABELIA - 07-11-2009


Recuerdo perfectamente la fascinación que me produjo de niño un libro sobre Werner von Braun, el científico alemán que pasó a la historia como el cerebro del programa espacial americano, pese a su oscuro pasado como creador de las mortíferas V-2 nazis. Es verdad que hoy apenas tengo una memoria fugaz de su portada, pero sigue marcada a fuego la sensación que elevaba a aquel hombre y a la titánica tarea de llevar a la humanidad al espacio a la categoría de épica heroica.

Poco importaba haber sido parte de las SS, o tener el dudoso honor de ser artífice de una de las armas más letales de la II Guerra Mundial: las lejanas estrellas parecían edulcorar con efectividad cualquier agrio episodio anterior, fascinando al niño con un poder hipnótico de arrasadora fuerza.

Esa capacidad de hechizo se mantiene y extiende con el tiempo: el relato de las misiones espaciales tiene la virtud de apelar a esa atracción que el joven tiene por la gesta heroica, transformando a los astronautas en una suerte de seres mitológicos a los que se admira de forma rendida.

La ciencia-ficción ya nos ha llevado a los límites del universo, pero los logros de la carrera espacial parecen activar un escondido mecanismo que nos dice que lo imaginado puede ser posible, despertando a ese niño dormido por la anestesia de la madurez, bajando nuestras defensas intelectuales y entregándonos a esa visión magnética del héroe espacial.

Nick Abadzis sintió esa misma pasión, que conecta a la infancia y lleva a todo niño a desear ser astronauta de mayor. Ya adulto, su trabajo de dibujante de historietas no le podía llevar físicamente a las estrellas, pero sí le permitía transformar aquella adoración en un relato. Se fijó en el programa espacial soviético, el que dio el primer paso y el que se beneficiaba de un eficaz entramado de propaganda, aunque también el más desconocido hasta la caída del muro.

Un largo recorrido de éxitos, pero también de fracasos, que le obligaba a centrarse en algún episodio en especial, eligiendo el lanzamiento del Sputnik II, la primera misión al espacio con un ser vivo: la famosa perrita Laika.

Una historia de sinsabores bien conocida hoy, pero que investigó exhaustivamente, siguiendo la vida de todos los actores de este drama, desde el ingeniero jefe responsable del Programa Sputnik, Korolev, hasta la técnica veterinaria que cuidaba de los perros sobre los que se hacían pruebas para que años después Yuri Gagarin fuera el primer hombre en órbita.

Descubrió una historia que rebasaba los límites de la simple conquista científica, con vergüenzas sobre las que la épica había extendido un tupido y conveniente silencio, lo que le llevó a una encerrona argumental: su libro era un encargo que tenía como objetivo el lector juvenil... ¿Cómo transmitir ese sentimiento de pasión por el espacio a los jóvenes del siglo XXI sin traicionar la necesidad de contar la realidad?

La solución era tan arriesgada como sorprendentemente resolutiva: trasladar el protagonismo a la perrita Laika. Convertirla en el eje del relato aupándola a la categoría de héroe a su pesar, pero desde una perspectiva realista, evitando caer en los peligros de la querencia antropomorfista disneyniana.

La excusa de un lector potencial juvenil justifica y da coartada a la maniobra: la alegre perrita conecta con facilidad con un lector emocionalmente permeable, pero la opción realista evade caer en un indulgente -cuando no barato- sentimentalismo que practica con demasiada asiduidad toda una corriente de la historieta infantil y juvenil "de animalitos". A su vez, la aparentemente sencilla elección tiene otra consecuencia afortunada: la épica heroica que adormecía una mirada más reflexiva ya no es posible.

El protagonismo de un pequeño animal irracional rompe el hechizo y deja libre al autor para establecer otros niveles de protagonismo, así como trabajar con mayor profundidad en todo el apasionante entorno histórico, desde el principio de la competición espacial en la guerra fría a la situación política, pasando por una interesante reflexión sobre el proceso científico y los hombres que lo hacen posible.

