comiclan

Primarias republicanas en EE. UU., por Latuff

2012-01-30T16:19:00.000-05:00

Águila Solitaria Nº570

2011-12-31T02:43:00.001-05:00

Creado directamente para la historieta por el mismo guionista de las aventuras de Kalimán, El Hombre Increíble, el señor Víctor Fox (seudónimo de Héctor Gonzáles Dueñas). Las aventuras de este piel roja – único sobreviviente de su tribu masacrada por los hombres blancos- se imprimieron originalmente por la Editorial RaCaNa (propiedad de los creadores de Kalimán) en México en el año de 1976.

A partir de 1979, se reeditaron estas aventuras para Sudamérica gracias a la editora colombiana Cinco. La reimpresión de la historia de Águila Solitaria duró hasta mediados de los años 80.

Este título se convirtió en el de mayor venta de la editorial propiedad de Modesto Vázquez y Rafael Navarro Huerta

Gracias a cayamuc por este precioso ejemplar, esperando, como siempre, sea del agrado de todos...

Aguila Solitaria Nº570

Fuente: Western Comics Chejov

El Coyote atrapa al Correcaminos

2011-12-03T01:18:00.000-05:00

Entender la crisis

2011-10-25T17:34:00.000-05:00

Seth Tobocman es la mano que hay detrás de algunos de los carteles y pintadas que estamos viendo estos días en las manifestaciones del movimiento estadounidense Occupy Wall Street (#occupywallstreet). También es el autor, junto con el activista Eric Laursen y la escritora Jessica Wehrle, de un libro que salió hace un año bajo el título Understanding the Crash y que nos cuenta el por qué de la crisis en formato gráfico. Debo reconocer que aún no he podido leerlo entero porque todavía no me ha llegado, pero me parece suficiente para recomendarlo esos autores y lo que han compartido ya. Ya se sabe, imágenes como las que aparecen en esta entrada pueden valer más que mil palabras.

Fuente: Artivismo

Carlos Giménez: "Ya no tengo dónde dibujar ni opinar. Ni yo ni nadie"

2011-09-30T22:15:00.000-05:00

NURIA AZANCOT

Memoria de una España en blanco y negro, con olor a garbanzos, miseria y miedo, Todo Barrio (RHM) recupera la serie que el mítico dibujante Carlos Giménez (Madrid, 1941) dedicó a nuestra posguerra. Gonzalo Suárez la define en el prólogo como "la autobiografía de un hombre bueno sin piedad", que se retrata aquí como un "contador de historias, un charlatán y un francotirador".

Pregunta: ¿Es consciente, por decirlo con palabras de Gonzalo Suárez, del apasionante mal rato que hace pasar al lector con Todo Barrio?

Respuesta: Sí, pero como todo buen relato tiene como finalidad emocionar, y lo que intento contar son las historias que sufrí, me parece bien estremecer al lector. Jamás he sido otra cosa que eso, un francotirador, un contador de historias, un charlatán.

P: Publicó esta serie en El Papus, legendaria revista que le convirtió en el cronista gráfico de la Transición. ¿Qué fue lo mejor de esa época?
R: Lo mejor fue que ese ascensor hipotético en que viaja España estaba subiendo, mientras que ahora, que estamos más arriba, va bajando. Entonces estaba todo por hacer...

P: Así que lo peor fue...
R: La desmemoria; es como si no hubiese pasado nada. La gente está amorrada al televisor, al fútbol, al programa basura y no piensa. En realidad nunca hemos reflexionado mucho...

P: ¿Quién o qué le ha decepcionado más?
R: Eso, ver que la democracia que tanto nos importaba y por la que tanto habíamos luchado no se ha convertido en un plato fuerte sino en un aperitivo que sabe a poco. Permanecen las mismas o parecidas corrupciones, y la gente sigue pendiente de lo menos importante.

P: De esa época que retrata en Todo barrio ¿recuerda con nostalgia, las tardes de Radio y Gila, los tebeos de segunda mano, los amigos...?
R: La verdad es que de la posguerra no recuerdo con nostalgia nada, porque mi infancia fue muy feíta en lo personal y en general. Sólo añoro a mi madre...

P: ¿Se imagina la posguerra sin tebeos?
R: No, los tebeos, que eran muy humildes, suponían un soplo de aire fresco en un país que se asfixiaba de miedo y miseria.

P: ¿Sabe si sus álbumes llegan a los lectores más jóvenes, esos que ignoran quién era Franco o que hubo una guerra?
R: Sí, aunque no es forzosamente malo que la gente más joven no sepa quién fue Franco, más bien es de agradecer. Mis trabajos, que tampoco tienen tiradas millonarias, llegan a todo el mundo.

P: Cada vez quedan menos testigos de la posguerra inmediata... ¿son sus viñetas la mejor memoria histórica?
R: Bueno, al menos es una manera de narrarla. Si los que vivimos los horrores de la posguerra no la contamos, pronto no habrá nadie para recordar. Y quienes hemos tenido que estar callados 40 años tenemos el derecho y la obligación de contar lo que queramos y como queramos. Porque lo que no se cuenta parece que no sucedió.

P: ¿Se reconoce en algún joven creador?
R: No, ni me preocupa. He aportado nuevas tendencias, y he hecho lo que he sabido y podido. Si he influido a a alguien, pues qué bien, no se me ocurre mejor peaje para alguien que, como yo, ha aprendido de tantos maestros.

P: ¿A qué se debe la crisis del llamado Noveno Arte en España?
R: A que hoy no hay editores, y los que sobreviven no tienen ambiciones ni dinero para abordar ninguna operación editorial de envergadura. Cada vez las tiradas son más pequeñitas, los álbumes se venden en tiendas clandestinas, casi catacumbas, y hay menos lectores. Faltan editores para reinventar una industria que hoy está muerta...

P: Hace poco, en una entrevista en nuestra web, aseguraba que los salones del cómic que tanto han proliferado en España sólo servían “para que las niñas se vistieran de manga”... R: Sí, cada vez son más frívolos y tienen menos que ver con la profesión. En España hay más Salones del Cómic que publicaciones: no hay pueblecito que no tenga su salón, pero no me interesan... Procuro no ir a ninguno.

P: Desde hace años se habla de la versión cinematográfica de Paracuellos... R: Si, siempre hay un proyecto para hacer la película pero, aunque ahora el proyecto parece serio, no se sabe quién va a ser el director y todo está en el aire.

P: ¿No le tienta retratar los últimos años socialistas, las revueltas árabes, o el 15-m?
R: Claro que sí, sería muy bonito poder dibujar y opinar, pero no tengo dónde hacerlo... Ni yo ni nadie. Son malos tiempos porque la Prensa prescinde cada vez más de las historietas. Hoy ser dibujante tiene poco futuro.

Pedro Pico y Pico Vena

2011-08-05T16:42:00.002-05:00

Os dejo un cómic de Pedro Pico & Pico Vena. Para quien no lo sepa, estas historias tratan de un skinhead y un punk, el autor es Carlos Azagra, un hombre que siempre ha estado intentando aportar algo para nuestra subcultura y aun así ha habido gente que le critica por llevar a cabo la idea de montar el PGB (Partido de la Gente del Bar), diciendo que éstos son unos costras. Cualquiera que lea sus historietas verá cómo critica a los “pies negros” y en sus entrevistas dice que él ha visto a costras llevando sus parches y es algo que no le gusta nada pero que él no tiene la culpa de quien los compre y que el PGB simplemente era un sitio donde se reunirían punks & skins y cualquiera que se considere antifascista y tomarse unos tragos disfrutando de buena música, porque eso si a Azagra le encanta el alcohol, jeje.

Los protagonistas principales de este cómic están basados en dos personajes que tenían un local de ensayo debajo de donde vivía Azagra, llamado Olor Insoportable, y les preguntó si les gustaría la idea de hacer unas historietas basándose en ellos y aceptaron encantados. Más tarde, de ese grupo musical se formaría otro grupo llamado Pisando Fuerte, (apadrinados por Azagra) incluso le dedican una canción al P.G.B. y componen la mítica canción llamada “Santa Coloma I Reich” que versionarán grupos como Kaos Urbano, (Alcobendas I Reich), pero eso ya es otra historia…

Enlace para descarga

Aporte de Intifada Internacional

Humor desde el encierro

2011-06-15T06:32:00.002-05:00

Imágenes de la muestra de caricaturas políticas de Gerardo Hernández en Los Angeles, Estados Unidos. Fuente: Comité Internacional por la Libertad de los 5 Cubanos.

JW Player goes here

True Confessions.

2011-03-05T19:27:00.001-05:00

The Making Of Rockanrose, 1.
Innita's makeover.

Saturday, March 5, 2011.
(Excuse any flaws of my broken English, again.)

Back in , June 11 2010 I did make a kind of back-to-the-basics feeling about Innita when I picked her new album's title: “Rockanrose”: rock as thornes, love as roses, the synopsis of my Innita's attitude (by the way, the lack of the “d” in the title was purposedly avoiding male item if it could had been “Rock-andros-e”). It has been a long road since then. Weeks before that, my manager had hired a couple of female creative consultants. We have lots of meetings. They were like producers for a musician/band or like curators for a fine artist: it is, lot of healthy laughs but also lot of headaches. The best advice they gave me was focusing the face of Innita in one single model. For years the face of Innita had several models, from then-girlfriends to anonimous faces found on internet and printed magazines. Their advice was great, but making it real was another thing. I couldn't achieve to draw the right face ….for weeks! simply I had no satisfaction. I was stressed those weeks, even I was close to given up all Innita project, as pathetic as that I felt. Until one early november night, via Facebook friends' posts, I watched Taylor Momsen, singer of The Pretty Reckless, on “Makes Me Wanna Die” video-clip. I youtube-ed more videos and I watched her singing on Letterman's show and I was hooked-up with her onstage voice. Minutes later, I did read about the making of “Makes Me Wanna Die” video, and its original narration was Taylor Momsen, band's frontwoman, singer and song-writer, walking in a progressive striptease till get naked in a cementery and die, but Taylor is 17, so legally impossible to do it, she, a nudist-at-heart!

I didn´t know nothing about Taylor Momsen. I knew about her for that video-clip. I just remind one single photo of Gossip Girl's cast, but I never watched that series before. That night I knew she was an actress because Luis Fernando, a close vegan friend, told me that same night, along with sending me another video's link, “miss Nothing”, where she represents Mary Magdalene. A couple of weeks later, I decided Taylor being my “official” reference-model for drawing Innita. I even reduced Innita's breast again inspired in Momsen's body.

Being Innita a rockstar in the vegan-dream radial-world, some of actual Innita's-story-followers had naivedly related Innita with the superstar Lady Gaga of this world. But no. Sorry but comparing the boring Gaga's “Born this way” with Taylor Momsen wearing “I F*ck for Satan” T-shirt, both news of these days, Taylor wins Gaga by far.

Finally, I did want to release “Rockanrose” album today, Innita's birthday, but the chair for Innita's voice is still empty, so back in December I realized we ( me and Esteban Martinez, the composer) couldn´t make it, so I picked Taylor's birthday for releasing it in a symbolic heart-felt 'acknowledgment'. The quest for Innita's voice is still on the run.

continuará .....
to be continued .....

*

model / modelo: Taylor Momsen

Panza llena, corazón caliente

2011-02-11T04:00:00.001-05:00

Guibu es misionero, pero actualmente vive en Tucumán, desde donde creó el blog El ósculo hirsuto para desarrollar, durante casi tres años, una historieta-folletín porno entre hombres gordos, protagonizada por un poeta maduro erotómano, que se convirtió en un éxito globalizado. A punto de cumplir cuarenta, este flamante historietista prepara una adaptación libre y dibujada de Bartleby de Herman Melville, mientras intenta publicar la versión en papel de sus tiras homoeróticas que mezclan sexo explícito con citas de Borges, Pasolini, Apollinaire, Arturo Carrera y John Berger, entre otros.

Después de tres años de tu historieta-blog El ósculo hirsuto, decidiste terminarla la semana pasada a pesar de ser un éxito. ¿Por qué?

—Quizá porque no quería repetir situaciones. Ser guionista y dibujante a la vez es complicado. Frecuentemente me pasaba que antes de publicar una “tira”, releía los diálogos y me preguntaba: “¿Esto ya no lo dijo o lo vivió tal personaje?”. Siempre tuve claro el comienzo de la historia y a medida que publicaba no veía un final. Hasta que sin darme cuenta encontré el “lugar” más digno para terminarla. Y aún no sé si éste final es el definitivo. Quiero tomarme un tiempo para decidirlo. Ahora mi preocupación más inmediata es editarla en papel. Espero poder lograrlo.

¿Y cuál fue el principio de este amor, cómo empezó este folletín porno con gordos maduros?

—Desde muy joven me gustaba dibujar. Después apareció ese deseo inexplicable, felizmente inexplicable, por los gordos maduros. Después, la literatura y sobre todo la poesía. Después Internet, el lugar para dar a conocer todo eso. Recuerdo que alguna vez leí una entrevista a James Cameron a propósito del estreno de Aliens, el regreso y en una de sus respuestas decía algo así como: “Aliens es la película que quise ver cuando tenía 12 años”. Tomando esas palabras de Cameron hoy puedo decir que El ósculo hirsuto es el comic-porno-gay-de-gordos-maduros que quise leer cuando tenía 14 años. ¡Qué bien me hubiese hecho leerlo a esa edad!

Entonces, la idea fue sumar placeres personales, del dibujo al sexo, pasando por la literatura. ¿Pero te inspiraste en alguna obra, tuviste a alguien de referente para amalgamar poesía y porno?

—Lo que me viene a la memoria ahora es la invitación de mi profesor de taller literario a ver en su casa la película Querelle de Fassbinder, creo que fue a principios de 2008. En ese film hay como separadores de escenas en los que se citan fragmentos de textos que hablan del deseo o del amor. Ese “formato” fue muy seductor para mí y lo adopté para El ósculo hirsuto. Este profesor me inició en la lectura de obras que hablaban del deseo entre hombres. Allí estaban Néstor Perlongher, Osvaldo Lamborghini, Pedro Lemebel, entre otros.

Parece una escena de tu folletín, que un profesor invite a un alumno a ver una película softcore artística. En esa situación ya había una primera contaminación entre literatura, imágenes y erotismo, parte esencial de la historieta.

—Sí, ya tenía todos los elementos como para animarme a lanzar la historia en Internet. Sentí una gran libertad. No me preocupaba que las escenas llegaran al absurdo o al ridículo. El mismo título de la historieta fue totalmente pretencioso y eso no me preocupaba. El ósculo hirsuto fue como una botella lanzada al mar de la web y quien la encontraba podía apreciarla o rechazarla.

Pero la respuesta fue masiva, desbordante. ¿Qué reacciones recibiste?

—Al principio fue todo muy apacible. Mi única movida para que el blog se diera a conocer fue publicar la dirección de la página en un directorio de blogs de temática gay. Los primeros comentarios fueron tímidos. Después llegaron peticiones para una versión en inglés (lo tradujo Javier, un seguidor de España). También un bloguero italiano lo tradujo a su idioma y lo dio a conocer en su blog. Después llegó la versión en portugués. Y un seguidor me enviaba las tiras coloreadas de una manera muy particular, por ejemplo los escenarios donde se movían los personajes eran fotos de lugares reales montados sobre el dibujo. Otro me prometió hacer un corto animado con los personajes. También hubo comentarios agresivos, por lo que tuve que moderar, pero sólo fue por un corto tiempo.

Y todo eso lo lograste en tu primera historieta; antes sólo dibujabas gordos para foros de osos de España. ¿Alguna vez habías leído historietas de gordos, osos o gays con físicos y gustos no tradicionales?

—Sí, pero eran historietas japonesas, escaneadas digitalmente, que encontraba en esas búsquedas intrincadas por Internet. Aunque esos osos eran con un físico bien desarrollado, musculosos. Yo quise darles vida y deseos a los gordos maduros con panzas sedentarias.

Increíble que todavía haya que ir a Oriente para conseguir historietas homoeróticas con gordos. ¿Tuviste modelos vivos para tus personajes, o todos fueron trazados por tu fantasía erótica?

—Excepto Jorge Funes, el protagonista, todos los demás personajes los extraje de modelos vivos. La mayoría de ellos frecuentan, o frecuentaban, un café al que asisto desde hace cinco años, y que todavía es mi lugar de lectura. Nunca me relacioné con ninguno de ellos, sólo los admiraba. No saben que fueron la gran inspiración para mis personajes.

Entonces, de alguna manera, gracias a tu historieta sabemos un poco de los hombres tucumanos, y del deseo gay en esa provincia, que tal vez sea una de las primeras veces que suceda, a pesar de que la historieta no transcurra allí, ni en ningún otro lugar reconocible.

—Sí, los hombres tucumanos... Mi admiración por el gordito Pedro Cornelio fue tan intensa que un día me animé a hablarle, me refiero al modelo real que inspiró ese personaje. Tuve la osadía de decirle que lo deseaba, pero no hubo correspondencia pues él no entendía ese deseo. Y aquí en Tucumán aún es complicado revelar este deseo. Yo mismo trato de moverme en el anonimato, cuando de El ósculo hirsuto se trata.

¿Sólo sos anónimo con relación a la historieta o también permanecés en el closet para resguardarte de la homofobia?

—Yo siento que aquí en Tucumán hay un miedo al deseo. Eso noté todas las veces que fui rechazado cuando confesaba mi deseo al otro. Miedo de ser deseado por otro hombre. Yo sólo me expongo para aquel que declaro mi deseo. Con la historieta mantengo mi anonimato porque no sé cómo reaccionaría una sociedad como la de Tucumán ante algo tan explícito como El ósculo hirsuto. Por ejemplo, cuando se leyó un cuento de temática homosexual en un centro cultural de esta ciudad, la reacción en general fue de rechazo. Yo asisto a lectura de poesías y cuentos homoeróticos, pero se realizan en lugares “marginales”, por así decirlo. Sin embargo, lo del matrimonio igualitario tuvo una aceptada repercusión. Conozco una pareja que se casó el año pasado y no tuvieron inconvenientes destacables. Es más: cuando se casaron, salieron en la tapa de uno de los diarios de Tucumán.

Entonces en Tucumán la vida gay es secreta, algo que está empezando a cambiar con el matrimonio igualitario.

—Sí, se vive secretamente. Aún resulta riesgoso dar la cara hasta para una cita a través de Internet, eso lo digo por experiencia. Lo del matrimonio igualitario ofrece un cambio, pero sólo en el sentido de que “algo es posible”. Pero de ahí a mostrarse o exponerse, es otra cuestión. Es más complicado.

Antes dijiste que a los 14 años hubieses querido leer una historieta como la tuya, pero, ¿con qué pudiste incentivar o satisfacer tu deseo a esa edad?

—A los 14 años vivía en un pueblo, en Jujuy. Allí no había muchas alternativas para mi deseo. Mi padre tenía una pequeña biblioteca y se me hizo un hábito leer y releer, privadamente, la novela Falconer de John Cheever, que transcurre en una prisión de hombres. En la novela hay varios pasajes de situaciones homoeróticas, pero yo siempre me detenía en aquel que describía la relación de un hombre maduro con uno joven. Releí tantas veces el libro que terminó deshojándose. También a esa edad ya empezaba a crear mis propias historietas homoeróticas. Obviamente, sólo yo las disfrutaba: era el dibujante, el guionista y el único lector. La mayoría eran historias de una sola página. Las releía unos días y después, por temor a que algún familiar diera con ellas, las quemaba. De alguna manera, me sirvieron para darles salida a mis deseos reprimidos. l

Las creaciones de Guibu se pueden ver en www.elosculohirsuto.blogspot.com y www.guibujos.blogspot.com

Fuente: Página/12

El sueño eterno - A. Martín & L. Bermejo

2011-01-15T22:45:00.000-05:00

En 1939 Raymond Chandler irrumpe en la escena del hard-boiled con El sueño eterno. Se trata de la cruda crónica de una sociedad en decadencia, una crítica fulgurante que, a través de una compleja sucesión de chantajes, persecuciones y asesinatos presenta a uno de los arquetipos literarios de mayor impacto del siglo XX: Philip Marlowe. El cinismo y lucidez de este personaje recorren esta versión inédita realizada por Luis Bermejo y Andreu Martín hace ahora 20 años.

Editorial: Glenát
Guión: Andreu Martín
Dibujo: Luis Bermejo

20 MB | 2005 | CBR | Español | 07150111Sfrd

http://hotfile.com/dl/96913045/6308efc/El_sueno_eterno_Sfrd.cbr.html

Fuente: Taringa!

Love Triangle.

2010-12-27T19:50:00.003-05:00

Triangular, 63. Guitar Love Triangle, 2.
Monday, December 27, 2010.
London, Uk.

“My world since Tuesday, August 31, 2010.
My beloved biologist sacrificed our company so that both could survive. Since then, we live in a bizarre love triangle. My loneliness is the symmetry's axis that leaves a bad taste. My love: Where am I in the world that you move? Where am I in the world in which you draw me? - Innita para No

*

“Mi mundo desde el martes, 31 de agosto de 2010.
Mi amada bióloga sacrificó nuestra compañía para que ambas pudiéramos sobrevivir. Vivimos un extraño triángulo amoroso. Mi soledad es el eje de la simetría que deja mal sabor. Mi amor, ¿Dónde estoy yo en el mundo al que te desplazaste? ¿dónde estoy yo en el mundo en que me dibujas?” - Innita Para No

*

continuará .....
to be continued .....
à suivre .....