Su dibujo sencillo, abigarrado de viñetas en algunos momentos, es perfecto para el desarrollo de unos personajes que se moverán alrededor de la perrita para construir una historia en la que las ambiciones políticas se entremezclan con el espíritu científico, revelando al público una cara de la investigación poco habitual, la que habla de personas con sentimientos humanos.

Y Laika, la pequeña y alegre perra de rabo rizado, asiste como espectadora impotente al drama que protagoniza. De vez en cuando, Abadzis le da voz, más que como humanización del personaje, como proyección de las ilusiones de aquellos que la rodean. En la justa medida para actuar como impulso emotivo de una historia donde la épica heroica se transforma en un drama realista, vibrante y conmovedor, que da una nueva perspectiva a esa ambición humana que llamamos la carrera espacial.

martes, 3 de noviembre de 2009

Desde Cuba: No están todos los que son... Segunda parte



por Francisco Pascasio Blanco Ávila
caricaturista cubano


Lamento que en el último trabajo que les ofrecí, titulado No están todos los que son, ni son todos los que están, se me haya olvidado algo muy importante: El tema fue motivado por celebrarse en Cuba el 20 de octubre, Día de la Cultura Nacional, y ya estábamos dentro de la Jornada conmemorativa.

Antes que se me olvide, los tres autores incógnitos en esa edición son: (V.M.) Víctor Manuel González, cuadro de la esfera ideológica del Partido por entonces, y actualmente en “Bohemia”; (Tato Páez) es Tubal Páez, el presidente de la Unión de Periodistas de Cuba desde hace unos cuantos años, y (AEP) es nada más y nada menos que nuestro ministro de Cultura Abel Enrique Prieto Jiménez.


Dentro de pocos días cumplo 79 años, y si sumamos una catarata débil visual con mi disco duro (un poco blando) de memoria Ram, conspiran para que se me olvide incluir otras personalidades que incursionaron esporádicamente en la caricatura. Rectifico pues:

De momento podemos agregar al querido Ho Chi Minh, quien con el seudónimo de Nguyen A. Q. firmó este dibujo que ahora tengo el placer de presentarles…


En la antigua URSS, visité museos donde se guardan testimonios de los dibujos satíricos que adornaron la Ventana Rosta de Moscú, en tiempos de la revolución bolchevique.


¿El autor? Ése gran poeta ruso Vladímir Mayakovski, quien también escribiera hermosos versos sobre Cuba. Aquí dos de esas caricaturas…

¿Y qué me dicen del multipremiado cineasta Gutiérrez Alea, autor de obras para morirse de risa como “La muerte de un burócrata” o aconsejables para olvidadizos como yo “Memorias del subdesarrollo”: Pues bien, Titón firmaba sus caricaturas con el seudónimo de Titón, y de ahí que los más cercanos a él, lo llamaran Titón.

Existen apuntes cómicos del inolvidable Lezama Lima como esta copia de un original hecho por el padre de “Orígenes” y espero que ustedes, mis queridos vecinos, me ayuden a recordar algún otro ejemplo porque, para finalizar, debo confesarles algo:


Uno de los espacios televisivos que más veo es “Contra el olvido”, y notando las dificultades que últimamente presento para memorizar, acudí al geriatra especialista en psicología del adulto mayor.

El médico me preguntó:

--¿Qué le pasa?-

A lo que le respondí:

--Doctor, se me olvida todo; dónde puse los espejuelos; si guarde la prótesis dental en el armario o el escaparate; se me desapareció el último trabajo que escribí para el blog, y así una y mil cosas más.

Tras el inventario de amnesias, el facultativo me pregunta:

--¿Desde cuándo tiene ese problema?

Y yo, a una pregunta, otra:

--¿Qué problema, doctor?

Espero me hayan disculpado.

Fuente: ¡Ay, Vecino!

Desde Cuba: No están todos los que son, ni son todos los que están



por Francisco Pascasio Blanco Ávila
caricaturista cubano


¿Se han fijado que lo más parecido a una caricatura es un dibujo infantil?

Igualmente comparable es la pintura primitivista o ingenua.

¿Por qué en edades tempranas hay tanta demanda por los “cómics” y los animados del cine y la televisión?

Es que en cada niño hay un caricaturista en potencia. Que se desarrolle o no, depende de su propia maduración. Para algunos esa afición conduce hacia las artes plásticas en general o de adultos se convierte en un pasatiempo. Los profesionales del humor gráfico, son aquellos que derivan en víctimas de una adicción crónica, como un alcohólico cualquiera. Ese es mi caso.

Pero en esta oportunidad trataremos de algunos casos significativos de caricaturistas ocasionales.

Empezamos con nuestro Héroe Nacional José Martí y una de sus autocaricaturas.

Recuerdo en mi infancia que el famoso tenor Enrico Caruso, no sólo tenía una voz capaz de matar un burro con un do de pecho. Fue también un sagaz caricaturista personal, lo cual testimonió el maestro Massaguer en sus memorias.






Otro grande por entonces del pentagrama, Xavier Cugat, catalán de nacimiento pero formado musicalmente en Cuba, triunfó en Hollywood como un excelente director de orquesta. Era tan bueno con la batuta en una mano como con el lápiz juguetón en la otra.

Sin apartarnos del pentagrama: Bobby Carcacés, intérprete, compositor, y uno de nuestros jazzistas más destacados, tiene una colección de originales dibujos cómicos sólo comparables con su propia producción de instrumentos musicales absurdos.


¿Y qué me dicen de Silvio Rodríguez? Casi imberbe era ya un consagrado en la revista “Mella” de la juventud, donde sus caricaturas más que caer por el hoyo, se elevaban en “El Hueco”, sección gráfico-cómica de la publicación. Tenía un gran futuro mucho antes de que se le ocurriera cambiar el pincel por la guitarra. No es de lamentar pues: Ningún caricaturista, presente, pasado o futuro; criollo o foráneo, ha brillado tan alto.

Conocí a Luis Felipe Carneado cuando me confesó sus habilidades caricaturescas aunque no lo hizo profesionalmente en los primeros tiempos de Prensa Latina ni después, al frente de la Oficina de Atención a Actividades Religiosas, donde tuvo una destacada participación.

Aún recordamos a Idalberto Delgado en el personaje protagónico de “Tito el Taxista” o el Paco de “Alegrías de Sobremesa”, series radiales y televisivas de gran comicidad. Pues bien, en cierta ocasión asistí a una exposición de caricaturas suyas, donde no quedó un solo compañero de la radio que pudiera escaparse de su irresistible pincel.


Lamento no poder ofrecerles copias de los trabajos gráficos de esos dos colegas, pero quería dejar constancia de ello.

Este es uno de los dibujos que tuve el privilegio de ver adornando originales del Poeta Nacional Nicolás Guillén, cuyos márgenes mostraban garabatos jocosos, que él iba realizando en la medida en que coqueteaba con su musa.

Todos recordarán a ese innovador de la noticia radial que hizo de la inmediatez su meta. El uruguayo, que triunfó primero en la radio manzanillera y posteriormente conquistó a la nación con “Haciendo Radio” por Radio Rebelde.



Pues bien: Es poco conocido que Jorge Ibarra colaboró mucho tiempo con PALANTE bajo la firma de Zaba, apócope de su segundo apellido, Zabaleta.

Por último, traigo algunos ejemplos que para mis vecinos resultará una revelación:


Corría la década de los años 70 en el pasado siglo, cuando dos inquietos jóvenes estudiantes compartían tareas sociales e inclinaciones al arte, comenzando sus pininos en el humorismo gráfico cubano. Ambos firmaban con seudónimos y hoy ocupan cargos de gran responsabilidad en la cultura nacional.