Carlos Azagra: "Hay apatía, nos dan tortas y aguantamos"

2010-12-15T00:00:00.001-05:00

Repartidor de ideas. Así se define Carlos Azagra, dibujante de cómics y carteles reivindicativos que vive desde 1991 en Sant Martí. En sus dibujos casi sobran las palabras.

por Óscar Hernández

Su modesto estudio tiene más de abigarrado despacho que del espacio creativo de diseño que se imagina a un grande del cómic. Sus historias más conocidas han arrasado en revistas ya desaparecidas como Makoki o El Víbora y también en la superviviente El Jueves, en la que triunfaron sus personajes Pedro Pico y Pico Vena, y Ovidio. Y hasta ha trabajado para prensa diaria como El Periódico. Pero donde el trazo de Carlos Azagra es más reivindicativo es en los centenares de carteles de asociaciones de vecinos, sindicatos y organizaciones de izquierdas en los que la imagen vuelve a derrotar a la palabra. Azagra (Morón de la Frontera, 1957) repasa desde su piso en la calle de Alcalá de Guadaira una sociedad bastante diferente a la que tuvo que salir a la calle allá por los 70 y 80.

— Lo de reivindicar con carteles dibujados se fraguó con el colectivo Butifarra.

— Empezamos a hacer carteles para Nou Barris. Las asociaciones de vecinos estaban en auge a finales de los 70. En el congreso de la Federació de Associacions de Veïns de Barcelona (FAVB) hicimos varios. Firmábamos como Butifarra, siempre en plan colectivo. Todos éramos muy jóvenes en las asociaciones de vecinos.

— ¿Y dónde está esa juventud?

— Ahora sólo hay jubilados en las asociaciones de vecinos. Hay apatía hasta para ir a votar. Y esa apatía no es buena. Hay un desarme ideológico. Nos dan de tortas y aguantamos. Hay mucho individualismo.

— ¿No será que hay miedo?

— Mucho. Sobre todo en las empresas. Por ejemplo, en Telepizza, donde hacen contratos laborales muy cortos, después de la última huelga despidieron a mucha gente.

— ¿Miedo y apatía? ¿Por qué?

— La gente pensaba que la izquierda iba a solucionarlo todo. Y la verdad es que hay mucha diferencia entre izquierda y derecha, pero la izquierda no se sabe explicar. Además, la gente tendría que estar más en la calle y menos con el ADSL. Internet es la ruina del movimiento social porque ahora las personas montan un grupo en Facebook y piensan que con eso ya han cumplido. Y luego están las familias con hijos de 40 años que no se van de casa...

— Pero dicen que internet lo mueve casi todo.

— Las revoluciones no se pueden hacer con internet. Ni siquiera se puede saber qué hay de verdad en la red. Falta tiempo y la gente se cree lo primero que sale de una búsqueda en Google. A mí, por ejemplo, me encanta internet y reconozco que por su culpa ya no salgo tanto afuera.

— Y lo dice uno de los fundadores del Partido de la Gente del Bar (PGB).

— Aquello era lo contrario de la virtualidad. Defendíamos la charla, el contacto con la gente. Ahora ya no se habla así. Hasta las relaciones se hacen por internet.

— Tanta tecla provoca que se escriba o se dibuje poco a mano.

— Es verdad. La gente ya no sabe dibujar. He visto que cuando se produce un accidente de coche y hay que hacer un croquis, los accidentados no saben cómo. En los institutos no se prima la cosa artística y nos vamos a encontrar con generaciones que no sabrán representar la realidad. Hay que hacer una revolución humanística. Hay que quitar el pie del acelerador a tanto consumo y evitar que la gente viva por encima de sus posibilidades... ¡Ay, parezco el abuelo Cebolleta!

— Hablando de personajes de cómic ¿qué le pareció el disfraz de Supermán para Montilla?

— Eso fue un error. Se le tenía que haber dado otro enfoque. Es un político que vale mucho, pero esa no es su imagen. Sin embargo, el smiley (emoticono de sonrisa) de CiU sí que fue un acierto. Con la cosa gráfica se consiguen cosas.

— Hasta que a uno le lleven a prisión.

— Fue en 1981. A ocho dibujantes nos impusieron cuatro meses de cárcel por un dibujo en el que se veía el pecho de la virgen. La Iglesia católica es la que más daño nos ha hecho. La policía secuestró los dos mil ejemplares de la revista y nos inculpamos los ocho dibujantes. Alguien llamó al juzgado el día que teníamos que entrar en prisión y dio la orden de libertad. Faltaba un dibujante y uno de los otros siete firmó dos veces para que aquel no quedara como prófugo. Por aquello estuve varios años sin poder votar ni ser funcionario. Porque a mí lo que realmente me gustaba era ser cartero. Quería ir con la moto y repartir noticias. Ahora reparto ideas, soy panfletista.

STYLO DC: No para Innita, entrevista, octubre 2010.

2010-11-07T14:33:00.007-05:00

Lecturas Dominicales:
Domingo, 24 de octubre de 2010, No para Innita, entrevista Stylo D.C - versión en español.

BROKEN ENGLISH TRANSLATION:

"NO PARA INNITA" has been, for more than 15 years, filling inspiration by the comic, drawing, music and the arts to his family, friends and more than 4,500 followers of their daily publications in the Flickr network where you can find different stages of his work and development of his series about Innita.

NO is his name NO and PARA INNITA his last names www.flickr.com/photos/noparainnita/3567254264/, NO is not a pseudonym or a nickname and NO also has been using makeup and various styles of masks that hide your face from more than a decade ago and keeping his private life for emphasizing the feminine in his work without his masculine face distract your audience .

NO has toured venues such as Bogotá's Rock al Parque III in 1997 by musical performance with his then-band 667, was co-founder of collective producing comics such as TNT, ACME and Tostadora de Cerebros, made more than 7 independent publications among which are : Virus #1-#6, Sólo Para Cinecrófilos, Luto Blanco Pesebre Negro, Ginotropia -illustrated tale where Innita debuts, "Eco Pop, hermafroCita and Jesu Cristina, and managed, curated and participated in numerous exhibitions.

No, tell us a little about your initiation into the world of the Illustration?

I confess that I never really considered an illustrator, the term itself seems ambiguous and often reluctant to it, except it is a convention I use to explain what I do.

My reluctance is due precisely to my beginnings. My love for drawing started with comics. From my childhood I have been fascinated by stories with images, as Carroll's Alice. At that time, drawing on sheets of notebook that became stapled and whose protagonists were superhero comics based on cartoons and toys that I saw I had, with names like "Super Zancudo", "Yaguar", "Pambelito" and a boxer puppy named “Boty”. And today, it continues in me, the basis of my work is narrative, and that is why we combine drawings -my individual work- and music -collective work-, as a fundamental part of my stories. And surely I will expand in the long term, to sculpture and theater. That's why I know I do not move much in the world of illustration as such, I have never dipped a long time in the editorial and advertising illustration, it has been just phases, not a constant. I try to apply my drawing to my stories and characters, rather than to illustrate in the aforementioned media.

What influences or favorite artists have you had?

In my childhood were Mauricio de Sousa, André Franquin and Francisco Ibáñez, family-comics authors. Then I met the work of "Les Humanoids Associés”, French collective of adults comics which were enlightened for the erotic ingredient of my work. Currently, my influence is amateur photography that can be found in blogs and similar. But my favorite artists "of all time" focus on the painting, such as William-Adolphe Bouguereau, William Turner, Sandro Botticelli, Gustav Klimt and Alphonse Mucha.

We have some memories of Jesus Cristina starting this decade, what happened to her?

Jesucristina was the result of my passionate liking for music and content of Marilyn Manson in the second half of the 90s. A couple of years, I reinvented her as a child who is crucified at the end of World War III:

www.flickr.com/photos/noparainnita/sets/72157606568371214/

In the history of Innita you has lasted over two years creating it narratively and visually. Tell us a little about her origin and the different stages that emerged during the course of history.

Innita was visual poetry about my ideal woman since 1998-the year in which the invented her- until 2005, although I make her absent during 2002-2003 because I felt Innita was something emotionally intimate I had to protect from the public. Two years later, at a time in 2005, I thought and realized that this gesture of been her hidden was actually quite corny and weak, and then I decided to do just the opposite: to make her my main character, starring and icon, something like Mickey Mouse was to Walt Disney. Ending 2005 I started then with a few sketches of comics without text, which Innita still had that ghostly look of weightless and airy woman; the idea was to make fantasy comedy, incorporating real characters in my life, friends, acuantiend, at the time, initial stage was the office where I worked, but it was the dye real time narrative still use. It was only starting in 2008 when I decided to give the character of virtual character: Innita is a singer born in Santa Marta, on Saturday March 5, 1988. . . . . I even did her astral chart and everything, hehe.

Yes, It is amazing all the work you do narrative with each of your characters and especially Innita who has also experienced several stages of musical composition ... www.facebook.com/profile.php?id=620541118#!/discography/?... Tell us a little about that process and who have collaborated in this production?

The collective project of Innita starting in 2005, and my idea from the beginning has been for me to making every lyric and glimpse the musical style, and to leave the realization of each song to various musicians. That year I started the project with Fabian Torres, “La Comodidad de Planear el Divorcio desde la Noche de Bodas” -The Comfort of planning a divorce from the wedding night-, the first track of the first Innita Ep. Alejandro Jaramillo later composed the piano ballad "No para Innita", and also "Telegance" under a tune of the vocals that I wrote in 2000, demo version with vocalist Viviana Mayor. Later, musical progress is casual, except the song "Innita," -1906 version- which comes in Pecha Kucha 3 with the voices of Valeria Castro and Esmeralda Bolhuis as a duo, consisting almost entirely by Nicolás Ulloa, who also composed " Vampirama "and" Mozart Was a Lesbian ", all of this in 2007. In 2009 Esteban Martinez undoubtedly become the main songwriter, who has been collaborated with 62 tracks, with only 2 of them sung by Nathalie Martinez and Camila Currea. The huge amount of demos is asymmetrically unbalanced by the lack of a stable vocalist to complete. To hear some of the demo versions: www.jango.com/music/innita

According to some drawings of the series on Flickr, it seems that Innita series has ended ... Right? What are you preparing for 2011?

No, Innita series has not ended, quite the contrary, is in a slow countdown to "Rockanrose", Innita fifth album, which is preparing for 2011. Innita's history – and of my every other characters- is told in real time, and now she is in a state of introspection, having canceled his tour and isolated from public view, following the outcome of "Nemesis" ( www.flickr.com/photos/noparainnita/sets/72157624631506142 ), where she and No, her fiancee, are separate in different radial worlds, Tuesday 31 August, -3 weeks before their wedding, obviously canceled. Notable changes of Innita´s life follow in the antechamber for Rockanrose, being the most recently the friendly departure of the 2 older members of her band live, officially announced on Sunday October 17: http:/ / www.flickr.com/photos/noparainnita/5091723521/in/set-7215... . The next chapter to "Hallowteen," which ends this October 31 is "Triangular", an event that takes place in the months of November and December 2010 and January 2011, whose plot involves a love triangle in the three radial worlds where unfolds the story of Innita and No: www.flickr.com/photos/noparainnita/4293384669/in/set-7215...

Sometimes we dream about people or situations that are suddenly as calls that materialize in real life ... is something like the radial world is about? Where does the concept of the Worlds radio?

The concept is somewhat similar to what you said, in that they are longing-or nightmares-that materialize, but not as individual dreams that seem to anticipate the coming of people or events in "this" world we perceive, but they materialize in a whole new world to be dreams woven collectively. The concept of Radial worlds is my personal update to what is commonly referred to as parallel worlds. Radial worlds are worlds where everything exists, divided precisely by the different possible forms of collective materializations. The feature of the radial worlds radio is that people and creatures that inhabit them feel that their respective world is their material reality. To explain better, I will describe in short the 3 worlds I use in my story about Innita. The first is the supra-reality, the dream world is where: 99% of the world population is vegan, eating meat or drinking dairy is illegal except in Amsterdam and Bern, the problem of drug use and traffic is non-existent except for a few outbreaks of alcoholism; air pollution is very low; and the last major international act of war was the bombing of Hiroshima; a world where humanity has learned its lesson about the impact of technology on both humans and other animals and plants; then, this is the dream world of vegan straight edge, and that's where the adventures of Innita happens as she being pink Rocker nudist. The second radial world is this, as we perceive it, where Barack Obama is U.S. president, and "TRON Legacy" will be released in December now; I call it Apparent Reality, and is the collective dream of omnivores and vegetarians who do not want changes so radical that upset them too much of their daily and individual lifestyle; this is where I'm a lesbian with male body and my Innita doesn't have pink the iris of her eyes nor freckles in the shape of stars. The third one is the Sub-reality in which World War III happened in 2006, and happens World War IV -which I call "RAW WAR"- under a destroyed ozone layer, constantly bleeding in scarlet rains, where humans mutated into vampires, minotaurs and zombies, and all are afraid of the sun: it's the nightmare come true for all beings on this planet, in that radial world is where I'm currently trapped as that glass-wearing biologist of my drawings. Another radial world outside these 3, which obviously I do not handle copyright (hehe) is where there would be Wonder Woman, Batman and Superman, also existing Themyscira, Gotham City and Metropolis, respectively.

You created the concept of Menorrealismo ... Please explain, what is it?

In March 2008, because of accidentally know the term "Situationism", and mixed with my liking for the works and as such the word "Surrealism" led me to wonder how I would define what I was doing the last 10 years with my work. Already in 1998 I had self-defined as "ginotropia", ie my fenicentric lifestyle, so I wanted to define my job into my lifestyle. It had nothing to do with political and social struggle as is the situationist, nor with the aesthetic and literary approach of surrealism - my material of use in my work was the questioning of reality itself. What I had been expressing and producing was the result of my deep dissatisfaction with reality. My way to "improve" my life in the reality was consciously escaping of it, to unrealities for slow down reality in my daily life. But it would not with substance or with nostalgia for social revolution nor creed. So I see in art the best substitute for drugs and utopian hopes for social or spiritual paradises. For me, the basic difference of the art versus altered states generated by drugs, or the illusion of social or religious revolt, is that art is self-conscious of its own fantasy. For me, art is the journey, not a messianic destiny. Art as a creative act of everyday unreality to lessen reality: This is the Menorrealismo. The first 2 Menorrealista letters give more details: www.flickr.com/photos/noparainnita/sets/72157622329782205

Most of your work can be reviewed in the network, there are texts on blogspot where we can find parts of the series www.innita.blogspot.com , most of your production have posted on flickr www.flickr.com/photos/noparainnita and facebook where Innita group also has www.facebook.com/innita.para.no . Tell us how you have been away from print and take advantage of the versatility of the virtual environment and how it was received and follow the series?

My Internet public behaves mostly pleasant, restless and curious, with more and more questions, since I'm doing that the events of my characters -in particular those about Innita- go more frequently. My main network is Flickr , I signed in 2005 but only since December 2006 is when I begin to manage it, the experience is rewarding as it inspires me to keep the discipline of new drawings and texts published almost daily. My notebook is open to the public. And soon the exercise of this notebook will give birth to a new site which will follow the daily life of Innita, written by herself, is her official site, in due course give to know the link and the same for caracteríticas you can visit. The Experience in Facebook about Innita's profile is more anecdotal than about presence, but still has the advantage of manifesting as a person in the same level as the others. "Defictionalization" is the term that implies becoming real a work that is cited in a fictional universe, which in the case of Innita are the 59 demos on the Jango's link I aforementioned.

Have you thought about making a printed publication on Innita, will there be a display in the real world ... it is, outside internet?

Yes, of course, the Internet is a fundamental means, is the axis, the stem from which emerge several branches. "Rockanrose" will be not only the Innita's fifth album, but also her second literary work -being "Rome" the first one-, which is an experimental short novel, as it is conceived as a mixture of novel, poetry, essays, theater script and journalistic chronicle; my idea is to publish it in printed book form, and adapt and mount it as stage work. I have little time writing it, so it will take some time to being out. And musically, the idea is to arrange a Innita's live band, for rock shows with theatrical tinge.

Ending, I want you to tell us a little about your lifestyle, we know that is a bit radical ... that you are part of a stream called Straight Edge and also itemize each food that you consume and you're vegan but at certain times only eat fruits. Tell us a little about this vision and way of life.

Continuing a bit with a previous question, the Straight Edge, which is the voluntary and total abstinence of alcohol, tobacco and other drugs, is part of Menorrealismo in the sense that producing of Menorrealist works are made in sobriety. There is still a great myth that crative states derive almost necessarily from induced-drug-altered states. "did you smoke green?" Is the eternal joke, not only against strange behavior but against eccentric artworks. I think that artists addicted to these stimulants do not produce their works because of the drugs, but despite of it. On the other hand, veganism is for me the most sincere and practical case against helping other beings. I can not say what defines an anarchist, or communist, for example, it's very ambiguous because the way they carry their ideas into daily practice; however veganism is simply a rejection of all animal product consumption. Veganism is not an academic ideology, is an everyday act. Many people criticize veganism because although it saves animals, yet it consumes plants. Let me illustrate with an example my reply: "If in a fire, 6 beings trapped there are about to suffer and die, and I can rescue a 4 instead of 2, it is always better althought I can not save the 6." If we had no digestive system, so there would be no need to eat plants. As for my experiment with the fruit, it was because me practicing fruitarianism, it is, naturalist raw food vegan diet based in fruits and vegetables without being processed by cooking, to maintain its nutritional value to 100% as other animals eat them . I held for 6 months a fruitarian diet, but in my case, my difficulty in maintaining it was because I personally feel that to experience full and constante benefits is preferable to obtain organically grown food that you care, to have a rural lifestyle rather than urban , and to live almost entirely out of touch with the city.

NO, has been great to talk to you, again thanks for sharing with us. A big hug from STYLODC and congratulations for your work !!!!.

Thank you very much to you Paola, and all of you in STYLODC for the invitation.

Carlos Giménez, de profesión dibujante

2010-11-06T03:23:00.000-05:00

Por: Juan Royo

El presidente de la Asociación de Autores de Cómic de España (AACE), Carlos Giménez (Madrid, 1941), es uno de los grandes maestros del cómic español. Candidato en 2009 a los Premios Príncipe de Asturias es Premio Yellow Kid del Festival Internacional de Roma (2002), Medalla al Mérito en las Bellas Artes en categoría de Oro (2003) y Premio Salón del Cómic de Barcelona (2005). Gran parte de la culpa la tiene El Cachorro del turolense García Iranzo. Y es que de niño, en la dura posguerra española, Carlos se imaginaba en los mares de Maracaibo al lado de Miguel Díaz Olmedo y de su fiel Batán luchando contra el temido Capitán Baco.

Su pasión por los tebeos (jugando y dibujando) la convertiría en su profesión tras conocer en 1958 a López Blanco, autor de Las Aventuras del FBI, quien lo ficha como ayudante. Posteriormente entra en contacto con otros dibujantes como Esteban Maroto y Adolfo Usero con quienes comparte el estudio del Manzanares. Trabaja para Iberaf (Drake & Drake), Maga y otras editoriales y tras dibujar a su famoso vaquero Gringo para Selecciones Ilustradas se traslada a vivir a Barcelona en 1964. Aquí forma comunidad primero con el Grupo La Floresta: Maroto, Suso Peña, Ramón Torrents, Usero y Luis García y después sólo con estos dos últimos en Premiá de Mar. De esa época es Delta 99 y su primera gran serie: Dani Futuro así como el tríptico El Miserere, El Mensajero y El extraño caso del Sr. Valdemar.

La obra de Carlos se hace más personal y para ello no rechaza influencias de García Lorca, Miguel Hernández, León Felipe, Gustavo Adolfo Bécquer, Jack London o Edgar Allan Poe. Las inquietudes intelectuales despiertan también su compromiso político. En la revista satírica El Papus dibuja historias que más tarde se reunirán en los álbumes España, Una..., España, Grande... y España, Libre.

De forma similar Paracuellos ve la luz serializada para luego ser recopilada. Aquí Carlos muestra su terrible, dolorosa y desgraciada infancia en desgarradoras y opresivas viñetas. Para Carlos no hay medias tintas, los malos son malos y los buenos, buenos. Y como tal son dibujados, exaltados y terroríficos, los primeros, equilibrados y bellos los segundos. Sobrecogedora crudeza también la de Barrio y Los Profesionales que ahondarán en recuerdos y miserias de una España pobre e inculta.

En 1983 Giménez vuelve a Madrid y publica Romances de andar por casa, la historia única Bandolero e Historias de sexo y chapuza (memorables son los guiños a su amigo Miguel Fuster). Entre sus últimas obras se encuentran los cuatro volúmenes de 36-39. Malos tiempos. Giménez también ha realizado story boards tanto para el cine -Mar de luna (Manolo Matji, 1993), El espinazo del diablo (Guillermo del Toro, 2001) o Hable con ella (Pedro Almodóvar 2002)- como para campañas publicitarias (Chocolates Huesitos, 1996).

*Este texto pertenece al libro de Juan Royo ‘Un tratado de cómic’, publicado por 1001 ediciones. Zaragoza, 2010.

Fuente: Antón Castro

Elecciones en Brasil

2010-10-21T15:53:00.000-05:00

Serra: El retorno del monstruo de la privatización. Por Latuff.

El burgalés Rai Ferrer dibuja la 'historia de aventuras' de la CNT

2010-10-04T09:45:00.000-05:00

El periodista, ilustrador y ensayista presenta 'Viento del pueblo'

por Cristina San José

El periodista y dibujante Rai Ferrer (Burgos, 1942) regresa al cómic para recuperar la memoria colectiva y presenta 'Vientos del pueblo', una "historia de aventuras" que recoge en texto e ilustraciones los cien años de la Confederación Nacional del Trabajo (CNT). "Ahora que el poder político y económico intenta adormecer la raíz libertaria", según el autor, es el momento de repasar el movimiento anarcosindicalista.