Uno firmaba Tato Páez o Tubal a secas, y el otro con sus iniciales AEP. Aquí van algunos de sus trabajos, entre ellos tres "tenis" en la cabeza. Otro dirigente de la esfera política llegó a tener un espacio fijo en la Revista “Bohemia” con el personaje cómico “Cheo el Cojo” y firmaba con sus iníciales: V.M.



Comencé con una interrogante y termino con un enigma: ¡Identifique a estos tres autores!

Fuente: ¡Ay, Vecino!

domingo, 1 de noviembre de 2009

Entrevista y reseña de Cabaret, de Medusa the Doll Maker



Desirée Bressend 01/11/2009

Conoce esta inconfundible obra de Asunción Macián Ruíz, Medusa: the Doll Maker.

FICHA TÉCNICA:

Título: Cabaret.
Autora: Asunción Macián Ruiz "Medusa: the Doll Maker".
Estilo: Ilustración, drama.
Editorial: Planeta de Agostini.
Formato: Cartoné con sobrecubierta.
Precio de esta edición: 12,95 € (muy buena relación calidad/precio).
Lo Mejor: El estilo inconfundible y personal de la autora.
Lo Peor: Se echa de menos una foto de la autora.
Te gustará: Si te gustan las películas tipo Cabaret o Moulin Rouge.

OPINIÓN:

Lo primero que hice al coger el libro fue quitarle la sobrecubierta, ya que es un libro grande, en más de un sentido, "El destino más grande tiene simientes sencillas. El mío lo decidió un lápiz". Eso sentencia el primer personaje de la autora, y al parecer ella misma; dividido en seis historias independientes a modo de estaciones Medusa nos presenta una introducción al mundo del cabaret, con clásicos como el Moulin Rouge o Die Katakombe; guiños al cine y al estilo burlesque que se unen y conforman un hilo conductor unitario a pesar de que las historias, enlazadas en el libro sean independientes y que conozcamos a los personajes brevemente, entre ellos figuran un pintor, una preciosa Bella Otero o una bailarina hermosísima.

En palabras de la autora eligió esta temática porque "El Cabaret representa esa fusión donde se trenzan todas las artes y donde acaban refugiándose muchas almas que buscan la esa magia en lo cotidiano. La vida es un misterio que está ahí, una tragicomedia que va desenvolviendo sus actos como un abanico y está al toque de dedos de cualquiera que quiera trepar hasta ella. Cada uno escoge si quiere desentrañar ese misterio. La historia de los cabarets es más antigua de lo que parece, puesto que el ser humano siempre ha buscado expresar una madeja interior, protestar contra aquello que oprime esa voluptuosidad. El mérito era darle una forma con ese nombre y amamantarla en una época donde todavía era sórdido ir más allá de las convenciones. El "Cabaret" como tal se desarrolla en una ansia humana de expandirse, en plena revolución en todas las áreas. Una explosión. Yo sencillamente he vivido enamorada de esos ambientes oscuros donde podrían haber personas como tu y como yo. Lo veo como algo intimista." esta descripción da de lleno en el espíritu del libro, contando historias propias del romanticismo trágico de principios del siglo XX.

Dentro de un marcado estilo propio, los colores se trenzan de manera que envuelven al lector, Medusa nos explica que sus ilustraciones las hace "Con todas las técnicas que estén a mi alcance" esto incluye técnicas tanto tradicionales como digitales siguiendo el proceso que ella nos cuenta "Se generan en menor o mayor medida de la matriz de un lápiz siempre, un bocetado ya sea como idea definitiva u orientativa. Para el tradicional me gusta jugar con lápiz, bolígrafo y collage con piezas de tela y materiales diversos, aunando todo lo que pueda ser un lenguaje. Es muy espontáneo".

"Intento llevar el mismo aroma a la técnica digital, donde algunas de esas ilustraciones a lápiz cobran un acabado diferente y una atmósfera con la que esté satisfecha. Así vinculo yo tradición y modernidad, imprescindibles las dos en mi vida. Mis herramientas son un bloc sucio y dramáticamente reventado, unos lápices que están continuamente pidiendo auxilio, bolígrafos que nacen y mueren como les viene en gana, la tableta digital Wacom Bamboo que es muy aseada y un ordenador con Freehand y Photoshop CS3/CS4 que tiene vida propia" de estas palabras también podemos extraer la facilidad de palabra que tiene la autora que se agradece en el texto del libro, claro pero evocador y que fluye de manera excelente compaginando las ilustraciones con la historia perfectamente, aunque quizá peque un poco de corto (ya que al ser de agradable lectura se podía haber incluido más texto) hay que tener en cuenta que se edita en cuatro idiomas pero simultáneamente, hablando de esta singularidad con la autora nos dijo que "en un principio me parece una idea espectacular para hacer una promoción internacional desde el lanzamiento del libro. Se ha hecho con otros libros, pero también te limita los textos y en mi caso, apostando por la idea de montar un libro de cara al extranjero también me ha tocado recortar todo el guión del libro un 50%, con lo cual se ha perdido mucha esencia por el camino. Tampoco creo que lo que tenga que decir sea nada del otro mundo. Eso si, me hace mucha gracia leer cómo suena en italiano, francés o inglés "Cabaret". Yo uso el inglés a diario pero hay palabras que ni conocía o formas gramaticales que no entendía así. Y como también me chiflan los idiomas hasta el infinito y más allá he aprendido muchas cosas.

Otro punto innovador que ha aportado la autora desde su blog, completamente actualizado siempre, es el de añadir una lista de canciones recomendadas para escuchar a la vez que realizamos la lectura del libro, llamándolo "mapa melódico de las canciones de Cabaret" esto es un complemento altamente recomendable, amén de demostrarnos un gran gusto musical por parte de Asunción, que elige grupos como Dresden Dolls o Marlene Dietrich termina por darle banda sonora de manera muy especial a la obra, aquí reproducimos las listas de manera muy breve, así, para ampliar la información os recomendaríamos pasar por su blog, estas listas también os dará una idea de como está estructurado el libro.


Capítulo 1 - Estación de la delicia // Moulin Rouge! (Francia)

Nature boy - David Bowie/Moulin Rouge OST
Complainte du la butte - Rufus Wainwright/ Moulin Rouge OST
Bolero - Moulin Rouge OST
Evil night together - Jill Tracy


Capítulo 2 - Estación de la locura // le Chat Noir (Francia)

Aristide Bruant - le Chat Noir
Tony Zenet - Soñar contigo
Puccini - E Lucevan le estelle (Tosca)
System of a Down - Toxicity

Capítulo 3 - Estación de las Palabras / Els Quatre Gats (España)

Pasión Vega - La canción de las noches perdidas
Conchita Piquer - Ojos verdes
Ella Fitgerald - Summertime
Lola Flores - Pena penita pena
Vania Fernandes - Senhora Do Mar

Capítulo 4 - Estación de la Serpiente (Cotton Club, New York)

Dresden Dolls - Coin operated boy
Mónica Naranjo - Inmensidad
Dresden Dolls - Backstabber
Enigma - Gravity of Love
The Eternal Fall - The Puppet
Dead Can Dance - Lotus Eaters
Mónica Naranjo - Amor y Lujo
Mychael Danna - Maya's Theme (OST KamaSutra, a Tale of Love)


Capítulo 5 - Estación de la esperanza (Die Katakombe 1, Alemania)

The Tiger Lillies - Angel
Michael Jackson - Earth Song
Mónica Naranjo - Usted
The Tiger Lillies - Crack of Doom
The Cure - Lullaby
Nina Simone - My baby just care for me
Enigma - Beyond the invisible
Kerli - Walking on air