Visita este lunes el Centro Cívico Esgueva, 19.30 horas, para presentar la nueva publicación e impartir la conferencia Desde el humor y para la anarquía. Ferrer (conocido por su trabajo en publicaciones como el 'El viejo topo' y 'Diario 16') ya utilizó el grafismo histórico en 1985 para reconstruir la biografía de Buenaventura Durruti, publicación que contó con prólogo de Enrique Tierno Galván.

Considera que su nuevo trabajo sobre la CNT debería convertirse en un "libro básico en los colegios, un catón de escuela" que hiciera llegar a las nuevas generaciones parte de la historia. "El movimiento obrero es lo único respetable que ha dado este país", sentencia tajante. Aunque ahora se dedica a escribir novelas y ensayos históricos, no pudo negarse al encargo y retomó la viñeta como forma de expresarse después de dos años sin dibujar. Ha contado con la colaboración de Carlos Azagra, dibujante de 'El Jueves', con ilustraciones en cada uno de los capítulos, y Josep Solá en los rótulos.

Relata la vida ajetreada de un movimiento "constantemente amenazado por la represión". Narra cómo surgen las ideas de la CNT con la llegada de uno de los discípulos de Bakunin a España a finales del XIX, la aparición en Cataluña de grandes nombres del movimiento anarquista como Anselmo Lorenzo y la fundación en 1910 de la Confederación en el Palacio de Bellas Artes. También recoge la semana trágica, la proclamación de la jornada de ocho horas, la dictadura de Primo de Rivera y la llegada de la República. "Es un libro dividido en capítulos, con dibujos y bocadillos con frases que dijeron realmente los protagonistas, se lee de forma fácil, que es lo que yo pretende para dirigirme a las nuevas generaciones".

Con ecos de la pasada huelga general aún en las conversaciones y páginas de periódicos y críticas a Gobierno y sindicatos, Ferrer tiene clara su postura. "Aquí hay dos sindicatos, CCOO y UGT, que en realidad son liberados que trabajan para el Gobierno socialista. En cambio se margina a movimientos como CNT y CGT", lamenta. "El Gobierno es impresentable y los dos sindicatos hacen el juego al poder político de turno. La huelga fue un fracaso porque nadie cree en CCOO ni UGT, están untados desde el poder y gracias a ello subsisten muy ricamente".

Cuando era aún un niño comenzó a trabajar en la Editorial Bruguera en el departamento de compaginación. En 1968 realizó sus primeros trabajos de cine independiente como guionista y director y poco después se convirtió en director artístico del semanario Strong y del departamento juvenil de la Editorial Argos. En 1975 fundó con Luis Díaz y Josep Solá el colectivo Onomatopeya. En 1984 trabajó como portadista para las editoriales Ariel y Seix Barral y fue en 1985 cuando publicó a través de la Editorial Planeta la biografía gráfico-literaria Durruti. En 1988 inició en 'Diari de Barcelona', en catalán, la serie de efemérides Tal día como avui y sus labores de crítico literario y periodista continúan en la actualidad, un trabajo incesante, crítico y fiel a sí mismo: "Entre la crisis mundial y el mangoneo de los poderes políticos, no soy cercano ni a las izquierdas ni a las derechas. Soy libertario, jamás he tenido un carné de nada, pero desde que era niño siempre he sido partidario del movimiento obrero y el pasado histórico. Cuando uno lee lo que ha pasado en España en los siglos XIX y XX se da cuenta que la única gente con coraje y de talla eran los obreros y particularmente los afiliados al anarcosindicalismo".

Fuente: El Mundo

Remember when: la huelga de 1988

2010-09-23T23:16:00.000-05:00

Así reflejó Kim y su Martínez el facha la primera huelga de la democracia

Fuente: El Jueves

¿Qué será lo próximo?

2010-09-08T23:16:00.001-05:00

El gilipollas de la semana: Sarko

2010-09-02T00:55:00.000-05:00

Por su cruzada contra los gitanos, digna de un líder europeo... de la baja Edad Media, eso sí

Parece que la gran política de seguridad de Nicolas Sarkozy para frenar la delincuencia en La France consiste, básicamente, en quitar de La France en cuestión los elementos marginales. Empezando, por ejemplo, por los gitanos rumanos, que son fáciles de identificar y ya viven agrupaditos en poblados fácilmente evacuables.

Si esta política formaba parte de una maniobra electoralista, hay que reconocer que Sarko ha logrado llamar nuestra atención: opinión pública, oposición, su propio partido, policía, iglesia, ONU y Amnistía Internacional han llamado a Sarkozy de todo menos majo. Pero, conseguido este objetivo, nosotros tenemos curiosidad por saber qué camino sigue esta inteligentísima política contra la criminalidad. Una vez has deportado a todos los villanos deportables, ¿qué haces con los villanos de casa, Sarkozy? Porque algún francés habrá entre los sospechosos habituales. ¿Qué harás con ellos? ¿Los mandas en un ferri a la Martinica? ¿A casa de sus mamás, en arresto domiciliario? Lástima que no vas camino de aguantar otra legislatura, porque pagaríamos por ver cómo sales de este berenjenal sin que te echen. Hale, toma trofeo y felicidades, muñeco.

Fuente: Revista El Jueves

“Solano siempre la puso”

2010-08-23T14:00:00.000-05:00

Eso, por ejemplo: hay muchos buenos dibujantes de mujeres hermosas, que no existen… En cambio las nenas, las minas que dibuja Solano, más o menos vírgenes, hermosas o sensuales, sí; pendejas tersas o veteranas fuertes de arrugas, formas pasadas y repasadas por la vida, existen, están ahí. Tienen calle y carnadura. Un notable guionista, coequiper y conocedor cercano del dibujante, el inolvidable loco Barreiro, solía decir que la razón era muy simple: “Solano siempre la puso”, sostenía Ricardo, usando un lenguaje un poco más crudo. Es decir: la respuesta estaba fuera del tablero y de la tinta china, estaba en la vida, en la manera de vivir. Cuando dibuja, Solano sabe de qué se trata. Y lo mismo que decimos de sus mujeres cabe para sus viejos, esos criollos, esos cabecitas, esos obreros, canas, chorros, vigilantes; sus desolados hombres robots, incluso las manos de El Eternauta, atravesados por una paradójica, carnal humanidad.

El párrafo corresponde a una nota publicada hoy en Página/12 por Juan Sasturain, en torno a una exposición dedicada a la obra de Francisco Solano López en el Banco Nación. Buen artículo.

Fuente: Cuadritos, periodismo de historieta

Posesión de Santos

2010-08-07T14:50:00.001-05:00

Lazos de amistad - Tommy

2010-07-29T14:05:00.000-05:00

Club del cómic. Marjane Satrapi y su obra Persépolis. Miércoles 28 de julio en Bogotá

2010-07-21T14:09:00.003-05:00

Club del cómic
Coordinado por Pablo Guerra

Para jóvenes
Miércoles 28 de julio, de 4:00 a 6:00 p.m.
Museo de Arte del Banco de la República, Salones de Talleres
Inscripciones gratuitas en el teléfono 343 13 09 o en vbaenaro@banrep.gov.co

Persépolis
Marjane Satrapi

La historieta pasa por un momento muy interesante tanto en términos formales como de contenido y esto se debe en gran medida a que el género de la novela gráfica ha gozado de un desarrollo sin precedentes en los últimos años. Si bien por décadas los cómics fueron sinónimo de historias de superhéroes y aventureros dirigidas casi exclusivamente al público juvenil masculino, en la actualidad el espectro de creadores y obras se ha diversificado para darle paso a propuestas novedosas que exploran esta forma de expresión desde otras perspectivas.

Te invitamos a este espacio mensual, coordinado por el experto en cómics Pablo Guerra, que permitirá que lectores y creadores se junten para ahondar en los mundos dibujados de algunos de los maestros de los globos y las viñetas.

El 28 de julio continuaremos con la discusión sobre la obra Persépolis, dedicándonos al libro 2 de esta novela autobiográfica de la iraní Marjane Satrapi, en la que relata su vida en un régimen fundamentalista islámico. El cómic comienza en el año 1979, cuando la autora tiene diez años y desde la mirada de niña cuenta cómo ocurrió una transformación política y social, que termina con el reinado del sha de Persia en Irán, dando así paso a una república islámica.

Más información:
http://drakecomics.blogspot.com/2010/06/por-que-persepolis-de-marjane-satrapi.html

CÓMO LLEGAR A LA BLAA
Transporte público: Puede tomar Transmilenio hacia la estación Las Aguas, bajarse en la estación Museo del Oro y caminar hacia el sur.
Taxi: La empresa de taxis Nuevo Taxi Mío (teléfono: 5999999) dará prioridad a los usuarios que pidan su servicio de transporte hacia y desde la BLAA a cualquier hora.

20 de Julio, por Bacteria

2010-07-18T18:12:00.000-05:00

Revista Artemio 8 y 23 [Mirolo]

2010-07-16T17:52:00.001-05:00

Mirolo nos sorprende con estos dos números de la revista Artemio. Una revista que se publicó a mediados de los setenta en Chile y que tiene como protagonista a un peculiar personaje que fue creado por el dibujante Jorge Vivanco: Artemio. Un típico chileno de clase media, al que inclusive el Payo Grondona le dedicó una canción en uno de sus discos.

Yo recuerdo a Artemio más bien en campañas de educación popular como, por ejemplo, en una campaña para incentivar el consumo de pescado entre los chilenos, especialmente de la merluza. No sé si alguien más recordará esa historieta de la merluza.

También lo recuerdo en la revista La Firme, que era una revista de educación política donde trabajaban también Alberto Vivanco (hermano de Jorge), Hervi y varios otros. Esa revista obviamente no siguió circulando después del golpe de Estado, pero el trabajo de Jorge Vivanco y sus amigos derivó a esta revista "Artemio", cuyo personaje principal era ya conocido desde antes de que asumiera un rol más comprometido políticamente, por decirlo de algún modo. De hecho, se publicaba en el diario de Agustín. Inclusive puede que Artemio haya aparecido en más de algún libro de lectura, de esos que entregaban en el colegio cuando uno era chico. No sé por qué me tinca haberlo visto en algo así.

Bueno, en el caso de esta revista Artemio, publicada dos veces al mes por la editorial Carrousel, podrán disfrutar de un humor muy blanco y divertido. Un poco como era Artemio también. Un tipo bien simple pero que le tocó vivir las circunstancias históricas de aquellos convulsionados años.

Se pueden fijar que en el número 23 la historieta principal la dibuja Hervi. A mí siempre me han hecho reír los dibujos de Hervi así que de sólo mirarlos, me maté de la risa.

Bueno amigos, espero que disfruten estas dos revistas que se suman a nuestro proyecto de rescate de nuestros recuerdos de infancia. Agradezcan a Mirolo, quien no sólo consiguió los ejemplares sino que además se dio el trabajo de editarlos él mismo. Le han quedado muy buenos.

Descargar Artemio 08
Descargar Artemio 23

Fuente: Yo soy de la generación de Mampato

Fallece autor estadunidense de historietas Harvey Pekar

2010-07-12T12:21:00.001-05:00

Pekar, cuyo "American Splendor" inspiró una aclamada película en 2003, murió a los 70 años en su domicilio de Cleveland, Ohio, anunció la policía.

Harvey Pekar, que convirtió su vida sin glamour en una serie culto de historietas en Estados Unidos, murió a los 70 años en su domicilio de Cleveland, Ohio, anunció la Policía.

Pekar, cuyo American Splendor inspiró una aclamada película en 2003, apareció muerto en su casa de Cleveland Hights, indicó la policía, aclarando que no había indicios de que se trate de nada sospechoso.

Los comics de Pekar estaban inspirados en su vida como empleado de un hospital, con alusiones a la naturaleza humana y sus complejidades.

Tras ganarse el respaldo de muchos admiradores, Pekar se había alejado del mundo de la historieta para público general y el film que inspiró American Splendor ganó un premio en el festival de cine de Sundance

“El cómic no es una cosa nueva. Es una cosa renovada”

2010-07-02T00:00:00.000-05:00

Por: Johari Gautier Carmona

El género del cómic, tan de moda últimamente, no es tan nuevo como lo parece. Ya en el siglo XVIII y XIX algunos autores lo utilizaban con otros fines alejados de la simple diversión que hoy le concedemos.
Rai Ferrer, autor de la célebre obra Durruti, y Carlos Azagra, reconocido ilustrador de la revista El Jueves, han presentado un libro original titulado “Viento del Pueblo” en el que las historietas se ligan con la necesidad de mantener viva la memoria colectiva. El libro se enmarca en el centenario del movimiento libertario CNT y trata de rescatar importantes capítulos de la historia española con la intención de traspasar las generaciones e informar desde otra perspectiva.

El cómic como instrumento de aprendizaje y memoria colectiva

“El cómic no es una cosa nueva. Es una cosa renovada”, ha explicado la historiadora y escritora Antonina Rodrigo en la presentación del libro “Viento del pueblo”. Ya en el pasado, las historietas recogieron numerosas escenas de grandes obras literarias como el Quijote y o “Pablo y Virginia” para facilitar su lectura. Así pues, eran consideradas como la literatura de los pobres y marginados. Gracia a ellas, llegaban las noticias a los estratos más bajos, a las zonas geográficas más apartadas, siempre más expuestos al analfabetismo. “Era el periódico de los pueblos y permitía transmitir los hechos a los que no sabían leer”, ha comentado la presentadora antes de comunicar su encanto por ese género abierto que también ha fascinado a grandes escritores y poetas del principio del siglo XX como Antonio Machado, Pio Baroja o Federico García Lorca.

Con este libro que Antonina Rodrigo describe también como una enciclopedia ilustrada, Rai Ferrer y Carlos Azagra han llevado la historia del anarquismo a nuevos escenarios (escuelas, bibliotecas…) y han recordado la gesta de luchadores que, tras la guerra civil, no dudaron en combatir en la segunda guerra mundial para la defensa de los ideales democráticos. De la misma forma, el reconocido editor Rafael Borrás ha subrayado la calidad y la necesidad de esta obra en el actual panorama literario por una razón sencilla: “la CNT sigue siendo uno de los movimientos a los que la historiografía española ha prestado menos importancia y eso pese al peso que tuvo en los años previos a la guerra civil”. Cabe destacar, por ejemplo, que la abstención de CNT en las elecciones de 1933 propició el triunfo del grupo de centro derecha liderado por Lerroux y que, en 1936, la CNT fue un actor esencial en la victoria del frente popular.

La vida de un movimiento centenario

La obra de Rai Ferrer presenta la vida muy inquieta y movida de un movimiento constantemente amenazado por la represión y analiza de manera exhaustiva los cien años (recién cumplidos) de la CNT. Aunque se menciona a menudo la República en el libro, el autor ha reconocido que no guarda muchos buenos recuerdos de la época, debido a la poca estabilidad y los enfrentamientos con grupos refractarios. Sin embargo, ha querido destacar los grandes avances que permitió la República en el campo de la enseñanza y en los proyectos de alfabetización (con actividades culturales en las que también participó Federico García Lorca).

“La escuela no debe ser ni republicana, ni socialista, ni masónica, ni mucho menos religiosa”, ha expresado el autor de la obra con contundencia y, refiriéndose a algunos de los capítulos del libro, Rai Ferrer también ha querido destacar la grave persecución de la prensa después de la guerra civil. “Durante el franquismo, a la depuración de los medios de comunicación siguió la depuración de los mismos periodistas”. Evidentemente, el esfuerzo de recordar debe ser un ejercicio continuo y colectivo para evitar errores del pasado y, gracias a obras como las de Rai Ferrer y Carlos Azagra, este ejercicio puede ser más fácil de difundir y de compartir.

celebración

2010-06-20T17:21:00.000-05:00

'Anita la huerfanita' se retira de las historietas a los 85 años en EU

2010-06-14T11:29:00.007-05:00

Su editor, la Tribune Company, que vendía la historieta a los periódicos estadounidenses, estima que es momento de que los aficionados la encuentren en otros soportes como la televisión, el cine o Internet.

Afp

Durante 85 años, Anita la huerfanita (Little Orphan Annie) marcó a los estadounidenses con sus historietas que aparecían en los periódicos. Pero el domingo, la huérfana pelirroja -que nunca pasó de tener 9 años- se retiró definitivamente.

Su editor, la Tribune Company, que vendía la historieta a los periódicos estadounidenses, estima que es momento de que los aficionados la encuentren en otros soportes como la televisión, el cine o internet.

Al contrario de otros protagonistas de historietas, los sucesivos autores de Anita la huerfanita siempre se preocuparon de adaptar sus guiones al clima político y económico del momento sólo con dos imperativos: Annie no debía crecer nunca y sus aventuras debían terminar con un toque optimista.

Annie es una huérfana adoptada por Daddy Warbucks, un rico hombre de negocios. Su creador, Harold Gray, la sumerge en un mundo donde sólo las personas emprendedoras logran destacarse. Annie ha luchado a lo largo de estos años contra contra banqueros corruptos, gánsteres o nazis.

En la cima de su popularidad, en los años 40, Annie aparecía cada día en cientos de periódicos estadounidenses. Pero el domingo 13 de junio, fecha de su última aparición, sólo unos 20 periódicos la publicaron.

"Las historietas publicadas en los periódicos se encaminan a ser formas de arte en extinción como los radioteatros", constató Heidi MacDonald, redactora en jefe del blog The Beat, consagrado al cómic.

Fallece Hua Junwu, pionero de la caricatura política china

2010-06-14T08:39:00.001-05:00

El dibujante chino Hua Jinwu, uno de los pioneros de la caricatura política en el país asiático, ha fallecido el domingo a los 95 años, informa la prensa estatal.

Nacido en la ciudad oriental de Hangzhou, Hua comenzó a dibujar caricaturas en el diario de su instituto, en 1930, época en la que fue castigado en varias ocasiones por utilizar el humor gráfico para criticar o burlarse de profesores.

A partir de 1936, cuando empezó a trabajar como empleado de banca, comenzó a utilizar su estilo -muy famoso en China por lograr gran expresividad con pocos trazos- para tratar con humor u opinar sobre política, una tendencia que se acentuó con el inicio de la invasión japonesa de China, en 1937.

En aquel año, Hua se unió a las filas de la revolución comunista y se trasladó de Shanghái a Yanan, en el norte de China y sede entonces de las tropas de Mao Zedong.

La obra más famosa de Hua es una caricatura del máximo rival de Mao, el político y estratega Chiang Kai-shek; se cuenta que el retrato que el caricaturista hizo del líder militar gustó tan poco a éste que colocó al artista en la lista de más buscados por las fuerzas del Kuomintang, la formación rival de los comunistas.

A finales de 1949, con el triunfo comunista en la guerra civil y la instauración de la República Popular, Hua comenzó a trabajar como director de la sección de arte y cultura del 'Diario del Pueblo', donde contó con una sección para sus historietas titulada 'Sátira y Humor'.

Como muchos otros intelectuales, Hua sufrió los desmanes de la Revolución Cultural en los años 60 y 70, un periodo en el que se le prohibió dibujar, aunque posteriormente fue rehabilitado y en 1979 fue nombrado vicepresidente de la Asociación de Artistas de China.

En las últimas décadas, no obstante, Hua abandonó el comentario político y dedicó su obra preferentemente a cuestiones sociales.

Fuente (tomado textual): diario El Mundo

Fidel An Illustrated Biography of Fidel Castro de Néstor Kohan

2010-06-09T22:05:00.000-05:00

Se publica en Estados Unidos Fidel An Illustrated Biography of Fidel Castro de Néstor Kohan con ilustraciones de Nahuel Scherma

Rebelión

De la presentación en inglés:

En los Estados Unidos, a 90 millas de las costas de Cuba las opiniones apasionadas sobre el tema Fidel abundan: para algunos es un libertador, para otros es un dictador. En Fidel, Néstor Kohan y Nahuel Scherma presentan a una de las figuras más prominentes del siglo XX tal y como lo ven los latinoamericanos: como un líder que se ha levantado contra el mayor poder militar del mundo durante más de 50 años y aún se mantiene de pie.

Aquí está, en la prosa incisiva de Kohan y las apasionadas ilustraciones de Scherma, el hombre que luchó, inspirado por décadas de pensamiento marxista latinoamericano, en la Sierra Maestra para liberar a su país – el hombre que caminó por el filo de la navaja entre las amenazas militares de Estados Unidos y la coerción política de la Unión Soviética —el hombre que devino un líder contra los gobiernos coloniales de Angola, Vietnam y Latinoamérica –El hombre que luchó, sobre todo, para transformar la conciencia de su pueblo, extendiendo la alfabetización, la cultura, el servicio médico gratuito para todo el mundo en la isla. Aquí está el hombre que se transformó en un símbolo de la revolución en el nuevo mundo.

Fidel An Illustrated Biography of Fidel Castro

Néstor Kohan

Illustrated by Nahuel Scherma

Translated by Elise Buchman

ISBN-10 1583227822

ISBN-13 978-1-58322-782-4

Publication Date May 2010

Nb of pages 192

Illustration type Illustrations, black & white

Dimensions 5 x 7.3 in.