Capítulo 6 - Estación de sueños (Die Katakombe 2, Alemania)

Marlene Dietrich - Lili Marleen
The Tiger Lillies - Xyz
Queen - The Show must go on
Nick Cave & Kylie Minogue - Where the wild roses grow
Mónica Naranjo - Idilio
System of a Down - Spiders
Mónica Naranjo - Europa
Mónica Naranjo - Kambalaya
Mónica Naranjo - Siempre fuiste mio
Mónica Naranjo - Perra enamorada
Mónica Naranjo - Mi vida por un hombre
Mónica Naranjo - Sobreviviré
Zbigniew Preisner - Enfer





ENTREVISTA CON MEDUSA "THE DOLL MAKER"


En el mundo de la ilustración se te reconoce mas por "Medusa" que por Asunción, ¿Porqué ese pseudónimo?

Surgió hace bastantes añitos. Siempre he resultado una fanática de la mitología, el arte griego y romano y sobre todo la "ley del rascar el suelo": la arqueología. Como es evidente, el carácter que más me fascinaba por una lejana ambigüedad, por representar a una mujer marcada por una injusticia y que se convierte en un icono de fortaleza con todas las consecuencias buenas y malas, es Medusa. Es también un tremendo avatar de sensualidad, algo que considero fundamental, pero de una forma alternativa a la sensualidad alegre de Afrodita. Las serpientes para mi representan sinuosidad, feminidad y sabiduría milenaria.

Me afecta tremendamente una Atenea más que una Afrodita. Mi objetivo en la vida es llegar a ser una mujer fuerte, sabia e independiente. Por todo esto y porque siempre llevo pelos de loca, ¡para qué nos vamos a engañar! ¡Ten en cuenta que Asunción es muy poco exótico!

En todas tus ilustraciones de mujeres hay una mezcla entre "femme fatale" y "doncella desvalida" ¿Te inclinas en especial por alguno de estos tipos?


(Risas) Yo creo que todas somos una fusión de ambas, donde ninguno de esos adjetivos es incompatible. Pero si me inclino por alguna de ellas es por la "femme fatale" porque es una conciencia completa de lo que una mujer puede llegar a ser, dominando sus virtudes y sacando partido a sus defectos, asumiendo una sexualidad que existe. Me gustan las mujeres fuertes y que toman con las dos manos las riendas de su vida, y esto lo hago extensible a cualquier género, hombre, mujer o cosa y en todos los ámbitos. Aún así me es imposible desvincular a la "fatale" de la "desvalida", puesto que todas somos tremendamente vulnerables, sobretodo ante nosotras mismas como némesis eterno. A veces da un miedo terrible tomar la determinación de sentarse a hablar un ratito con nuestro yo interior, pero hay que enfrentarlo todo y somos un enemigo temible.

Hemos podido ver que para aquellos que siguen tu blog has creado una lista de reproducción de música ideal para escuchar con el libro ¿Por qué esta manera de compaginar música e ilustración?


Porque considero "Cabaret" en todo lo breve que es como un libro tremendamente musical. La música es un hermano siamés entregado y amoroso para lo que respecta a mi trabajo. No te digo que no podría crear sin escuchar música, pero sin ella el mundo adolecería de una magia necesaria y un sentido. Para mí, tener ese hilo musical con lo que respecta al libro fue una manera de ver vivo cada capítulo, como en una película. En "Cabaret" no puedo desvincular esta conexión irremediable y a través del blog quise compartir esta experiencia con los parroquianos. Todas aquellas músicas que hacían dinámicas todas aquellas escenas congeladas que se ven en el libro están ahí. Algo bonito e imposible habría sido acompañar el libro con un CD, habría sido perfecto. Pero ni la música que me inspiró era mía, ni yo tengo la más pajolera idea de componer con ingenio y gracia. Así que recurro a los magos melódicos para que muevan los hilos de las marionetas que yo voy creando. No puedo decir sino que admiro a todos y cada uno de esos creadores. El diseño gráfico, la ilustración, el arte es mi vida.... pero la música también. Como pongo en boca de Tolouse en el libro, "Yo pintaré tus canciones y tu cantarás mis pinturas".