Original Publication 2007

Paperback – $14.95 $11.21 Save $3.74 (25%)

Comprar: http://www.amazon.com/Fidel-Graphic-Novel-Life-Castro/dp/1583227822

Dan familiares y amigos al historietista Gabriel Vargas último adiós

2010-05-26T09:56:00.008-05:00

Amigos y familiares del historietista mexicano Gabriel Vargas, fallecido la víspera por problemas cardiovasculares, realizaron esta mañana una misa de cuerpo presente para despedir al padre de La Familia Burrón.

Gabriel Vargas trascendió ayer a la edad de 95 años, por lo que su familia, encabezada por su viuda, la periodista y escritora Guadalupe Appendini, dispuso el acto religioso que inició en punto de las 8:05 horas con las condolencias a sus deudos en una agencia funeraria de la calle Sullivan, en esta ciudad.

En punto de las 9:00 horas, el cuerpo de quien fuera el padre de “La Familia Burrón” fue cremado y sus cenizas serán trasladadas por su esposa a la Catedral Metropolitana, donde serán depositadas.

Ver artículo de wikipedia sobre La Familia Burrón

Euskal Herria: Ermua (Gipuzkoa) acoge estos días la Semana de Solidaridad con el pueblo palestino

2010-05-17T19:42:00.006-05:00

Organizada por Komite Internazionalistak, se celebra una exposición de ilustraciones, una proyección de un documental y la charla de un periodista israelí

Ainhoa Lasuen
El Correo.com

Komite Internazionalistak continúa con la celebración de la Semana de Solidaridad de Ermua con Palestina, que se inició el jueves pasado con la inauguración de la exposición de 'Palestina e Iraq a los ojos de Kalvellido y Azagra'. Esta muestra cuenta con ilustraciones de los dos dibujantes de cómics y está realizada por iniciativa de la organización Paz y solidaridad.

Las ilustraciones que se encuentran en el bar Infreñu y Eskilarapeko Atenenoa , hasta el próximo domingo, se podrán ver desde las 16.30 horas a las 20.30 horas. En ellas se pueden ver los trabajos a tinta china y con acuarelas que repasan de forma crítica la violencia «que los países más poderosos ejercen sobre los más débiles, el sufrimiento de las familias que pierden algún miembro en un bombardeo, la desesperación de sentirse abandonado por las otras naciones y la inhumanidad de los militares israelíes», explican los promotores de esta semana.

Además, el pasado sábado estos ermuarras recordaron el 'Día de Al-Nakba', en el que se rememora el aniversario de la partición de Palestina, el 15 de mayo de 1948. Las actividades de esta semana reivindicativa continuarán hoy con la proyección de la película 'Check-point rock', de Fermin Muguruza y Javier Corcuera. Esta película que se proyectará a partir de las 21.30 horas, en Lobiano, se acerca al pueblo palestino a través de las músicas que surgen hoy en día en este país.

Desde Tel Aviv a los territorios ocupados de Gaza y Cisjordania, de la mano de uno de los componentes del grupo de rap Dam, este documental se acerca a intérpretes de música tradicional, a jóvenes cantantes de hip-hop y a grupos de rock que intentan seguir con su trabajo pese a las dificultades impuestas por la ocupación israelí.

Las actividades de la semana se cerrarán mañana con una charla del periodista israelí antisionista y director del Centro de Información Alternativo de Jerusalem, Sergio Yahni. Este periodista que fue encarcelado por negarse a servir en el ejercito israelí, contará su experiencia y la situación del conflicto. Esta conferencia, que permitirá conocer de cerca y a través de uno de sus protagonistas el conflicto, comenzará a las 19.30 horas, en Lobiano.

Programación

Exposición. 'Palestina e Iraq a los ojos de Kalvellido y Azagra'. En Infreñu y Eskilarapeko, hasta el día 21.

Proyección. 'Check-point rock'. Hoy, a las 21.30 horas, en Lobiano.

Conferencia. A cargo del periodista y director del centro de información alternativo de Jerusalen, Sergio Yahni. Mañana, a las 19.30 horas, en Lobiano.

Castilla, Estado español: El poeta Marcos Ana y el dibujante Carlos Azagra optan al Premio a la Coherencia

2010-05-04T10:49:00.001-05:00

El poeta Marcos Ana, seudónimo del salmantino Fernando Macarro Castillo, y el dibujante de la revista El Jueves, Carlos Azagra, optan al XVII Premio a la Coherencia con el que la Asamblea de IU de Guardo (Palencia) reconoce a personas del mundo de las ciencias, las artes, el pensamiento o la política.

Junto a ellos optan a este reconocimiento el presidente de la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica de Palencia, Pablo García Colmenares, y el actual coordinador provincial de IU, Mariano San Martín, según informó la Asamblea de Izquierda Unida de Guardo en un comunicado.

De los nueve candidatos a obtener este reconocimiento anual, cinco quedaron descartados al no haber logrado los apoyos suficientes para seguir optando al premio. Por tanto, no lograron pasar el primer corte Manuel Fuentes, actual alcalde de Seseña (Toledo); Andrés Rábago García, más conocido por El Roto, ni las cantantes Maria Nieves Rebolledo (Bebe) y Cristina del Valle, así como tampoco la escritora y periodista Ángeles Caso.

A la entrega del galardón, una pieza de cerámica del artista José Ramón Enríquez, natural de la localidad palentina de Paredes de Nava, y que se otorga en un acto abierto al público en Guardo (Palencia), estarán invitados todos los galardonados en ediciones anteriores.

Entre ellos el cantante Rosendo que obtuvo el premio a la Coherencia "por su filosofía ácrata de denuncia política de la mentira", y la persona que actualmente ostenta el título de Coherente "por su humanidad y su compromiso con los jóvenes artistas", la veterana actriz Asunción Balaguer.

Otros rostros conocidos como el actor José Sacristán, el escritor José Saramago o el sindicalista Marcelino Camacho fueron reconocidos también en ediciones anteriores con el galardón que desde hace 17 años otorga la agrupación local de Izquierda Unida en la localidad palentina de Guardo.

Iron Man 2, qué lata de hombre

2010-05-03T10:32:00.000-05:00

El destrozo final de un cómic en cine

Julio Castro - laRepúblicaCultural.es

Es una auténtica lástima que se desperdicien chorros de oro en mezclarlos con excrementos como la película de Jon Favreau, que lejos de ser un trabajo cinematográfico, parece un trabajo realizado por alguna mala droga en su cabeza. Me parece un horror y un espanto tratar de enmendar errores cometidos en un film mediano como la primera parte de esta serie del Hombre de Hierro (Iron Man, 2008), donde se metía en charcos innecesarios, haciendo alarde de ser capaz de adaptar una buena historia al cine de comida basura y acabar encerrado en un callejón sin salida creado por él mismo, que sería el cierre a una posible continuación relacionada con la historia original del cómic.

No contento con aquello, pues, viene ahora a darnos un tostón de argumento, con efectos mediocres de acción que recuerdan a las sagas de los transformers, pero en un lugar que nada tienen que ver. Mucho holograma y mucho trabajo de montaje de estudio, mucho diseño en las armaduras y mucho brazo robótico (el mismo que se repite una y otra vez en las secuencias), que se completa con un conjunto actores casi sin expresividad alguna. Esto último me sorprende especialmente de Gwyneth Paltrow, que siempre me ha parecido una buena actriz (independientemente de los papeles que le diesen), pero es que parece que los actores están en cada momento expectantes de ¿qué pasará ahora? y no pasa nada más que lo obvio ¿dónde está el argumento? y resulta que no hay, salvo el del encefalograma plano.

Desde mi punto de vista, la única que consigue salvar medianamente su papel en el guión es Scarlett Johansson, que interpreta una Natasha Romanoff bastante cercana a la realidad, aunque más triste que atormentada, que sería una definición más real de la viuda negra creada por Stan Lee y Jack Kirby, pero que se aproxima mucho en los momentos de acción. Sin embargo, parece que, como Iron Man lleva una máscara inexpresiva, todos los actores tienen puesta otra que les impide ser seres humanos.

Todo esto, dicho sea de paso, al margen del exultante elogio de un capitalismo trasnochado, que venía poco a cuento en la primera parte, pero que se corregía un poco hacia el final, como si se tratase de una cierta crítica, y que en este caso se convierte en un discurso que viene a decir “capitalismo soy yo”, en un remedo del viejo nazismo, matiz en el que seguramente ni han pensado a la hora de tirar ese guión al cesto de las malas ideas y seguir con otro.

En la parte acción, la película no tiene ningún interés, especialmente desde el punto de vista del protagonista. El malo de la acción, Mickey Rourke, que interpreta a Ivan Danko (ruso en esta ocasión, esta vez los malos no son árabes como en la primera) es malo, pero malo de cojones, porque no le he visto ni un rasgo destacable en el trabajo interpretativo: otro con la máscara de hierro metida debajo de la piel. En cuanto al malo yanqui, Sam Rockwell (en el papel de Justin Hammer), es el único que se sale del papel inmutable, para convertirse en un personaje histriónico, más chillón que alguno de los Joker de Batman. El papel de Jon Cheadle, como Coronel “Rhody”, que viene a interpretar al final una especie de Robin (por seguir con el paralelismo de Batman), es completamente anodino, sin interés. Y para rematar, han decidido que el jefe de SHIELD, Nick Furia, sea negro, lo cual viene a dar al traste con una parte del significado despreciable que el propio personaje reflejaba en algunos momentos del cómic original, pero es que algunos interpretan que esto es diversidad, en lugar comprender que con algo así se está cayendo en lo contrario a costa del ridículo.

Del protagonista no hay mucho que decir, porque Robert Downey Jr. no tiene mucho que sacar del film, pese a ser el papel principal, y se le ve como sorprendido de estar donde está haciendo lo que hace.

En la parte argumental, no se cuenta nada nuevo, el malo es patético, nadie tiene fuerza en el desarrollo original, lo que se refleja como resultado en una historia sin interés, y es lamentable perder dos horas en una mala película serie B con elevado presupuesto y algunos nombres.

Espero que este film cierre la saga para siempre, al menos en esta línea y para esta gente, porque no creo que deban destrozar más historias del género. En el primero de los estrenos en Madrid, rodeado de múltiples seguidores del cómic de Iron Man, si yo estuve a punto de salirme pasada una hora, me alegré de quedarme para escuchar que no era cosa mía, sino que el resto de la gente salía del cine por los pasillos comentando tan sólo una cosa: lo mala que era la película. Tanto el público de cine, como los seguidores del cómic merecen, no un poco, sino mucho más. En resumen: un latazo.

En la Casa Republicana de la Biblioteca Luis Ángel Arango, Historia de la caricatura en Colombia

2010-04-05T16:34:00.001-05:00

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Por Alejandro Arciniegas Alzate

Colombia ofreció siempre buen material a los caricaturistas. Aquí, la sátira se da silvestre. Para hacer justicia, habría que añadir que esta afirmación es válida para cualquier sociedad de hombres. Pero los escándalos que han estremecido a la Patria desde su fundación le aseguran a nuestro país un capítulo aparte en la historia universal de la caricatura.

Nadie ha expresado mejor esa comicidad inherente al carácter de la nación que García Márquez en Los funerales de la Mama Grande:

[… ] La Mama Grande se irguió sobre sus nalgas monumentales, y con voz dominante y sincera, abandonada a su memoria, dictó al notario la lista de su patrimonio invisible: La riqueza del subsuelo, las aguas territoriales, los colores de la bandera, la soberanía nacional […]

La caricatura en Colombia a partir de la Independencia comienza por brindar al espectador tres claves para comprender el desarrollo del género durante el siglo XIX: la figura del presidente de la República, los símbolos patrios y la religión católica. Tres tópicos cuyo recurso se explica fácilmente, si se tiene en cuenta que la extensión de los dibujos a un público de masas dependía del tiraje de la prensa. El caricaturista necesita un rostro familiar, una cabeza de turco con quién organizar sus dianas, mientras aumentan las contradicciones en el orden de la realidad. De ahí la recurrencia al primer mandatario, escudo y bandera nacionales, que representan el coeficiente simbólico de la Patria. En cuanto a la religión, no debe extrañarnos demasiado si fue en todas las épocas objeto del burlesco. ¿O qué puede ser más hilarante que una Colombia confederada en Estados soberanos que inauguraban su Constitución Política premiando al cielo?

La maestra Beatriz González, artista plástica, crítica y curadora de la exposición, hace remontar el devenir del género hasta el 7 de enero de 1877, cuando un colaborador espontáneo escribió a Alberto Urdaneta, entonces miembro del movimiento político denominado El mochuelo. El anónimo aseguraba que para echar a andar un periódico nacional de caricaturas bastaba con transcribir el acontecer de la esfera pública colombiana. El trabajo, pues, estaba hecho.

Frente a la historia, dijéramos oficial, «políticamente correcta», está aquella de la caricatura, descarnada y desprovista de giros grandilocuentes. Allí está la narración gráfica del abanderado, José María Espinosa, prisionero en Popayán, burlándose del cautiverio con notas de lirismo equiparables a la más reciente ficción de Roberto Benigni, autor de La vida es bella. En esta exposición se ha reservado un capítulo entero a los trabajos de Espinosa, pues sus dibujos exhiben a las claras dos propiedades que serán comunes a la producción de caricaturas en los años por venir: la dimensión histórica del bocadillo, en tanto que testimonio de una época, y el trasunto de su vocación crítico-política.

También ocupa buena porción del muro la obra de Ricardo Rendón, a quien cayó en suerte celebrar las nupcias entre periódicos y piezas de humorismo gráfico. Después de ejercerse en toda clase de formatos y conquistar numerosas técnicas como el grabado, el aguafuerte, la acuarela, el óleo, etc., con este creador de Ríonegro (Antioquia), la caricatura se fijará en su molde acostumbrado: la doble página de diarios y revistas.

Ahí están sus dibujos a la orden de futuros investigadores para rastrear en qué momento, a partir del siglo XX, los periódicos rompieron su tradicional filiación ideológica para entregarse, como cualquier empresa, a los juegos comerciales de la oferta y la demanda.

No hay caricatura sin exceso, deformación e hipérbole: la historia de la caricatura es la historia de Colombia reflejada en vidrios cóncavos. Pero, acaso, un artista más agudo afirmará que dibujaba del natural cuanto veía como a través de sus gemelos. Injusta, exagerada o no, la caricatura puede ser la síntesis de un período o aquello que mejor se guarde el pueblo acerca de sus gobernantes; como el célebre ejemplo del presidente José Manuel Marroquín, rimando versos ortográficos, mientras Estados Unidos le expropiaba el istmo de Panamá.

Naturalmente, es una falsificación; pero el gran público no tiene ganas ni tiempo de ahondar; prefiere, las más de las veces, plegarse al lúcido veneno de sus dibujantes. No le falta razón a Burgess cuando afirma que si alguien desea proteger su buena honra, hay tres enemistades que no debe granjearse: las del mesero, el fotógrafo y el caricaturista.

La caricatura en Colombia a partir de la Independencia forma parte de las fiestas del Bicentenario y se exhibirá hasta el 15 de junio en la Casa Republicana de la Biblioteca Luis Ángel Arango. El espectador tendrá ocasión de recorrer piezas que datan desde sus albores hasta el presente, cuando el trazo más sofisticado de maestros contemporáneos como Osuna, Vladdo y Matador se sume al catálogo para documentar el triunfo definitivo de Colombia sobre el género.

Hay otra caricatura […] y es la que, lejos de exagerar, descarna la personalidad o el momento, lo reduce a su expresión última y nos los presenta en síntesis a veces verdaderamente milagrosa.
Gustavo Santos

Agradecimientos:
A la maestra Beatriz González por su orientación, y a la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República por el suministro de las reproducciones de estas caricaturas.

Euskal Herria: Barakaldo acogerá las XII Jornadas de Manga y Anime de Motsukora

2010-04-05T00:00:00.000-05:00

Barakaldo acogerá desde mañana al 10 de abril las XII Jornadas de Manga y Anime de Motsukora organizadas por la asociación Motsukora, según informó en un comunicado. La entrada es libre y el horario será de 10.00 a 14.00 horas por la mañana y de 17.00 a 20.30 horas por la tarde. El objetivo de las jornadas es dar a conocer el manga y el anime y, en general, la cultura japonesa moderna.

Para ello, están previstas distintas actividades, como las obligadas proyecciones de animación, además de otras organizadas para profundizar en la cultura popular joven de Japón, que va desde los videojuegos, a los cosplay, karaoke etc. A lo largo de las jornadas también se celebrarán diversos concursos como torneos de videojuegos, juegos pseudojaponeses, trivial manga o concursos de dibujo.

Fuente: Gara

Bogotá, Colombia: Club del cómic para jóvenes. Miércoles 24 de marzo en la BLAA‏

2010-03-18T16:07:00.001-05:00

Club del cómic
Coordinado por Pablo Guerra

Para jóvenes
Miércoles 24 de marzo, de 4:00 a 6:00 p.m.
BLAA, Auditorio de Audiovisuales - Calle 11 # 4 - 14
Inscripciones gratuitas en el teléfono 343 13 09 o en vbaenaro@banrep.gov.co

En esta sesión comentaremos las novelas gráficas de Frank Miller:

Batman Año Uno
300
Sin City, ese cobarde bastardo

Club del cómic
La historieta pasa por un momento muy interesante tanto en términos formales como de contenido y esto se debe en gran medida a que el género de la novela gráfica ha gozado de un desarrollo sin precedentes en los últimos años. Si bien por décadas los cómics fueron sinónimo de historias de superhéroes y aventureros dirigidas casi exclusivamente al público juvenil masculino, en la actualidad el espectro de creadores y obras se ha diversificado para darle paso a propuestas novedosas que exploran esta forma de expresión desde otras perspectivas. Te invitamos a este espacio, que permitirá que lectores y creadores se junten para ahondar en los mundos dibujados de algunos de los maestros de los globos y las viñetas. ver más

Continúa la tarde de cómics en el Centro Cultural Gabriel García Márquez, al lado de la Biblioteca Luis Ángel Arango:

Presentación de la novela gráfica: Virus Tropical II, de Powerpaola
Conversación de Powerpaola con Pablo Guerra y Alejandro Martín
ver más

El 24 de marzo de 2010 a las 6 p.m.
Librería Fondo de Cultura Económica
Centro Cultural Gabriel García Márquez
Calle 11 # 5-60

CÓMO LLEGAR
Rutas vehiculares: consulte este mapa.
Transporte público: Puede tomar Transmilenio hacia la estación Las Aguas, bajarse en la estación Museo del Oro y caminar hacia el sur.
Taxi: La empresa de taxis Nuevo Taxi Mío (teléfono: 5999999) dará prioridad a los usuarios que pidan su servicio de transporte hacia y desde la BLAA a cualquier hora.

SERVICIO DE PARQUEADERO EN LA BIBLIOTECA: Carrera 5 # 11-68.
$3.200 por todo el concierto (recuerde sellar el tiquete del parqueadero en la Sala Conciertos)

II Bienal de Humor Gráfico y Caricatura Ciudad de Bogotá

2010-03-17T15:51:00.000-05:00

CONVOCATORIA

La Corporación Escuela Nacional de Caricatura y Comunicación Gráfica – CEAC de Colombia, convoca a todos los caricaturistas colombianos y extranjeros a participar en el II Bienal de Humor Gráfico y Caricatura Ciudad de Bogotá.

Términos de la convocatoria.

1. Tema: Bicentenario de las Independencias.
Las obras participantes deberán proponer una reflexión, por medio del lenguaje universal del humor, en torno al sentido y significado de la celebración del Bicentenario de las independencias de los países latinoamericanos.
2. Podrán participar todos los caricaturistas colombianos y extranjeros que deseen expresar gráficamente su punto de vista sobre el tema.
3. Se abre la convocatoria a partir del 15 de marzo y con plazo último hasta el 19 de julio de 2010.
La exposición de las obras ganadoras servirá de marco para foros y conferencias sobre el tema.

4. Categorías:
a) Profesionales. Personas que hayan publicado sus trabajos en medios masivos de comunicación impresa o en Internet
b) Aficionados. Personas que no hayan publicado sus trabajos en ningún medio escrito o audiovisual. Mayores de 18 años

El sobre en que se envían los trabajos deben marcarse en la esquina superior derecha con las letras P (Profesional), A (Aficionado)

5. Técnica: Libre.

6. Formato: 50 × 35 cms. En físico o imágenes en medio digital en 300 dpi, formato jpg.

7. Cantidad: Máximo 2 trabajos por autor.

8. Premiación: La premiación se realizará de la siguiente manera:

Categoría Profesional: Premio único: 1.000 Euros

Categoría Aficionados: Premio único: Curso interactivo de humor gráfico y caricatura por un valor de $725.000

Se hará entrega adicionalmente de menciones a algunos de los más destacados participantes en las diferentes categorías...

TODAS LAS BASES DEL CONCURSO EN: WWW.ESCUELADECARICATURA.COM

Se viene el estallido

2010-03-02T08:00:00.000-05:00

Tras una espera de casi cinco años, Bertold llegó a su edición nacional

Vivimos en la era de las burbujas económicas. En los ‘90, explotaron las “.com”, empresas de software que prometían ingresos fabulosos, aspiraron recursos a mansalva y, finalmente, fueron un fiasco. Hace nada, otro tanto sucedió en Estados Unidos. La especulación inmobiliaria dejó a bancos y empresas “cimientos para arriba” (por ser finos). Lo mismo sucedió en España, ahora en densos problemas financieros. Por si no bastara, hace años se viene anunciando otro “plop”. Esa crisis vendrá cuando las reservas de gas y petróleo se acaben definitivamente. Por ahí vienen los tiros en La burbuja de Bertold, primer trabajo en conjunto de Diego Agrimbau y Gabriel Ippóliti, obra premiada en Francia y publicada también en España y Grecia.

La burbuja de Bertold narra la historia de un dirigente de la corporación que rige Butania, una ciudad patagónica sustentada en la extracción de hidrocarburos. El hombre nota que las reservas de gas están prontas a acabarse y pretende dar la alarma. Con su voz de alerta, amenaza la frágil estabilidad del sistema, que se sostiene sobre la exclusión y explotación de miles, en beneficio de los pocos de siempre. Por ello se lo condena a la amputación de sus brazos y piernas, castigo habitual en la ficción distópica que proponen Agrimbau e Ippóliti.

Bertold, el protagonista, queda así varado en una plaza de Butania, donde un tal Froilán lo recluta para su “teatro neumático”, una suerte de sala de títeres humanos y mecanizados, de movimientos computarizados, fijos y precisos. Desde esa aparente indefensión y con su voz y carisma como únicas armas, Bertold se lanza a una quimérica tarea.

El ambiente que imprime Ippóliti a sus páginas es una de las bazas del libro

La novela gráfica llegó en diciembre a las librerías merced a Historieteca Editorial, en lo que constituye su primer libro editado. La elección es ciertamente destacable. No sólo por los abundantes pergaminos que preceden al relato, sino por la manifiesta calidad y potencia narrativa de la historia.

Desde el guión, Agrimbau explora en homenaje a Bertold Brecht la posibilidad de una revolución a través del teatro. Queriéndolo, o no, desde la imagen de “burbuja” de Butania también aborda las sucesivas crisis económicas que vienen sacudiendo al capitalismo en los últimos 25 años, y el destino que está reservado a quienes objetan el curso de la materia. Destino que siempre dependerá de los intereses de dos o tres corporaciones si quienes protestan son lúcidos analistas (cuando sus propuestas son funcionales a sus intereses) o “alarmistas” cuando sus vaticinios muestran las fisuras del modelo.

Es en esa conjunción de imágenes y alusiones que se construye primero una base poderosa para la narración de la novela. Simbólicamente, a La burbuja de Bertold no le falta peso propio. Las propias experiencias argentinas respecto a las alucinaciones económicas colectivas no hace más que realzar la fuerza del relato.

La suma de ilusiones económicas y la revolución por el arte constituyen su base narrativa

En ese camino, Agrimbau encontró en Ippóliti a un enorme compañero creativo. Ante un guión difícil, el dibujante se luce y agiganta, representando con soltura las ideas de su compañero y dando volumen a la narración.

El santafesino imprime en sus dibujos una fortísima carga dramática. A ella llega por dos caminos simultáneos y paralelos. Por un lado, la construcción de ambiente. Butania es una ciudad ficticia, sí, pero es creíble. El lector puede pensar una vida en ella (de sufrimiento, miseria y privaciones, pero vida al fin) y hasta puede imaginar sus olores en esas calles sucias de hollín y desidia.
Por otro lado, Ippóliti se destaca con los rostros de los personajes. Hasta el último espectador de la obra que presenta el teatro neumático de Froilán (Leche de madre) tiene su propia cara, que transmite una personalidad y una vida propia. Quizás el mayor logro del dibujante sea trasmitir la sensación de que aunque no se la cuente hay una historia colectiva que atraviesa a cada muñequito de Butania y que la ciudad tiene un pasado.

Tras la lectura del libro recordamos que inevitablemente cuando la cuerda se estira demasiado, se rompe. Y en la burbuja, se viene el estallido.

Fuente: Cuadritos

Superheroes Comunistas Luchan en Rusia

2010-01-04T21:31:00.000-05:00

Korean Love Story (animación en flash)

2010-01-03T21:25:00.000-05:00

Fletcher Hanks, el autor secreto de la era dorada del cómic norteamericano

2009-12-27T04:00:00.000-05:00

En los años 30, la historieta de EE.UU. brillaba y vivía su gran momento con los recién nacidos superhéroes que llegaron hasta nuestros días. Pero algunos personajes, y sus autores, no alcanzaron la trascendencia de Superman o Batman. Uno de ellos fue Fletcher Hanks, y sus criaturas que se perdieron en un extraño olvido: es que el autor era raro, pero era quizá genial. Hanks trabajó mucho, pero sólo entre 1939 y 1941. ¿Qué pasó después? La respuesta, sórdida y trágica, se encuentra en dos libros de reciente edición que cuentan la historia de este misántropo que pudo haber sido una leyenda a la altura de Will Eisner pero desapareció sin dejar rastro.

Por Juan Manuel Domínguez

Alguna vez le preguntaron al historietista Charles Schultz, el papá de la icónica Peanuts, por qué Charlie Brown, el amo cabeza oronda de Snoopy, fracasaba siempre a la hora de pegarle a la pelota de fútbol americano. Schultz respondió: “La felicidad no es divertida”.

Lo extraño no es tanto que aquel que hizo de la historieta un refugio cálido y una obra maestra, no crea en la felicidad: duele su certeza; y la tabla de mandamientos historietísticos (los cómics canonizados como Maus, Persepolis, Watchmen) siempre apuntaron al otro polo, nunca a la felicidad. La cuestión es qué pasa cuando esa idea de que “la felicidad no es divertida” engendra un ser grotesco, atrofiado en sus músculos, brutal en su poder, que expande radiactivamente esa infelicidad a cada rincón de las viñetas y de la vida de su autor y del período que intentó contenerlo.

La respuesta es Fletcher Hanks Sr., acaso un genio oculto, uno de los mayores autores de cómics secretos de la explosión editorial de fines de los 30, virtualmente desconocido hasta hace muy poco, hasta el momento en que Paul Karasik encontró y recopiló las historietas que produjo durante un muy breve período.

Cualquier vecino de Krypton sabe cómo es el asunto de los supertipos, alguna vez containers anabólicos de statu quo y hoy objetos de devoción y revisión por parte de sus fieles: el puntapié inicial fue Superman y su debut en el número uno de la revista Action Comics, lo que transformó aquel 1938 en año cero del superhéroe. Superman definió parámetros de ortodoxia y alternatividad. Pero la sorpresa con la que el investigador y compilador Karasik desafió al mundo es otra: ya había otros nombres ridículos intentando salvar al mundo de situaciones absurdas. Y uno de los responsables de esos nombres, como El Súper Brujo Stardust o La Mujer Misteriosa de la jungla Fantomah era, en aquel momento de la llamada Edad Dorada del cómic americano, Fletcher Hanks Sr.

Hanks es el doble misterio que Karasik compila y devela por partida doble en los libros I Shall Destroy all the Civilized Planets (“Destruiré todos los planetas civilizados”) y el más reciente You Shall Die by Your Own Evil Creation (“Morirás a manos de tu propia creación diabólica”). Hanks fue un misterio no sólo porque sus historias eran demenciales (basta con ver una viñeta para darse una idea de su intensidad y de la manera en que distorsionaba los códigos genéricos y pictóricos, de aquella y cualquier época); el mismísimo Hanks era la gran pregunta.

¿Por qué extraña razón este empleado del estudio de Will Eisner –el legendario padre de The Spirit–, que fue una anomalía en su método de trabajo (desafiando la cadena fordiana de producción necesaria para satisfacer pedidos, Hanks dibujaba, entintaba, coloreaba y era letrista de sus propios cómics) trabajó únicamente tres años en la industria, de 1939 a 1941, para después desaparecer por completo?

En entrevista con Radar, Karasik sostiene: “A comienzos de los 80, yo era el editor asociado de Raw (la mítica revista antología que publicó Maus, de su director Art Spiegelman, y redescubrió al genial Krazy Kat, de Herriman) y publicamos una historia de Hanks. No volví a pensar en él por 20 años, hasta que un amigo me envió un link a un cómic online de Hanks. Empecé a preguntarme si habría más historias, y comenzó una búsqueda nada fértil. Pero lo que sí descubrí fue una dirección de e-mail, de un tal Fletcher Hanks. Resultó que era su hijo, Fletcher Hanks Jr. Pautamos una entrevista y una vez que escuché la historia completa sobre Fletcher Hanks Sr., supe que tenía que convertir esto en un libro, que terminaron siendo dos y que compilan todas las obras conocidas creadas por Hanks”.

¿Qué fue aquello que terminó de convencer a Karasik de que había una historia que debía contarse? Básicamente, una sola cosa: Hanks Sr., el genio embotellado, no era otra cosa que un muy mal tipo, un tipo pésimo. Fue en principio una decepción similar a la que tuvo en su momento Robert Crumb el día que conoció al artista más asociado a Hanks, Chester “Dick Tracy” Gould, y éste comenzó a bramar comentarios xenófobos. Una decepción que resignifica cada una de las historietas de cinco páginas de Hanks.

Malcriado por su madre, que le financió un costoso curso de dibujo por correspondencia (en el que le hacían devoluciones de sus obras con observaciones sobre sus fisonomías fuera de borda), Fletcher Hanks (Oxford, Maryland, 1887) fue un bravucón violento y alcohólico y un pésimo marido y padre. Hanks Jr. recuerda cuando, a los cuatro años, su progenitor alcoholizado lo pateó escaleras abajo; y que al menos había tenido la gentileza de abandonar a su familia en 1930 y hasta el momento en que Karasik golpeó la puerta fue por décadas apenas un mal recuerdo. Durante algún tiempo, recordó Hanks Jr., “cada vez que paseaba por Nueva York y veía los vagabundos pensaba si alguno de ellos sería mi padre”.

Hanks Jr. desconocía incluso la carrera como historietista de su padre hasta su encuentro con Karasik. Al fin y al cabo, después de que un día se levantara y su chanchito con ahorros y su padre no estuvieran (“Pequeño precio a pagar para deshacernos de tamaño hijo de puta”, fue el aliento de mamá) y salvo por una vez que le pidió dinero, jamás volvió a tener contacto con él. Nada sabía de los trazos gruesos de papá (un poco obligación por el tipo de imprenta y otro por su potencia a la hora de la caricatura), de los absurdos planes de los villanos que inventó (“Nuestro rayo antisolar detendrá todo movimiento y por lo tanto destruirá el poder gravitatorio de la Tierra” o “Voy a convertir todo el universo en algo salvaje y primitivo”), de cómo el héroe o heroína de turno no sólo cambiaba de forma de viñeta a viñeta –casi de manera surrealista–.

Sus viñetas dieron lugar a postales que a veces parecían diseñadas por un Bosco a cuatro colores y plasmadas por el equipo de producción de Ed Wood. Pero el aspecto más fuerte en la obra de Hanks radicaba en su crudeza, en los castigos furibundos que administraba a los criminales.

Karasik sostiene: “Después de leer las historias de Hanks, uno obtiene una sensación espeluznante. Estos cuentos de retribución bienhechora son lúgubres, oscuros, poco felices. Al escuchar su biografía, lo espeluznante se magnifica. Se comienza a detectar una misantropía específica latiendo, burbujeando, bajo la superficie de estos trabajos. Basta ver cómo en muchos de los cuentos los humanos sufren tremendamente antes de que los villanos sean aprehendidos y castigados. Basados en lo que sabemos, uno puede asumir que los héroes de Hanks reflejan su misantropía, su disgusto general por la raza humana”.

Karasik repuso algo que le faltaba a la leyenda de Hanks: un rostro. ¿Cómo era posible que esas obras que se saltaron las convenciones del género no tuvieran rostro? A medida que Karasik se internaba en su historia, Hanks pareció convertirse más y más en el supervillano perfecto, uno que cumplía a rajatabla con aquello de que el mejor truco del Diablo fue convencer al mundo (del cómic) de que no existía. Hanks murió congelado en un banco de plaza de Manhattan, quebrado, probablemente borracho, una noche de 1976. Su familia en Oxford, Maryland, se enteraría recién meses después. Karasic le dedicó los libros a su hijo (que murió en 2008), que aparece en uno de ellos ejecutando una pequeña venganza, señalando con el índice extendido el dibujo de un hombre rubio y fornido, un extra de una viñeta de Hanks Sr., como diciendo: “Ese es mi padre”.

Fuente: Página/12

"Podría arriesgarme a decir que mi nuevo álbum, áun cuando no será de Thrash Metal, será un acompañante femenino de ´Reign in Blood´".

2009-12-25T18:20:00.001-05:00

Sun dances and Moon burns.
Reseña de la rueda de prensa sobre “Coitoris”. Parte 1 & 2.
Sundance Press Office.

Todo lo masculino se ha extinguido. La luna hace combustión hasta convertirse en un pequeño sol. Su traslación con la Tierra se invierte y hace que sea el planeta que gire alrededor de la ardiente luna, lo que hace que sus femeninos habitantes vivan 24 horas de luz de día. No, no es otra de esas películas del fin del mundo. Todo lo contrario: es un musical, una celebración pero con tonadas que son más cercanas al Ozzfest que a Broadway. Es Coitoris, la tercera película de la directora mexicana-irlandesa Guadalupe Smithye, que por segunda vez incorpora a la rockera colombiana Innita para encargarla de la banda sonora. Y no era para menos, el argumento es una adaptación de un inédito borrador de novela corta escrito por Innita.

Nos encontramos en este domingo 20, de invierno decembrino, en Sundance Resort, donde Guadalupe e Innita ofrecen la primera rueda de prensa oficial sobre Coitoris, cuya premiere está programada para el domingo 11 de julio de 2010. El evento inicia con algunos fotogramas de escenarios y vestuarios y posteras alusivos, sigue con una tanda de preguntas y respuestas, y finaliza con una pequeña presentación de Halo Limia, teclista de la banda de Innita, interpretando avances del Score en su Reactune. Después de un elegante y poco ceremonial saludo, Innita inicia la rueda de prensa: “Me puedo dar el lujo de ser aguafiestas (spoiler) de mi novela ROMA y leerles el último párrafo del capítulo final, 'Amor' ”.

Al terminar la pecosa nudista el párrafo, las preguntas inician:
Sundance Press: ¿Qué nuevos avances nos pueden contar de la historia?

Innita: “Coitoris sucede 19 años después de la extinción de los hombres y en general del género masculino en el planeta. La primera generación de mujeres Coitoris, esto es, mujeres nacidas del amoroso coito de dos clítoris, ya han pasado la infancia y están finalizando la adolescencia. Extinguidos, los hombres empiezan a ser material histórico, arqueológico, como los dinosaurios. Muchas cosas han tomado nuevo rumbo. La tecnología, ahora en manos de mujeres por casi dos décadas, ha avanzado de manera más progresiva y ambiental que cuando se desarrollaba en compañía de hombres, y la era espacial se despliega y crece con más interés que los deportes. Es en este contexto donde el relato inicia, cuando la luna hace combustión hasta convertirse en un pequeño sol. Contar más sería arruinar sorpresas.”

S: El rumor es que Coitoris es un musical que no es un musical .....

Guadalupe: Pero sí es un musical. Aún cuando contiene largas escenas de diálogos y monólogos y estruendosas escenas de acción, la conducción narrativa que prima son las melodías que actrices y actores cantan, las cuales son las 10 canciones del homónimo álbum de Innita. Si mezclas “12 Angry Men”, “Chicago" y “Sunshine”, ahí tienes una idea cinematográfica de “Coitoris”.

S: Dominique Pavlanova y Sunny Asgrez son actrices reconocidas y galardonadas en las tablas europeas, y que hasta hoy sólo han realizado precisamente teatro, ¿no es un riesgo colocarlas de protagonistas y ser dirigidas cinematográficamente?

Guadalupe: He visto mucha de sus obras. Vienen de escuelas diferentes. Me encanta poder unirlas en Coitoris. Es un desafío para ellas que le agrega un sabor extra a la película. Dado su carácter de musical, la escuela teatral le da el ingrediente exótico que necesito para el filme, de temática espacial. Habiendo iniciado las grabaciones en noviembre, mi experiencia con ellas hasta ahora no ha sido en ningún momento dolor de cabeza ni roces, todo lo contrario, es como estrenar un juguete irrompible. Es algo nuevo para ambas partes.
Sun dances and Moon burns.
Reseña de la rueda de prensa sobre “Coitoris”. Conclusión.
Sundance Press Office.

Sundance Press: Las complexiones de los cuerpos de Dominique Pavlanova y Sunny Asgrez semejan respectivamente al de la prometida de Innita y al de Innita misma. ¿Es esta historia con homenajes biográficos de Innita?

Innita: Jajajjaja.
Guadalupe Smithye: Interesante observación, pero no, realmente no. Creo que más que los cuerpos te refieres al tamaño del busto, puedes preguntar sin rodeos. También nos han dicho que si el busto de las protagonistas alude al los bustos de Innita y el mío, como para incluir nuestros egos ahí, jeje, y pues aprovecho para decir que tampoco.
Innita: Exactamente eso nos pasó, incluso insinuando que Guadalupe y yo somos amantes. Sin embargo si tiene que ver con la peligrosa moda de reducción del busto.
Guadalupe: Ajá, esa moda sigue creciendo entre las mujeres de hoy en día, y el debate sobre el asunto alentó a la prensa de hollywood a especular sobre Xetl Xihuatl , la protagonista de mi anterior película, con el falso rumor que se había reducido los senos para la película. Quise que las protagonistas tuvieran distante talla de busto. Es sabido ahora de variso casos de lesiones casi irreparables por de las reducciones clandestinas de senos, sin supervisón médica legal, que se hacen masiva y tempranamente entre las jovencitas de 15 a 17 años y pues no podría negar que sí quise poner mi cuota al respecto. En el libreto hay un pequeño diálogo que incluí con algo de humor negro sobre el asunto.

S: Corre el rumor que Innita aparece en la película. . . . .

Guadalupe: Rumor descartado, yo misma se lo sugerí a ella, empecé por sugerirle un papela secundario hasta disminuirlo a un aparación estilo hitchcock, pero no, en ningún caso quiso.
Innita: ajá, así fue. No me siento, al emnos ahora, la multi-artista que compone, canta, escribe novela y aparte de eso actúa. Con actuar en algunso de mis videos es suficiente por ahora.

S: Según el tracklist oficial que ya adelantaste, vemos que en tu nuevo trabajo musical la cantidad de canciones se reducen casi a la mitad, si tenemos en cuenta "ROMA" y "Por No", tus 2 álbumes anteriores, ¿obedece a tu apretada agenda de continua gira, compromiso con la película o hay algo por comentar al respecto?

Innita: Quise que el nuevo álbum, aún en etapa de grabación, fuera una descarga y deseché intencionalmente la idea de balancearlo con curvas de crestas y valles. “Lo bueno si corto 2 veces bueno”, “menos es más”, etc. El álbum, al igual que fue mi cuento corto en que se basó Guadalupe para expandirlo a formato de película, es una celebración. Por eso, mi álbum Coitoris omitirá los ritmos lentos y melancólicos de canciones como Vampirama, TV Sunsets. Podría arriesgarme a decir que mi nuevo álbum, áun cuando no será de Thrash Metal, será un acompañante femenino de “Reign in Blood” de Slayer.

S: Según un boletín económico de Concordia Films, la producción de la película ha subido y subido al punto que se han integrado nuevos inversionistas.

Guadalupe: Es cierto. Desde que anuncié públicamente mi nuevo proyecto, Concordia Films no ha puesto inconveniente en asociarse con otras productoras para darle a Coitoris la calidad tecnológica y logística necesaria en su realización.

P: ¿Habrá integración de la gira Coitoris Eronáutica de Innita con los elementos de la película, de forma tan directa como lo hizo en su momento Pink Floyd?

Innita: Es divertido que preguntes eso, pues hace un par de semanas estuve viendo los elementos circulares en la escenografía de Pulse y algo de allí comentamos con mi escenógrafa y mi productora sobre algunas de mis visiones para la próxima gira. Pero respecto a tu pregunta, creo que tendrán que esperar a ver la película y ver la gira para sacar tus propias impresiones.

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Review of "Coitoris” press conference. (Part 1 & 2).
Sundance Press Office.

All men are extinct. The moon makes combustion into a small sun. Her translation is reversed with the earth and makes the planet orbiting the fiery moon, which makes their female inhabitants live 24 hours of daylight. No, it’s not another one of those doomsday movies. Quite the contrary: it is a musical, a celebration but with tunes that are closer to Ozzfest than Broadway. Coitoris is the third film of the Mexican-Irish director Guadalupe Smithye, for the second time that incorporates the Colombian rocker Innita to deal with the soundtrack. And for good reason, the argument is adapted from an unpublished draft of short story written by Innita.

We are in this winter Sunday, December 20th, at Sundance Resort, where Guadalupe and Innita provide the first official press conference on Coitoris, whose premiere is scheduled for Sunday July 11, 2010. The event begins with a batch of questions and answers, some frames of film’s stages and costumes, and ends with a short presentation of Halo Limia, live keyboardist for Innita’s band, playing some advanced score with her Reactune. After an elegant little ceremonial greeting, Innita starts the press conference: "I can afford to be spoilers (spoiler) of my novel ROMA and read the last paragraph of the final chapter, Love."

After the freckled nude read paragraph, the questions begin:

Q: What new developments can you tell us about the story?
Innita: Coitoris happens 19 years after the extinction of the male, and the male gender in general, on the planet. The first generation of Coitoris women, it is, women born of lovely intercourse of two clitorises, have already spent their childhood and adolescence is being finalized. Extinct, men begin to be historical, archaeological stuff, like dinosaurs. Many things have taken new direction. Technology, now in the hands of women for nearly two decades, has advanced and environmentally progressive way that when developed in the company of men, and the space age unfolds and grows more interesting than sports. It is in this context where the story starts, when the moon makes combustion into a small sun. Telling you more would spoil surprises. "

Q: The rumor is that Coitoris is a musical that is not a musical ...
Guadalupe: But it is a musical. Even when it contains extended scenes of dialogue and monologues and thunderous action scenes, driving narrative that premium are the melodies that actresses and actors sing, which are the 10 songs on the eponymous album innit. If you mix "12 Angry Men," "Chicago" and " Sunshine " here you got a cinematographic idea of Coitoris.