También se ven muchas referencias al cine en tu obra como Moulin Rouge,... ¿Es el cine una fuente de inspiración para ti?


Sí, Como extraordinario fenómeno que dota a la imagen estática de movimiento y vida, lo adoro. Moulin Rouge, tanto la película de John Houston como la de Baz Luhrmann son tesoros que inundan la vista con magníficas fotografías, explosiones de color y brillantes características. A través de ellas, con mayor o menor acierto y gracias a las labores de documentación que realizaron sus respectivos directores, podemos asomarnos un poquito a lo que era la vida entonces y aquel enigmático mundo de luz y sombra que se despereza en los cabarets. Eso en cuanto a cabarets de fin de siglo. Para el resto de épocas hay un elenco de películas míticas que nos acercan trocitos de esa experiencia; Cabaret, All That Jazz, El Ángel Azul... Pero no únicamente hay referencias a un cine hormigonado de locales nocturnos y música en el libro. Todo tipo de cine ha arañado un poquito la puerta de cada capítulo. Kama Sutra, Tesis, Al final de la escalera, El jorobado de Notre Dame (en todas sus versiones), La Bella y la Bestia (también en todas sus versiones), el Fantasma de la Ópera (versiones antiguas y modernas), cine de Bollywood, Los Otros, cine español y películas de hostias finas. También me impacta un buen videoclip. Debo reconocer que hasta los rótulos de los capítulos están trabajados desde una perspectiva cinematográfica, yo disfruto como una enana jugando con los elementos en pleno éxtasis de diseño gráfico.

¿Qué otras inspiraciones hay?


Desde la rabiosa actualidad con todos sus conflictos y avances hasta la psicología, la literatura especialmente Bécquer, Alan Moore, Wilde y Pérez-Reverte o Lovecraft entre otros. También personalidades históricas o artísticas que me han impactado ardorosamente como Frida Kahlo, La Bella Otero (Carolina Otero), Tolouse Lautrec, Klimt, Anita Delgado, Giger, Dalí, Miguel Ángel, Brom, Tamara de Lempicka.... y excepcionalmente Gandhi. Este último me ha marcado a fuego. Debo destacar que el mundo del cómic y la novela gráfica ha sido una gran influencia a lo largo de toda mi existencia. Yo empecé en el cómic leyendo Mortadelos, cómics de Batman y los primeros que compraba con lo que me sobraba de las chuches eran los de Ranma 1/2. El trabajo de Ibáñez ha significado mucho, muchísimo para mi, tanto en lo personal como en lo laboral. Otras grandes influencias han sido Frank Miller, Tsutomu Nihei, Yoshitaka Amano, Katsuhiro Otomo, Milo Manara, Enkil Bilal, Roger y Raule con su Jazz Maynard... hasta las películas de anime japonesas o la animación occidental de Disney o Dreamworks.


¿Crees que el trabajo digital no se valora tanto como el tradicional? ¿Cómo es usar técnica mixta?

Si, lo creo así. No desmerece el trabajo que hacemos los que tocamos los palos tanto tradicional como digital, pero parece que todo es más sencillo y que el ordenador te lo hace todo solo. La gente que se dedica al terreno digital de la ilustración y diseño gráfico y mis amigos que han estado ahí viendo cómo no cabía ni la más remota posibilidad de separarme del ordenador para sacar "Cabaret" (por ejemplo) adelante, sabemos el sacrificio que supone y el esfuerzo que conlleva. La ventaja que tiene es que si desgracias algo en la ilustración puedes mandar a freír gaitas amablemente lo que no te guste sin tener que comenzar una ilustración de nuevo. También que si tratas de hacer un collage ni te pones perdida de pegamento ni te apuñalas la yema de los dedos con agujas tratando de coser al papel trocitos de los materiales. Son cosas distintas pero como he comentado arriba, para mi están muy vinculadas y ni puedo ni quiero divorciarlas.

Los programas de ordenador, por mucho que queramos, no hacen las cosas ellos solitos. Antes de empezar con el ordenador ya has caminado ancho y largo varias veces por lo tradicional para aplicar esos conocimientos, ya que un Photoshop por ejemplo no te va a decir, por muy completo que sea, dónde van las luces y las sombras, qué gama cromática te va mejor o te dibuja la anatomía. Y si no tienes esa experiencia por muchos filtros "guays" o muchas cosas chulas que tenga el programita se nota. La técnica digital es solo una puerta abierta más a la creatividad que exige un "empezar de nuevo a aprender" cómo aplicar lo que ya sabes y el partido que le puedes sacar. Se debe gozar como tal, ni desvirtuar ni sobrevalorar. Solo cambia el soporte y el dinamismo de "fabricación" de tu obra. Lo que quieres expresar con tu trabajo y tu estilo al final debe ser el mismo.

De un modo u otro, yo he pasado toda mi vida con técnicas tradicionales, y como soy de una insoportable curiosidad he experimentado con todo lo que me ha caído en las manos: lápiz, carboncillos, tizas, maquillaje, telas, plástico, café, bolígrafos, acuarelas, óleos, pintura de camisetas, lápices de colores, escultura... Así que jamás voy a dejar de lado aquello de lo que he mamado. Sencillamente he incluido otra herramienta en mi vida. Me siento muy cómoda con todo ello y me encanta escaparme con un bloc rancio, un lápiz y un bolígrafo a dibujar por allá donde esté.

Cada uno entiende por técnica mixta su propia mezcla de artilugios. Yo en tradicional lo entiendo como no monopolizar una herramienta, sino sumar al lápiz por ejemplo, acuarelas, bolígrafos, óleo, tela... lo que crea que puede ir bien. La técnica mixta que uso para el terreno digital incluye la tradicional en mayor o menor medida, el coloreado donde te pasas horas interminables dándole que te pego a la tableta y el collage con elementos reales o texturas para ropa, fondos, granulado de pieles, encajes, ornamentos... Me gusta que una ilustración no sea solo una cosa de una pieza, sino un elemento que sume el diseño gráfico para experimentar a todos los niveles. Si no pudiese experimentar, montar y desmontar a placer, sería monótono y me aburriría.


Todavía no has empezado con sesiones de firmas pero lo harás en breve ¿te asusta el público?

Buff.... (risas) Más que asustarme, me intimida. Soy una persona muy extrovertida, los que me conocen saben que soy muy payasa, una cachonda mental y que posiblemente me falte ese tornillo que hace que continuamente haga contorsiones mentales. Debo recalcar que mis amigos están hasta la nariz de Cristo de mi, ¡pero es que ellos no saben lo difícil que es ser yo! (risas)... El vértice del mal radica en que soy terriblemente tímida. Suelo moverme en círculos pequeños de amistades y gozo de una vida sencilla y apacible. Creo que eso es el único problema que voy a tener con las firmas, el vencer esa timidez errante, pero está controlado muchachada, está controlado. En otras circunstancias me he visto frente a situaciones de este tipo y he logrado salir sin morirme ahí mismo, como en alguna actuación musical que he tenido que realizar por necesidad o devoción, debo decir que al día siguiente estaba ingresada por una pancreatitis en el hospital, pero intento no relacionarlo, (risas) . Por lo demás se que lo voy a pasar de fábula compartiendo con el que se deje caer por las firmas lo que ha significado para mi "Cabaret" y agradezco infinito el bonito gesto de que alguien quiera que le firmes, todas las muestras de cariño, el ánimo y las críticas que h e recibido hasta ahora de mi trabajo.


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SOBRE LA AUTORA


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Fuente: Fantasy Mundo