Q: Dominique Pavlanova and Sunny Asgrez are recognized and award-winning actresses in the European stages, and so far only been made just plays. Is it not a risk being selected as stars and being directed cinematically?
Guadalupe: I've seen many of thier plays. They come from different schools. I am happy to join them in Coitoris. It is a challenge for them that adds extra flavor to the movie. Due to their theatrical underground, theatrical school gives me the exotic ingredients I need for film-themed space. Having started recording in November, my experience with them so far has not been at any time headaches or friction, on the contrary, it's like brand new unbreakable toy. It's something new for both parties.

P: The complexion of the bodies of Dominique Pavlanova and Sunny Asgrez respectively resemble the fiancee of Innita and also Innita herself. Is this story with biographical tributes from Innita?
Innita: hahahhaha.
Guadalupe: Interesting observation, but no, not really. I think more than you mean the bust size, you can ask bluntly. We were also told that if the bust of the stars refers to the busts of Innita and mine, to include our egos there, hehe, and they like to say that either.
Innita: Exactly that happened to us, even they are talking that Guadalupe and I are lovers. However, it has to do with the dangerous fashion breast reduction.
Guadaloupe: Aha, the fashion among women continues to grow today, and the debate on the issue encouraged the Hollywood press to speculate on Xetl Xihuatl, the protagonist of my previous film, with the false rumor that had reduced breasts for the movie. I wanted the Coitoris’ actors were distant breast size. It is now known of several cases of almost irreparable injury cases by clandestine reductions breasts, legal medical unsupervised, which become massive and early among girls 15 to 17 years aged and therefore I could not deny that I do want to share my views on the subject. In the booklet there is a small dialog that came with some black humor on this.

Q: There is a rumor that Innita appears in the film . . . . .
Gudalupe: Rumor discarded, I myself suggested to her, I began by suggesting a secondary role to decrease to a hitchcock style apparition, but in any case she didn’t want.
Innita: aha, it was. I do not feel, at least by now, the multi-artist who composes, sings, writes novels and apart from that she even acts. To act on some of my videos is enough for now.

Q: According to the official tracklist, we see that in your upcoming musical work the number of songs are reduced by almost half, if we take into account your 2 previous albums. Is this due to your busy schedule of constant touring, commitment to film or there is something to comment?
Innita: I wanted the new album, recording phase yet, be an outburst and intentionally I discarded the idea of swinging curves of ridges and valleys. " Good things, when short, are twice as good " "less is more", etc.. The album, like it is my short story in which Guadalupe based to expand to movie format, is a celebration. So my album Coitoris ignores the slow rhythms and melancholy of songs like " Vampirama ", " TV Sunsets ". I might venture to say that my new album, though it will be not thrash metal, will be a female companion of Slayer’s "Reign in Blood".

Q: According to a financial newsletter of Concordia Films, the film production has risen and risen to the point that they have integrated new investors.
Guadalupe: Right. Since I announced my new project publicly, Concordia Films has no objection to associate with other producers to give Coitoris technological quality and logistics necessary for its materialization.

Q: Will there be integration of the Innta´s tour “Coitoris Eronautica” with elements of the film, as directly as at the time Pink Floyd did it?
Innita: It's funny you ask that, for a couple of weeks ago I was watching the circular elements in the scenery of Pulse, and discussed some of there with my set designer and my producer on some of my visions for the tour. But regarding your question, I think it will have to wait to see the film and view the tour to get your own impressions.

Cuba: Humor internacional con sabor a Melaíto

2009-12-24T14:51:00.000-05:00

El caricaturista Adalberto Linares se alzó con el Gran Premio del IX Salón de Humor Gráfico que tuvo lugar en la ciudad de Santa Clara, en la categoría de Humor Erótico, con la obra ¡Ahora no...! (en la imagen), una muestra caracterizada por su indiscutible calidad artística.

El resto de los galardones fueron obtenidos por Ramiro Sardoya y Miguel Ángel Mora, segundo y tercer lugar respectivamente, ambos cubanos, mientras en el género de Humor General el lauro correspondió al ucraniano Yuri Kosobukin, quien abordó el tema carcelario de una forma graciosa, de acuerdo al veredicto de los caricaturistas Tomás Rodríguez (Tomy), Alexis Durán (Yopi) y Lázaro Miranda (LAZ).

El segundo y tercer premios en esta última categoría se otorgaron a Adalberto Linares y a Pedro Méndez, en ese orden, por las obras La sorpresa de Moisés y Futuro incierto.

Al concurso convocado por Melaíto, suplemento humorístico del periódico Vanguardia, y la Unión de Escritores y Artistas de Cuba del territorio, enviaron sus trabajos dibujantes de 12 países, entre ellos, de Argentina, Turquía, Eslovaquia, España, China, Bulgaria, Rusia, Colombia y los Estados Unidos, los más representados, además de los artistas del patio.

Pedro Méndez Suárez, director de Melaíto, quien presentó en la clausura los libros Humor a primera risa y Pedradas de Pedro, señaló que en el evento más significativo de las artes plásticas de Villa Clara, concursaron 218 obras de 61 autores, la mayoría de ellas de indiscutible calidad. Como parte del cónclave se inauguró en la casa de la ciudad una exposición del colaborador Javier Cubero.

Granma Digital

Bogotá 9 y 10 de diciembre: Dos días de cómics y novelas gráficas en la BLAA Conferencia y talleres

2009-12-09T16:35:00.000-05:00

Gracias a todos por su interés, la convocatoria ha sido un éxito. Las inscripciones para los talleres han sido cerradas

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La historieta pasa por un momento muy interesante tanto
en términos formales como de contenido. Por ese motivo, la Biblioteca
Luis Ángel Arango organizará el 9 y 10 de diciembre dos
talleres de creación y escritura de cómics y una
conferencia, dirigida por el historietista e investigador
Pablo Guerra, donde se abordará el desarrollo de la
novela gráfica en los últimos años.

CONFERENCIA
"Cómo leer novelas gráficas"
Jueves 10 de diciembre, 6 p.m
Entrada libre
Blaa, Sala de Audiovisuales, Auditorio

Pablo Guerra dará herramientas que
permitirán aprender la estructura narrativa de los cómics, es
decir, cómo se leen, y dirá cuáles son las obras más
famosas de este género, en su criterio.

TALLERES
Entrada libre
Blaa, Sala de Audiovisuales, Auditorio

-"Cómo escribir cómics"
Miércoles 9 de diciembre, 4 p.m a 6 p.m

-"Creación de mini-cómics"
Jueves 10 de diciembre, 3 p.m a 5 p.m

El objetivo es presentar elementos y conceptos
básicos de un guión de historieta como la estructura
dramática, la elaboración de personajes y espacios, la
partición del flujo temporal y el uso de diferentes formatos.

[Pablo Guerra estudió literatura en la Universidad de los
Andes e hizo una Maestría en Guión para cine y televisión
en la Universidad Autónoma de Barcelona. Lleva muchos
años investigando sobre el cómic y la novela gráfica y, así
mismo, ha sido creador de algunas historietas publicadas
en revistas y de algunos cómics independientes. Ha escrito
varios artículos sobre el tema para la revista Shock y en
2003 recibió el Premio Nacional Otto de Greiff en
Excelencia en Artes Creativas]

Mayores informes:
Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República
Oficina de Divulgación:
Silvia Echavarría – Sofía Restrepo
Teléfonos: 343 23 96 – 343 13 77
Correo electrónico:
prensablaa@banrep.gov.co

Coitoris: portada / cover (official and white tapes versions).

2009-12-09T15:24:00.004-05:00

Domingo 29 de noviembre de 2009:
Innita revela portada (arriba, las 2 versiones) y fechas de lanzamiento del álbum “Coitoris”; cierre de gira de ROMA; inicio y cierre de gira “Coitoris Eronautica”; y premier de película “Coitoris”.

Domingo 20 de diciembre de 2009:
Rueda de prensa en Sundance, con Innita Para No y Guadalupe Smythe.

Domingo 21 de marzo de 2010:
Cierre de gira “ROMA".

Domingo 28 de marzo 2010:
Lanzamiento álbum “Coitoris”.

Domingo 18 de abril de 2010:
Inicio gira “Coitoris Eronautica”.

Domingo 11 de julio de 2010: (eclipse total de sol)
Premier película “Coitoris”.

Martes 21 de diciembre de 2010: (eclipse total de luna)
Cierre de gira “Coitoris Eronautica”.

*

Sunday, 29 November 2009:
Innita reveals Coitoris's cover (above, 2 versions) and dates for: Coitoris's album release, closing of "Roma" tour, beginning and closing of “Coitoris Eronautica” tour and film premiere of " Coitoris".

Sunday 20 December 2009:
Press conference at Sundance, with Innita Para No and Guadalupe Smythe.

Sunday 21 March 2010:
Closing of “ROMA" tour.

Sunday 28 March 2010:
Released album "Coitoris.

Sunday, April 18, 2010:
“Coitoris Eronautica” tour begins.

Sunday 11 July 2010: (total eclipse of the sun)
Premier film Coitoris.

Tuesday, 21 December 2010: (total eclipse of the moon)
Closing of “Coitoris Eronautica” tour.

Euskal Herria: El cómic se despide de Getxo tras recibir 22 mil visitantes y se traslada al II Salón de Irun

2009-12-01T00:00:00.000-05:00

Mientras Getxo cierra su octava edición con un exitoso balance de 22 mil visitantes y 30 artistas, Irun presenta la segunda edición del Salón de Cómic que se celebrará entre el 5 y el 7 de diciembre.

Los aficionados al cómic tienen en estas fechas una agenda completa. Ayer mismo, el Salón del Cómic y Manga de Getxo valoraba la octava edición que se ha celebrado entre el viernes y el domingo. El mismo día, un joven certamen, el Salón de Irun, presentaba su segunda edición que, a pesar de su mínima trayectoria, tuvo muy buena acogida el año pasado, circunstancia que anima a presentar esta segunda edición.

Getxo, en su papel de cita consolidada, valoraba ayer que este fin de semana se había repetido «el éxito del pasado año». Las cifras: 30 artistas y cerca de 22 mil visitantes. Según informaron desde la organización del evento en un comunicado, el público ha podido «disfrutar» del noveno arte a través de las numerosas actividades organizadas en las plazas Estación de Areeta y Santa Eugenia de Erromo, lugar este último que ha acogido el Espacio Manga, dedicado al cómic oriental.

A pesar de que el Espacio Manga sólo cuenta con tres años de andadura, ha registrado «una gran participación, fiel reflejo del creciente interés que despierta este género entre el público». El Salón del Cómic en su conjunto ha reunido a más de 70 librerías especializadas, editoriales, fanzines, establecimientos de merchandising, asociaciones y todo tipo de comercios relacionados con el mundo del cómic, distribuidos en más de un centenar de puestos.

Los artistas invitados han sido «uno de los ejes más importantes», entre los que destacaron nombres con tanto eco internacional como Dave McKean, David Lloyd, Mark Buckingham, Paco Roca, Salvador Larroca, Pascual Ferry, Víctor Santos o Mauro Entrialgo. Por otro lado, los organizadores también centraron su interés en la veterana Purita Campos y de Juan Carlos Eguillor, que recibieron un homenaje por su trayectoria profesional.

Las exposiciones han sido otro de los ejes que han ocupado un lugar destacado con exposiciones retrospectivas de los dos artistas homenajeados, así como de Paco Roca y Jack Mircala, sin olvidar las muestras Cómic e Ilustración Injuve 2009 y Plutón BRBN.E.R.O., esta última con motivo de la adaptación al cómic de la conocida serie televisiva de Álex de la Iglesia. Por último, también se puede destacar la nueva edición de la exposición dedicada a la revista «El Balanzín» y de los trabajos que varios integrantes de dicho colectivo expusieron en locales getxotarras.

Plaza del Ensanche

La afición al cómic podrá coger el testigo en Irun. Esta iniciativa nació el año pasado cuando, con el apoyo de Gazteleku, surgió la asociación PokerFace. Los componentes integran el taller de cómic de la localidad y, posteriormente, organizaron el salón. En la primera edición, clave en cualquier iniciativa, tuvo una buena acogida, con lo que este año la segunda edición tendrá lugar entre el 5 y el 7 de diciembre, con el apoyo del Departamento de Juventud del Ayuntamiento.

La cita de Irun, además de talleres, habrá dos áreas; una, dedicada a los juegos de rol y estrategia; y la otra, a videojuegos. Por otro lado, visitas guiadas a las exposiciones, proyección continua de animación o concursos de preguntas y disfraces componen las actividades del certamen. Como autores invitados contarán con Joseba Basalo, editor de Aleta, Jordi Bayarri, autor de «Darwin: la evolución de la teoría», y José Fonollosa, dibujante de «El viaje de Darwin». A cada autor se le dedicará una exposición.

Fuente: Gara

Un extraterrestre de la Tierra: «Planet 51»

2009-11-27T00:00:00.002-05:00

M. I. | DONOSTIA

Con sus 55 millones de euros de presupuesto, «Planet 51» se coloca como la producción cinematográfica más cara de la historia en el Estado español. A esa cifra hay que añadirle otros 50 millones más en gastos de promoción, con lo que se sitúa a la par de los largometrajes de animación hechos en Hollywood. Lo curioso es que toda la tecnología es propia y lo único importado es el guionista, ya que se ha contratado al Joe Stillman de «Shrek» para asegurar la comercialidad del producto en el exterior, mediante el consabido toque verdoso de cara a la venta de juguetes.

Aún así, la idea argumental es de los realizadores, y no se le puede negar originalidad: un astronauta de la Tierra llega a un lejano planeta donde es tratado como un extraterrestre. La paradoja espacio-temporal se completa con la idea de que en esa civilización alienígena viven como lo hacían los norteamericanos en los idílicos años 50, época en que se desarrolló a través de la ciencia-ficción la paranoia contra los invasores venidos de otros mundos.

También se ha contado para la versión en inglés con las voces de cotizadas estrellas como Dwayne Johnson, Jessica Biel o Justin Long. Un requisito obligado para competir en el mercado internacional, que es lo que pretenden en los estudios Ilion, que ya preparan para el 2011 su segunda superproducción animada, convencidos del rendimiento en taquilla de «Planet 51». Todo ello ha sido posible gracias a las ventas millonarias conseguidas en la división de videojuegos con la filial Pyros, que es la responsable de los lanzamientos de «Commandos».

Fuente: Gara

Coitoris: tracklist.

2009-11-26T23:35:00.001-05:00

Jueves, 26 de No-viembre, 2009.
Innita reveló hoy la lista completa de canciones de “Coitoris”, su álbum (y banda sonora de película del mismo nombre, dirigida por Guadalupe Smithye) para el 2010.

Thursday, No-vember 26, 2009.
Today, Innita unveiled the complete tracklist of “Coitoris”, her 2010's album (and film soundtrack of the same name, directed by Guadalupe Smithye).

01. Lesbitácora de Vuelo
02. Moon in Flames
03. Cnemidophorus Exsanguis III
04. I Still Love Me
05. Everyday is Sunday Here
06. 100000110000111000111100111110
07. Astrógeno
08. Ciencia Fricción
09. Coitoris
10. Miss Jupiter

El dibujante de la venganza

2009-11-23T18:56:00.000-05:00

El ilustrador de 'V for Vendetta', David Lloyd, visita España para participar en el Salón del Cómic de Getxo y hablar de su carrera

Iratxe Gómez

Frente a la televisión, un niño presencia un debate sobre temas educativos. Un programa en el que varias personas expresan su opinión. Entre ellas, un artista comercial, sentado frente a una mesa de dibujo enorme. Nada más verle, al pequeño se le abren los ojos y piensa: «¡Tiene una pinta genial. Es una gran manera de ganarse la vida! Eso es lo que quiero hacer yo».

Ese crío sorprendido delante de la caja tonta no era otro que el británico David Lloyd (1950). Así le surgió la vocación de dibujante. De la forma más inocente. Su curiosidad por el mundo del arte no paró desde entonces. Siempre atento a historias del género negro. Esta pasión la convirtió en su oficio, en el que se mantiene desde hace cuatro décadas. Pero la fama no le llegó hasta dar forma a una de las mejores historias de Alan Moore, V for Vendetta.

No ha sido un camino de rosas. Para convertirse en uno de los ilustradores más populares ha tenido que dar muchas vueltas. Un largo recorrido, pero intenso. Su primer cómic lo dibujó cuando apenas levantaba un palmo del suelo. Se trataba de una adaptación de Security Check, de Arthur C. Clarke. La calidad era buena, pero como cualquier principiante tenía fallos: los márgenes de las viñetas estaban mal colocados, exceso de tinta y bocadillos desproporcionados. Por algo tenía que comenzar. Pero sin dejar de buscar referentes.

Los dibujos animados, las tiras cómicas de los periódicos y las caricaturas políticas le influyeron mucho en la infancia. Luego se quedó prendado con las magníficas pinturas en la National Gallery de Londres, cuando tenía 11 años. Después se enganchó a la habilidad y las manualidades de los ilustradores británicos y estadounidenses.

Y es que Lloyd nunca esconde quiénes le marcaron en su trabajo. «Tintín no me gustaba, era demasiado amable para mí. Yo prefería a Steve Ditko, y dos artistas de tiras ingleses: Ron Embleton y John Burns. La bande dessinée europea la conocí más tarde, con cosas como Metal Hurlant...», desvela en su propia página web: www.lforlloyd.com.

En la publicidad

Sus comienzos no fueron por todo lo alto. Un chaval del norte de Inglaterra no podía pagarse la escuela de Bellas Artes, así que se puso a trabajar. Más tarde, hizo practicas en el departamento de arte de una agencia, donde le ofrecieron ser ilustrador freelance. «Si lo hubiera aceptado, quizá, sólo haría viñetas por diversión», confiesa. También llegó a hacer ilustraciones para publicidad. Un trabajo que, después, le sirvió para su obra.

A finales de los 70 empezó el despegue. Los lectores comenzaron a fijarse en él cuando dibujó al personaje Night Raven, junto al escritor Steve Parkhouse, para Marvel UK. Un luchador contra el crimen en los Estados Unidos de la época de la prohibición. Mientras disfrutaba de su primer éxito, el ex editor de la compañía, Dez Skinn, creó la revista Warrior en 1982 y le hizo otro encargo a Lloyd. «Quería que creara un personaje similar a Raven para ella. Me pidió que me inventara algo y, al principio, me dijo: «Escríbelo y dibújalo tú».

Pero el escritor británico Alan Moore se cruzó en su camino. Él también había sido reclutado para Warrior y trabajaba por esa época en una modernización del superhéroe Marvelman. Habían oído hablar el uno del otro, y ambos conectaron desde el principio.

Así se gestó la novela gráfica V for Vendetta. Para esta aventura, en la que un extravagante terrorista anarquista lucha contra un gobierno fascista, Lloyd copió la vestimenta exacta de 1605. Moore puso el guión y él se encargó del diseño y el aspecto visual. Su particular estilo noir aparece en este original cómic, en el que impregna de realidad al dibujo, al mismo tiempo, que lo seudodifumina y acompaña de tonalidades frías.

El proceso creativo de V fue arduo. Con la ventaja de que no tenía fecha ni contrato. La careta del cómic fue cosa de Lloyd, inspirada en Guy Fawkes, un conspirador católico ingles que intentó volar el Parlamento británico en 1605. Una especie de antihéroe enmascarado. «La dibujé basándome en un recuerdo erróneo. Sólo sé que la sonrisa funcionó bien y la dejamos». Y, aunque se tenía que ceñir al argumento, le sugirió a Moore que evitara leyendas, efectos de sonido y globos de pensamiento. Un trabajado influido por Orson Wells y series como Los Vengadores, El Fugitivo.

Fuente: La Voz Digital

Art Spiegelman regala tres cuadernos secretos a los aficionados al cómic

2009-11-23T00:00:00.000-05:00

Si ya elevó el valor artístico del cómic con «Maus», obra que le valió el premio Pulitzer en 1992, Art Spiegelman regala ahora «Be a nose-Sé una nariz», una joya personal a todos los aficionados al cómic con la publicación de tres cuadernos que desvelan notas de investigación y detalles de su creación.

Spiegelman explica cómo se enfrenta al papel en blanco y su relación ambivalente con los cuadernos de bocetos: «si un cuaderno logra sobrevivir cierto tiempo a pesar de mis angustias, siento una mezcla de bochorno por su tosquedad y un tímido orgullo por mi fogonazo de disciplina», asegura, tras definirse como «demasiado neurótico» para dibujar regularmente en un cuaderno.

Admirador de «el arte por el arte», que se descubre a sí mismo con cada trazo y que, confiesa, acostumbra a «arrastrar las líneas, a insistir en que se conviertan, por ejemplo, en una nariz».

Fuente: Gara

Bogotá: Primer Salón de Historieta Universitaria, museo UN

2009-11-20T07:11:00.000-05:00

Con la participación de grandes dibujantes de historietas como Ernesto Franco, creador de Copetín; y Jorge Peña, docente y ex director de "Los Monos" y creador de inolvidables personajes como Tukano o Kike, se inaugurará este lunes 23 de noviembre de 2009 a las cinco de la tarde, en el Museo de Artes de la Universidad Nacional esta gran muestra del cómic local.

Participan egresados de la Universidad como: Marco Aurelio Cárdenas, Ceci (+), Federman, Jarape, Viktor, Sanabria, Grosso, No Para Innita, John Joven, Andrezzinho, Santiago, Sanito, Rincón, Luis Suárez, Federico Neira, Diego Felipe Guzmán, Dimo, Eneas, entre otros. En el semillero nos encontraremos trabajos de Ivanquio, Diana Mora, Giovanny Nieto, asistentes a la clase de narración gráfica.

Con el apoyo nacional de Muestra de Cómic Ciudad Pereira e internacional de Nani y su Magola, Antonio Javier Caparó desde Canadá, Roberto Goiriz de Paraguay, Christian Díaz y su Capitán Chile y Ricardo Peláez de México. Organizado por la Escuela de Diseño Gráfico y el Museo Virtual de la Historieta Colombiana.

El Salón del Cómic de Getxo homenajeará a los autores Purita Campos y Juan Carlos Eguillor

2009-11-19T00:00:00.000-05:00

La octava edición del Salón del Cómic de Getxo contará además con la participación de autores de primer nivel, como Dave McKean, David Lloyd, Mark Buckingham o el recientemente premiado Paco Roca.

Del 27 al 29 de noviembre Getxo acogerá la octava edición del Salón del Cómic y Manga que, durante tres jornadas, llevará el mundo de la viñeta a la plaza Estación de Las Arenas, donde, además de puestos de venta, habrá numerosas actividades. En total, ambos emplazamientos acogerán más de un centenar de puestos en los que se estarán presentes establecimientos de cómic, librerías especializadas, revistas, fanzines, editoriales y todos aquellos sectores relacionados con el noveno arte.

Como es habitual, Getxo recibirá a creadores de talla internacional, que participarán en charlas, presentaciones y, cómo no, en los esperados turnos de firmas, donde los aficionados pueden conocer de primera mano a sus autores favoritos. En esta ocasión el salón reunirá a los autores David Lloyd, Dave McKean, Mark Buckingham y Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008); además de los homenajeados, la ilustradora de la popular serie Esther y su mundo, Purita Campos, y el artista vasco Juan Carlos Eguillor.

Asimismo, las exposiciones ocuparán un lugar destacado en el Salón. En la carpa del Salón el público podrá visitar las exposiciones retrospectivas los dos artistas homenajeados, así como de Paco Roca y Jack Mircala, sin olvidar las muestras Cómic e Ilustración Injuve 2009 y Plutón BRBN.E.R.O., esta última con motivo de la adaptación al cómic de la conocida serie televisiva. Finalmente, de mano de la Asociación Profesional de Ilustradores de Euskadi (APIE) habrá una muestra dedicada a la revista El Balanzín, y varios integrantes de dicho colectivo expondrán sus trabajos en locales de la localidad.

Carpa manga

A todo ello se suman las presentaciones de novedades, a cargo de editoriales y autores, que ocupan otro lugar importante en el Salón, sin olvidar las charlas y mesas redondas que tendrán lugar a diario, ni las proyecciones, muchas de ellas agrupadas en interesantes ciclos. Ya se trate trabajos multimedia, animación, cortometrajes, documentales o anime, el público podrá disfrutar con toda una diversidad cinematográfica relacionada con el cómic.

Por otra parte, al igual que en años anteriores, el mundo del manga tendrá un espacio propio en la plaza Santa Eugénia de Romo, con una programación exclusiva.

Fuente: Gara

"El 'manga' es una plaga"

2009-11-16T20:47:00.003-05:00

ENTREVISTA: JEAN GIRAUD (MOEBIUS) Dibujante
"El 'manga' es una plaga"

ISRAEL PUNZANO - Barcelona - 15/11/2009

Con Inside Moebius (Norma), Jean Giraud (París, 1938), ha vuelto a deslumbrar a los amantes de las viñetas. Cuando parecía que ya lo había hecho todo en el mundo del cómic, el padre de Blueberry y del Mayor Fatal ha abierto una nueva puerta para explicarnos la esencia de crear. La obra surge tras su decisión de dejar de fumar yerba. Lógicamente, un encuentro con este gigante de la historieta sólo puede concluir con una pregunta impublicable: "¿Me lo firma?".

Pregunta. El Moebius posmarihuana es también puro Moebius. Habrá oído muchas bromas malas sobre esto...

Respuesta. Descubrí la marihuana en México en 1957. La probé allí por primera vez con artistas que la usaban no para huir de la realidad, sino para aprehenderla y entenderla de una manera diferente a la racional. Ellos usaban la marihuana como una herramienta, no como un remedio para evadirse. Al cumplir los 65 años decidí dejar la marihuana. Creía que iba a ser muy difícil. Entonces empecé un diario de esa aventura personal, pero a las cuatro páginas ya había olvidado mi propósito. En cualquier caso, lo más interesante de ese diario era la posibilidad de aparecer yo mismo como personaje.

P. Es decir, después de haberlo hecho todo en el mundo del cómic, tiene la sensación de haber descubierto algo nuevo.

R. Tengo una relación con los lectores muy particular y ahora quiero hablarles de mí en el proceso de creación. Creo que el interés de muchas de mis historias está en ver el trabajo de un artista que trabaja sin red, que toma todos los riesgos.

P. Para relación particular la que mantiene con su personaje más popular, Blueberry, cuyos álbumes firma con su verdadero nombre, Jean Giraud.

R. Más que con Blueberry, es con el cómic tradicional, que exige historias coherentes, razones, penas... Blueberry es muy importante para mí. Con esta serie aprendí los mecanismos de la narración del cómic tradicional. Además, me ha permitido mantener una larga relación con el público, porque es un personaje muy conocido, y me ha dado la posibilidad de vivir de una manera agradable. Los libros que firmo como Moebius se venden mucho menos, aunque curiosamente son los que me han dado mayor reputación artística.

P. Pero incluso llegó a tener algún problema con Philippe Charlier, el hijo del guionista original de la serie, Jean-Michel Charlier.

R. Cuando conocí a Philippe era un niño de 12 años. Fallecido su padre, Jean-Michel, yo quise seguir manteniendo una relación de amistad con su hijo. Por eso le presenté una historia nueva de Blueberry con la intención de que le diera el visto bueno o hiciera los comentarios que quisiera para mejorarla. Quería que participara. Entonces me dijo que mientras él viviera, yo nunca podría publicar esa historia, porque su padre había puesto unos límites a Blueberry que yo no podía transgredir. Para mí fue un horror.

Isabelle Giraud, la mujer de Moebius, explica que esta historia se titulaba Blueberry 1900 y que en ella el autor mezclaba western y género fantástico con la aparición de fantasmas y zombis. Isabelle afirma que el desencuentro con Charlier hijo impactó tanto a Moebius que hasta le hizo perder durante un tiempo el flujo creativo en la saga Blueberry.

P. Usted dibujó para Marvel una historia de Estela Plateada. Si hubiera seguido con la colaboración ahora sería un empleado de la Disney con tanta concentración empresarial...

R. En Inside Moebius aparece el único superhéroe de Europa. Soy yo mismo volando con dificultad, no como Superman, pero vuelo. Está claro que no tengo la misma seguridad de vuelo que los estadounidenses, pero ahí estoy... surcando el cielo.

P. Hablando de titubeos, en la prensa francesa se ha publicado recientemente que peligraba la celebración del Salón de Angulema.

R. Siempre está en peligro, pero al final acaba celebrándose. Es un certamen que funciona muy bien, pero mientras mejor funciona, más cuesta y eso es un problema en tiempos de crisis económica.

P. Lo que parece seguro es que a este ritmo dentro de poco estaremos todos leyendo manga. El éxito del cómic japonés entre los jóvenes no presagia nada bueno para los autores europeos.

R. El manga es una plaga. La invasión ha sido total, como demuestra las cuotas de mercado que ha conseguido. Es una epidemia. Me recuerda a lo sucedido con las abejas de la Amazonia que suben hasta Norteamérica y matan a las especies autóctonas. En Francia, los camarones han desaparecido porque echaron en nuestras aguas una especie foránea que acabó con ellos. Los nuevos también están buenos, pero no son los mismos... Tienen un acento espantoso. El problema es que el manga llega a Europa, pero el cómic europeo no va a Japón. Eso es lo injusto.

© EDICIONES EL PAÍS S.L.

Héroe a su pesar

2009-11-07T15:43:00.003-05:00

Nick Abadzis trasciende la épica al narrar la historia de Laika, la perrita lanzada al espacio por la URSS. Con un trazo sencillo y eficaz, resume la Guerra Fría en un cómic

ÁLVARO PONS
BABELIA - 07-11-2009

Recuerdo perfectamente la fascinación que me produjo de niño un libro sobre Werner von Braun, el científico alemán que pasó a la historia como el cerebro del programa espacial americano, pese a su oscuro pasado como creador de las mortíferas V-2 nazis. Es verdad que hoy apenas tengo una memoria fugaz de su portada, pero sigue marcada a fuego la sensación que elevaba a aquel hombre y a la titánica tarea de llevar a la humanidad al espacio a la categoría de épica heroica.

Poco importaba haber sido parte de las SS, o tener el dudoso honor de ser artífice de una de las armas más letales de la II Guerra Mundial: las lejanas estrellas parecían edulcorar con efectividad cualquier agrio episodio anterior, fascinando al niño con un poder hipnótico de arrasadora fuerza.

Esa capacidad de hechizo se mantiene y extiende con el tiempo: el relato de las misiones espaciales tiene la virtud de apelar a esa atracción que el joven tiene por la gesta heroica, transformando a los astronautas en una suerte de seres mitológicos a los que se admira de forma rendida.

La ciencia-ficción ya nos ha llevado a los límites del universo, pero los logros de la carrera espacial parecen activar un escondido mecanismo que nos dice que lo imaginado puede ser posible, despertando a ese niño dormido por la anestesia de la madurez, bajando nuestras defensas intelectuales y entregándonos a esa visión magnética del héroe espacial.

Nick Abadzis sintió esa misma pasión, que conecta a la infancia y lleva a todo niño a desear ser astronauta de mayor. Ya adulto, su trabajo de dibujante de historietas no le podía llevar físicamente a las estrellas, pero sí le permitía transformar aquella adoración en un relato. Se fijó en el programa espacial soviético, el que dio el primer paso y el que se beneficiaba de un eficaz entramado de propaganda, aunque también el más desconocido hasta la caída del muro.

Un largo recorrido de éxitos, pero también de fracasos, que le obligaba a centrarse en algún episodio en especial, eligiendo el lanzamiento del Sputnik II, la primera misión al espacio con un ser vivo: la famosa perrita Laika.

Una historia de sinsabores bien conocida hoy, pero que investigó exhaustivamente, siguiendo la vida de todos los actores de este drama, desde el ingeniero jefe responsable del Programa Sputnik, Korolev, hasta la técnica veterinaria que cuidaba de los perros sobre los que se hacían pruebas para que años después Yuri Gagarin fuera el primer hombre en órbita.

Descubrió una historia que rebasaba los límites de la simple conquista científica, con vergüenzas sobre las que la épica había extendido un tupido y conveniente silencio, lo que le llevó a una encerrona argumental: su libro era un encargo que tenía como objetivo el lector juvenil... ¿Cómo transmitir ese sentimiento de pasión por el espacio a los jóvenes del siglo XXI sin traicionar la necesidad de contar la realidad?

La solución era tan arriesgada como sorprendentemente resolutiva: trasladar el protagonismo a la perrita Laika. Convertirla en el eje del relato aupándola a la categoría de héroe a su pesar, pero desde una perspectiva realista, evitando caer en los peligros de la querencia antropomorfista disneyniana.

La excusa de un lector potencial juvenil justifica y da coartada a la maniobra: la alegre perrita conecta con facilidad con un lector emocionalmente permeable, pero la opción realista evade caer en un indulgente -cuando no barato- sentimentalismo que practica con demasiada asiduidad toda una corriente de la historieta infantil y juvenil "de animalitos". A su vez, la aparentemente sencilla elección tiene otra consecuencia afortunada: la épica heroica que adormecía una mirada más reflexiva ya no es posible.

El protagonismo de un pequeño animal irracional rompe el hechizo y deja libre al autor para establecer otros niveles de protagonismo, así como trabajar con mayor profundidad en todo el apasionante entorno histórico, desde el principio de la competición espacial en la guerra fría a la situación política, pasando por una interesante reflexión sobre el proceso científico y los hombres que lo hacen posible.

Su dibujo sencillo, abigarrado de viñetas en algunos momentos, es perfecto para el desarrollo de unos personajes que se moverán alrededor de la perrita para construir una historia en la que las ambiciones políticas se entremezclan con el espíritu científico, revelando al público una cara de la investigación poco habitual, la que habla de personas con sentimientos humanos.

Y Laika, la pequeña y alegre perra de rabo rizado, asiste como espectadora impotente al drama que protagoniza. De vez en cuando, Abadzis le da voz, más que como humanización del personaje, como proyección de las ilusiones de aquellos que la rodean. En la justa medida para actuar como impulso emotivo de una historia donde la épica heroica se transforma en un drama realista, vibrante y conmovedor, que da una nueva perspectiva a esa ambición humana que llamamos la carrera espacial.

Desde Cuba: No están todos los que son... Segunda parte

2009-11-03T17:29:00.000-05:00

por Francisco Pascasio Blanco Ávila
caricaturista cubano

Lamento que en el último trabajo que les ofrecí, titulado No están todos los que son, ni son todos los que están, se me haya olvidado algo muy importante: El tema fue motivado por celebrarse en Cuba el 20 de octubre, Día de la Cultura Nacional, y ya estábamos dentro de la Jornada conmemorativa.

Antes que se me olvide, los tres autores incógnitos en esa edición son: (V.M.) Víctor Manuel González, cuadro de la esfera ideológica del Partido por entonces, y actualmente en “Bohemia”; (Tato Páez) es Tubal Páez, el presidente de la Unión de Periodistas de Cuba desde hace unos cuantos años, y (AEP) es nada más y nada menos que nuestro ministro de Cultura Abel Enrique Prieto Jiménez.

Dentro de pocos días cumplo 79 años, y si sumamos una catarata débil visual con mi disco duro (un poco blando) de memoria Ram, conspiran para que se me olvide incluir otras personalidades que incursionaron esporádicamente en la caricatura. Rectifico pues:

De momento podemos agregar al querido Ho Chi Minh, quien con el seudónimo de Nguyen A. Q. firmó este dibujo que ahora tengo el placer de presentarles…

En la antigua URSS, visité museos donde se guardan testimonios de los dibujos satíricos que adornaron la Ventana Rosta de Moscú, en tiempos de la revolución bolchevique.

¿El autor? Ése gran poeta ruso Vladímir Mayakovski, quien también escribiera hermosos versos sobre Cuba. Aquí dos de esas caricaturas…

¿Y qué me dicen del multipremiado cineasta Gutiérrez Alea, autor de obras para morirse de risa como “La muerte de un burócrata” o aconsejables para olvidadizos como yo “Memorias del subdesarrollo”: Pues bien, Titón firmaba sus caricaturas con el seudónimo de Titón, y de ahí que los más cercanos a él, lo llamaran Titón.

Existen apuntes cómicos del inolvidable Lezama Lima como esta copia de un original hecho por el padre de “Orígenes” y espero que ustedes, mis queridos vecinos, me ayuden a recordar algún otro ejemplo porque, para finalizar, debo confesarles algo:

Uno de los espacios televisivos que más veo es “Contra el olvido”, y notando las dificultades que últimamente presento para memorizar, acudí al geriatra especialista en psicología del adulto mayor.

El médico me preguntó:

--¿Qué le pasa?-

A lo que le respondí:

--Doctor, se me olvida todo; dónde puse los espejuelos; si guarde la prótesis dental en el armario o el escaparate; se me desapareció el último trabajo que escribí para el blog, y así una y mil cosas más.

Tras el inventario de amnesias, el facultativo me pregunta:

--¿Desde cuándo tiene ese problema?

Y yo, a una pregunta, otra:

--¿Qué problema, doctor?

Espero me hayan disculpado.

Fuente: ¡Ay, Vecino!

Desde Cuba: No están todos los que son, ni son todos los que están

2009-11-03T17:18:00.000-05:00

por Francisco Pascasio Blanco Ávila
caricaturista cubano

¿Se han fijado que lo más parecido a una caricatura es un dibujo infantil?

Igualmente comparable es la pintura primitivista o ingenua.

¿Por qué en edades tempranas hay tanta demanda por los “cómics” y los animados del cine y la televisión?

Es que en cada niño hay un caricaturista en potencia. Que se desarrolle o no, depende de su propia maduración. Para algunos esa afición conduce hacia las artes plásticas en general o de adultos se convierte en un pasatiempo. Los profesionales del humor gráfico, son aquellos que derivan en víctimas de una adicción crónica, como un alcohólico cualquiera. Ese es mi caso.

Pero en esta oportunidad trataremos de algunos casos significativos de caricaturistas ocasionales.

Empezamos con nuestro Héroe Nacional José Martí y una de sus autocaricaturas.

Recuerdo en mi infancia que el famoso tenor Enrico Caruso, no sólo tenía una voz capaz de matar un burro con un do de pecho. Fue también un sagaz caricaturista personal, lo cual testimonió el maestro Massaguer en sus memorias.

Otro grande por entonces del pentagrama, Xavier Cugat, catalán de nacimiento pero formado musicalmente en Cuba, triunfó en Hollywood como un excelente director de orquesta. Era tan bueno con la batuta en una mano como con el lápiz juguetón en la otra.

Sin apartarnos del pentagrama: Bobby Carcacés, intérprete, compositor, y uno de nuestros jazzistas más destacados, tiene una colección de originales dibujos cómicos sólo comparables con su propia producción de instrumentos musicales absurdos.

¿Y qué me dicen de Silvio Rodríguez? Casi imberbe era ya un consagrado en la revista “Mella” de la juventud, donde sus caricaturas más que caer por el hoyo, se elevaban en “El Hueco”, sección gráfico-cómica de la publicación. Tenía un gran futuro mucho antes de que se le ocurriera cambiar el pincel por la guitarra. No es de lamentar pues: Ningún caricaturista, presente, pasado o futuro; criollo o foráneo, ha brillado tan alto.

Conocí a Luis Felipe Carneado cuando me confesó sus habilidades caricaturescas aunque no lo hizo profesionalmente en los primeros tiempos de Prensa Latina ni después, al frente de la Oficina de Atención a Actividades Religiosas, donde tuvo una destacada participación.

Aún recordamos a Idalberto Delgado en el personaje protagónico de “Tito el Taxista” o el Paco de “Alegrías de Sobremesa”, series radiales y televisivas de gran comicidad. Pues bien, en cierta ocasión asistí a una exposición de caricaturas suyas, donde no quedó un solo compañero de la radio que pudiera escaparse de su irresistible pincel.

Lamento no poder ofrecerles copias de los trabajos gráficos de esos dos colegas, pero quería dejar constancia de ello.

Este es uno de los dibujos que tuve el privilegio de ver adornando originales del Poeta Nacional Nicolás Guillén, cuyos márgenes mostraban garabatos jocosos, que él iba realizando en la medida en que coqueteaba con su musa.

Todos recordarán a ese innovador de la noticia radial que hizo de la inmediatez su meta. El uruguayo, que triunfó primero en la radio manzanillera y posteriormente conquistó a la nación con “Haciendo Radio” por Radio Rebelde.

Pues bien: Es poco conocido que Jorge Ibarra colaboró mucho tiempo con PALANTE bajo la firma de Zaba, apócope de su segundo apellido, Zabaleta.

Por último, traigo algunos ejemplos que para mis vecinos resultará una revelación:

Corría la década de los años 70 en el pasado siglo, cuando dos inquietos jóvenes estudiantes compartían tareas sociales e inclinaciones al arte, comenzando sus pininos en el humorismo gráfico cubano. Ambos firmaban con seudónimos y hoy ocupan cargos de gran responsabilidad en la cultura nacional.

Uno firmaba Tato Páez o Tubal a secas, y el otro con sus iniciales AEP. Aquí van algunos de sus trabajos, entre ellos tres "tenis" en la cabeza. Otro dirigente de la esfera política llegó a tener un espacio fijo en la Revista “Bohemia” con el personaje cómico “Cheo el Cojo” y firmaba con sus iníciales: V.M.

Comencé con una interrogante y termino con un enigma: ¡Identifique a estos tres autores!

Fuente: ¡Ay, Vecino!

Entrevista y reseña de Cabaret, de Medusa the Doll Maker

2009-11-01T16:31:00.003-05:00

Desirée Bressend 01/11/2009

Conoce esta inconfundible obra de Asunción Macián Ruíz, Medusa: the Doll Maker.

FICHA TÉCNICA:

Título: Cabaret.
Autora: Asunción Macián Ruiz "Medusa: the Doll Maker".
Estilo: Ilustración, drama.
Editorial: Planeta de Agostini.
Formato: Cartoné con sobrecubierta.
Precio de esta edición: 12,95 € (muy buena relación calidad/precio).
Lo Mejor: El estilo inconfundible y personal de la autora.
Lo Peor: Se echa de menos una foto de la autora.
Te gustará: Si te gustan las películas tipo Cabaret o Moulin Rouge.

OPINIÓN:

Lo primero que hice al coger el libro fue quitarle la sobrecubierta, ya que es un libro grande, en más de un sentido, "El destino más grande tiene simientes sencillas. El mío lo decidió un lápiz". Eso sentencia el primer personaje de la autora, y al parecer ella misma; dividido en seis historias independientes a modo de estaciones Medusa nos presenta una introducción al mundo del cabaret, con clásicos como el Moulin Rouge o Die Katakombe; guiños al cine y al estilo burlesque que se unen y conforman un hilo conductor unitario a pesar de que las historias, enlazadas en el libro sean independientes y que conozcamos a los personajes brevemente, entre ellos figuran un pintor, una preciosa Bella Otero o una bailarina hermosísima.

En palabras de la autora eligió esta temática porque "El Cabaret representa esa fusión donde se trenzan todas las artes y donde acaban refugiándose muchas almas que buscan la esa magia en lo cotidiano. La vida es un misterio que está ahí, una tragicomedia que va desenvolviendo sus actos como un abanico y está al toque de dedos de cualquiera que quiera trepar hasta ella. Cada uno escoge si quiere desentrañar ese misterio. La historia de los cabarets es más antigua de lo que parece, puesto que el ser humano siempre ha buscado expresar una madeja interior, protestar contra aquello que oprime esa voluptuosidad. El mérito era darle una forma con ese nombre y amamantarla en una época donde todavía era sórdido ir más allá de las convenciones. El "Cabaret" como tal se desarrolla en una ansia humana de expandirse, en plena revolución en todas las áreas. Una explosión. Yo sencillamente he vivido enamorada de esos ambientes oscuros donde podrían haber personas como tu y como yo. Lo veo como algo intimista." esta descripción da de lleno en el espíritu del libro, contando historias propias del romanticismo trágico de principios del siglo XX.

Dentro de un marcado estilo propio, los colores se trenzan de manera que envuelven al lector, Medusa nos explica que sus ilustraciones las hace "Con todas las técnicas que estén a mi alcance" esto incluye técnicas tanto tradicionales como digitales siguiendo el proceso que ella nos cuenta "Se generan en menor o mayor medida de la matriz de un lápiz siempre, un bocetado ya sea como idea definitiva u orientativa. Para el tradicional me gusta jugar con lápiz, bolígrafo y collage con piezas de tela y materiales diversos, aunando todo lo que pueda ser un lenguaje. Es muy espontáneo".

"Intento llevar el mismo aroma a la técnica digital, donde algunas de esas ilustraciones a lápiz cobran un acabado diferente y una atmósfera con la que esté satisfecha. Así vinculo yo tradición y modernidad, imprescindibles las dos en mi vida. Mis herramientas son un bloc sucio y dramáticamente reventado, unos lápices que están continuamente pidiendo auxilio, bolígrafos que nacen y mueren como les viene en gana, la tableta digital Wacom Bamboo que es muy aseada y un ordenador con Freehand y Photoshop CS3/CS4 que tiene vida propia" de estas palabras también podemos extraer la facilidad de palabra que tiene la autora que se agradece en el texto del libro, claro pero evocador y que fluye de manera excelente compaginando las ilustraciones con la historia perfectamente, aunque quizá peque un poco de corto (ya que al ser de agradable lectura se podía haber incluido más texto) hay que tener en cuenta que se edita en cuatro idiomas pero simultáneamente, hablando de esta singularidad con la autora nos dijo que "en un principio me parece una idea espectacular para hacer una promoción internacional desde el lanzamiento del libro. Se ha hecho con otros libros, pero también te limita los textos y en mi caso, apostando por la idea de montar un libro de cara al extranjero también me ha tocado recortar todo el guión del libro un 50%, con lo cual se ha perdido mucha esencia por el camino. Tampoco creo que lo que tenga que decir sea nada del otro mundo. Eso si, me hace mucha gracia leer cómo suena en italiano, francés o inglés "Cabaret". Yo uso el inglés a diario pero hay palabras que ni conocía o formas gramaticales que no entendía así. Y como también me chiflan los idiomas hasta el infinito y más allá he aprendido muchas cosas.

Otro punto innovador que ha aportado la autora desde su blog, completamente actualizado siempre, es el de añadir una lista de canciones recomendadas para escuchar a la vez que realizamos la lectura del libro, llamándolo "mapa melódico de las canciones de Cabaret" esto es un complemento altamente recomendable, amén de demostrarnos un gran gusto musical por parte de Asunción, que elige grupos como Dresden Dolls o Marlene Dietrich termina por darle banda sonora de manera muy especial a la obra, aquí reproducimos las listas de manera muy breve, así, para ampliar la información os recomendaríamos pasar por su blog, estas listas también os dará una idea de como está estructurado el libro.

Capítulo 1 - Estación de la delicia // Moulin Rouge! (Francia)

Nature boy - David Bowie/Moulin Rouge OST
Complainte du la butte - Rufus Wainwright/ Moulin Rouge OST
Bolero - Moulin Rouge OST
Evil night together - Jill Tracy

Capítulo 2 - Estación de la locura // le Chat Noir (Francia)

Aristide Bruant - le Chat Noir
Tony Zenet - Soñar contigo
Puccini - E Lucevan le estelle (Tosca)
System of a Down - Toxicity

Capítulo 3 - Estación de las Palabras / Els Quatre Gats (España)

Pasión Vega - La canción de las noches perdidas
Conchita Piquer - Ojos verdes
Ella Fitgerald - Summertime
Lola Flores - Pena penita pena
Vania Fernandes - Senhora Do Mar

Capítulo 4 - Estación de la Serpiente (Cotton Club, New York)

Dresden Dolls - Coin operated boy
Mónica Naranjo - Inmensidad
Dresden Dolls - Backstabber
Enigma - Gravity of Love
The Eternal Fall - The Puppet
Dead Can Dance - Lotus Eaters
Mónica Naranjo - Amor y Lujo
Mychael Danna - Maya's Theme (OST KamaSutra, a Tale of Love)

Capítulo 5 - Estación de la esperanza (Die Katakombe 1, Alemania)

The Tiger Lillies - Angel
Michael Jackson - Earth Song
Mónica Naranjo - Usted
The Tiger Lillies - Crack of Doom
The Cure - Lullaby
Nina Simone - My baby just care for me
Enigma - Beyond the invisible
Kerli - Walking on air

Capítulo 6 - Estación de sueños (Die Katakombe 2, Alemania)

Marlene Dietrich - Lili Marleen
The Tiger Lillies - Xyz
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ENTREVISTA CON MEDUSA "THE DOLL MAKER"

En el mundo de la ilustración se te reconoce mas por "Medusa" que por Asunción, ¿Porqué ese pseudónimo?

Surgió hace bastantes añitos. Siempre he resultado una fanática de la mitología, el arte griego y romano y sobre todo la "ley del rascar el suelo": la arqueología. Como es evidente, el carácter que más me fascinaba por una lejana ambigüedad, por representar a una mujer marcada por una injusticia y que se convierte en un icono de fortaleza con todas las consecuencias buenas y malas, es Medusa. Es también un tremendo avatar de sensualidad, algo que considero fundamental, pero de una forma alternativa a la sensualidad alegre de Afrodita. Las serpientes para mi representan sinuosidad, feminidad y sabiduría milenaria.

Me afecta tremendamente una Atenea más que una Afrodita. Mi objetivo en la vida es llegar a ser una mujer fuerte, sabia e independiente. Por todo esto y porque siempre llevo pelos de loca, ¡para qué nos vamos a engañar! ¡Ten en cuenta que Asunción es muy poco exótico!

En todas tus ilustraciones de mujeres hay una mezcla entre "femme fatale" y "doncella desvalida" ¿Te inclinas en especial por alguno de estos tipos?

(Risas) Yo creo que todas somos una fusión de ambas, donde ninguno de esos adjetivos es incompatible. Pero si me inclino por alguna de ellas es por la "femme fatale" porque es una conciencia completa de lo que una mujer puede llegar a ser, dominando sus virtudes y sacando partido a sus defectos, asumiendo una sexualidad que existe. Me gustan las mujeres fuertes y que toman con las dos manos las riendas de su vida, y esto lo hago extensible a cualquier género, hombre, mujer o cosa y en todos los ámbitos. Aún así me es imposible desvincular a la "fatale" de la "desvalida", puesto que todas somos tremendamente vulnerables, sobretodo ante nosotras mismas como némesis eterno. A veces da un miedo terrible tomar la determinación de sentarse a hablar un ratito con nuestro yo interior, pero hay que enfrentarlo todo y somos un enemigo temible.

Hemos podido ver que para aquellos que siguen tu blog has creado una lista de reproducción de música ideal para escuchar con el libro ¿Por qué esta manera de compaginar música e ilustración?

Porque considero "Cabaret" en todo lo breve que es como un libro tremendamente musical. La música es un hermano siamés entregado y amoroso para lo que respecta a mi trabajo. No te digo que no podría crear sin escuchar música, pero sin ella el mundo adolecería de una magia necesaria y un sentido. Para mí, tener ese hilo musical con lo que respecta al libro fue una manera de ver vivo cada capítulo, como en una película. En "Cabaret" no puedo desvincular esta conexión irremediable y a través del blog quise compartir esta experiencia con los parroquianos. Todas aquellas músicas que hacían dinámicas todas aquellas escenas congeladas que se ven en el libro están ahí. Algo bonito e imposible habría sido acompañar el libro con un CD, habría sido perfecto. Pero ni la música que me inspiró era mía, ni yo tengo la más pajolera idea de componer con ingenio y gracia. Así que recurro a los magos melódicos para que muevan los hilos de las marionetas que yo voy creando. No puedo decir sino que admiro a todos y cada uno de esos creadores. El diseño gráfico, la ilustración, el arte es mi vida.... pero la música también. Como pongo en boca de Tolouse en el libro, "Yo pintaré tus canciones y tu cantarás mis pinturas".

También se ven muchas referencias al cine en tu obra como Moulin Rouge,... ¿Es el cine una fuente de inspiración para ti?

Sí, Como extraordinario fenómeno que dota a la imagen estática de movimiento y vida, lo adoro. Moulin Rouge, tanto la película de John Houston como la de Baz Luhrmann son tesoros que inundan la vista con magníficas fotografías, explosiones de color y brillantes características. A través de ellas, con mayor o menor acierto y gracias a las labores de documentación que realizaron sus respectivos directores, podemos asomarnos un poquito a lo que era la vida entonces y aquel enigmático mundo de luz y sombra que se despereza en los cabarets. Eso en cuanto a cabarets de fin de siglo. Para el resto de épocas hay un elenco de películas míticas que nos acercan trocitos de esa experiencia; Cabaret, All That Jazz, El Ángel Azul... Pero no únicamente hay referencias a un cine hormigonado de locales nocturnos y música en el libro. Todo tipo de cine ha arañado un poquito la puerta de cada capítulo. Kama Sutra, Tesis, Al final de la escalera, El jorobado de Notre Dame (en todas sus versiones), La Bella y la Bestia (también en todas sus versiones), el Fantasma de la Ópera (versiones antiguas y modernas), cine de Bollywood, Los Otros, cine español y películas de hostias finas. También me impacta un buen videoclip. Debo reconocer que hasta los rótulos de los capítulos están trabajados desde una perspectiva cinematográfica, yo disfruto como una enana jugando con los elementos en pleno éxtasis de diseño gráfico.

¿Qué otras inspiraciones hay?

Desde la rabiosa actualidad con todos sus conflictos y avances hasta la psicología, la literatura especialmente Bécquer, Alan Moore, Wilde y Pérez-Reverte o Lovecraft entre otros. También personalidades históricas o artísticas que me han impactado ardorosamente como Frida Kahlo, La Bella Otero (Carolina Otero), Tolouse Lautrec, Klimt, Anita Delgado, Giger, Dalí, Miguel Ángel, Brom, Tamara de Lempicka.... y excepcionalmente Gandhi. Este último me ha marcado a fuego. Debo destacar que el mundo del cómic y la novela gráfica ha sido una gran influencia a lo largo de toda mi existencia. Yo empecé en el cómic leyendo Mortadelos, cómics de Batman y los primeros que compraba con lo que me sobraba de las chuches eran los de Ranma 1/2. El trabajo de Ibáñez ha significado mucho, muchísimo para mi, tanto en lo personal como en lo laboral. Otras grandes influencias han sido Frank Miller, Tsutomu Nihei, Yoshitaka Amano, Katsuhiro Otomo, Milo Manara, Enkil Bilal, Roger y Raule con su Jazz Maynard... hasta las películas de anime japonesas o la animación occidental de Disney o Dreamworks.

¿Crees que el trabajo digital no se valora tanto como el tradicional? ¿Cómo es usar técnica mixta?

Si, lo creo así. No desmerece el trabajo que hacemos los que tocamos los palos tanto tradicional como digital, pero parece que todo es más sencillo y que el ordenador te lo hace todo solo. La gente que se dedica al terreno digital de la ilustración y diseño gráfico y mis amigos que han estado ahí viendo cómo no cabía ni la más remota posibilidad de separarme del ordenador para sacar "Cabaret" (por ejemplo) adelante, sabemos el sacrificio que supone y el esfuerzo que conlleva. La ventaja que tiene es que si desgracias algo en la ilustración puedes mandar a freír gaitas amablemente lo que no te guste sin tener que comenzar una ilustración de nuevo. También que si tratas de hacer un collage ni te pones perdida de pegamento ni te apuñalas la yema de los dedos con agujas tratando de coser al papel trocitos de los materiales. Son cosas distintas pero como he comentado arriba, para mi están muy vinculadas y ni puedo ni quiero divorciarlas.

Los programas de ordenador, por mucho que queramos, no hacen las cosas ellos solitos. Antes de empezar con el ordenador ya has caminado ancho y largo varias veces por lo tradicional para aplicar esos conocimientos, ya que un Photoshop por ejemplo no te va a decir, por muy completo que sea, dónde van las luces y las sombras, qué gama cromática te va mejor o te dibuja la anatomía. Y si no tienes esa experiencia por muchos filtros "guays" o muchas cosas chulas que tenga el programita se nota. La técnica digital es solo una puerta abierta más a la creatividad que exige un "empezar de nuevo a aprender" cómo aplicar lo que ya sabes y el partido que le puedes sacar. Se debe gozar como tal, ni desvirtuar ni sobrevalorar. Solo cambia el soporte y el dinamismo de "fabricación" de tu obra. Lo que quieres expresar con tu trabajo y tu estilo al final debe ser el mismo.

De un modo u otro, yo he pasado toda mi vida con técnicas tradicionales, y como soy de una insoportable curiosidad he experimentado con todo lo que me ha caído en las manos: lápiz, carboncillos, tizas, maquillaje, telas, plástico, café, bolígrafos, acuarelas, óleos, pintura de camisetas, lápices de colores, escultura... Así que jamás voy a dejar de lado aquello de lo que he mamado. Sencillamente he incluido otra herramienta en mi vida. Me siento muy cómoda con todo ello y me encanta escaparme con un bloc rancio, un lápiz y un bolígrafo a dibujar por allá donde esté.

Cada uno entiende por técnica mixta su propia mezcla de artilugios. Yo en tradicional lo entiendo como no monopolizar una herramienta, sino sumar al lápiz por ejemplo, acuarelas, bolígrafos, óleo, tela... lo que crea que puede ir bien. La técnica mixta que uso para el terreno digital incluye la tradicional en mayor o menor medida, el coloreado donde te pasas horas interminables dándole que te pego a la tableta y el collage con elementos reales o texturas para ropa, fondos, granulado de pieles, encajes, ornamentos... Me gusta que una ilustración no sea solo una cosa de una pieza, sino un elemento que sume el diseño gráfico para experimentar a todos los niveles. Si no pudiese experimentar, montar y desmontar a placer, sería monótono y me aburriría.

Todavía no has empezado con sesiones de firmas pero lo harás en breve ¿te asusta el público?

Buff.... (risas) Más que asustarme, me intimida. Soy una persona muy extrovertida, los que me conocen saben que soy muy payasa, una cachonda mental y que posiblemente me falte ese tornillo que hace que continuamente haga contorsiones mentales. Debo recalcar que mis amigos están hasta la nariz de Cristo de mi, ¡pero es que ellos no saben lo difícil que es ser yo! (risas)... El vértice del mal radica en que soy terriblemente tímida. Suelo moverme en círculos pequeños de amistades y gozo de una vida sencilla y apacible. Creo que eso es el único problema que voy a tener con las firmas, el vencer esa timidez errante, pero está controlado muchachada, está controlado. En otras circunstancias me he visto frente a situaciones de este tipo y he logrado salir sin morirme ahí mismo, como en alguna actuación musical que he tenido que realizar por necesidad o devoción, debo decir que al día siguiente estaba ingresada por una pancreatitis en el hospital, pero intento no relacionarlo, (risas) . Por lo demás se que lo voy a pasar de fábula compartiendo con el que se deje caer por las firmas lo que ha significado para mi "Cabaret" y agradezco infinito el bonito gesto de que alguien quiera que le firmes, todas las muestras de cariño, el ánimo y las críticas que h e recibido hasta ahora de mi trabajo.

MÁS INFORMACIÓN

SOBRE LA AUTORA

WEB:http://www.medusathedollmaker.com/
BLOG:http://medusadollmaker.blogspot.com/
MYSPACE: http://www.myspace.com/medusathedollmaker

Fuente: Fantasy Mundo

El veterano dibujante Juan Giménez recala en Donostia

2009-10-31T00:00:00.000-05:00

Oihane Larretxea
Gara, Donostia

La 20a. Semana de Cine Fantástico y de Terror dedica dos exposiciones al gran dibujante de cómics Juan Giménez. Es un reconocimiento a la larga trayectoria de quien está considerado como uno de los más importantes dibujantes del género fantástico y de ciencia ficción de las últimas décadas. En la rueda de prensa que ofreció ayer, Giménez lanzó la vista atrás para hablar de sus inicios, y recordó que no fueron fáciles «sobre todo por unos padres que dudaban que fuera posible ganarse la vida mediante los cómics», señaló.

Con la mirada puesta en el presente, lamentó «lo difícil que lo tienen los jóvenes hoy en día», aunque les animó a persistir. En cuanto a las exposiciones, los dibujos son una selección de la cronología de su trabajo desde que pisara Europa, dejando su Argentina natal en los años 70, hasta el día de hoy. El paso del tiempo queda reflejado en los dibujos, que van transformándose según las inquietudes del autor en cada momento: «Las modas cambian y también en el cómic, aunque la esencia de querer transmitir algo siempre perdura», matizó Giménez.

Las exposiciones se podrán visitar hasta el próximo 14 de noviembre en el Centro Cultural Okendo y en la Galería Vito 021.

Preparando un sayonara

2009-10-27T03:23:00.000-05:00

por Josep Calduch

La semana pasada se publicó el penúltimo capítulo del segundo manga más extenso jamás publicado en nuestro país, el tomo 55 de Inu Yasha.

Sí, ni Son Gokus ni Narutos ni Lobos Solitarios han logrado acercarse al montón de páginas publicadas de las aventuras del medio demonio creado por Rumiko Takahashi. De hecho en número de páginas esta obra sólo se ve superada por el pequeñajo Detective Conan.

Pero Inu Yasha no es sólo que sea larga, que lo es, es que además se ha hecho larga, la condenada, para los que la hemos ido siguiendo. Una constante en nuestras lecturas y visitas a la librería, y que tras una próxima entrega terminará, dejando un hueco en nuestro corazón y algunos euros en nuestros bolsillos que encontrarán pronto algo en que ser gastados.

Queda por tanto un solo tomo por salir, y muchas incógnitas por resolver. Estamos acostumbrados por otras obras (Lamu, Ranma) a que Takahashi no cierre completamente las tramas ni las relaciones entre los personajes, de forma que siempre sea posible una revisitación en un futuro; sin embargo esto no es recomendable en una serie como Inu Yasha en la que la escalada de poder, la lucha contra el Mal, y la consecución del Poder Supremo en forma de joya de las cuatro almas no es algo que puedas dejar así pendiente, sería como terminar Dragon Ball con Namec a punto de explotar... es de esperar, por tanto, que si no todas al menos algunas de las muchas incógnitas que penden en el aire se vean resueltas en la última entrega de esta larga serie.

Vaya, que tras más de diez mil páginas publicadas sus seguidores podamos quedarnos con la sensación de que al final ha sucedido algo.

Y es que son tantas las cuestiones que quedan por resolver: ¿Cómo terminará la relación entre Inu Yasha y Kagome? ¿y entre Sango y Miroku? ¿conseguirán derrotar definitivamente a Naraku? ¿Qué sucederá con Sesshömaru, el hermano de Inu Yasha? ¿conseguirá Inu Yasha dominar de forma definitivamente su espada Colmillo Perforacero? ¿Cual será el destino definitivo de la Joya de las Cuatro Almas? y quizá la pregunta más importante...

¿Acabará saliendo en la historieta la chica de la trenza que aparecía en el lomo del tomo 40?

Tantas preguntas y menos de 200 páginas para resolverlas.

Fuente: ADLO!

Vuelve la película que revolucionó la animación digital, «Toy Story 3 D»

2009-10-23T00:00:00.001-05:00

Como adelanto del estreno el próximo verano de la tercera parte de la saga «Toy Story», llega a las pantallas una versión en formato 3D de la película original, a la que seguirá, allá por primavera, la continuación realizada hace diez años. Supone toda una novedad para los adolescentes y niños que ni siquiera habían nacido cuando se estrenó en las salas de cine, porque no ha perdido su vigencia tanto en el aspecto técnico como en el conceptual.

Mikel Insausti
Gara, Donostia

Se ha dicho que el secreto del éxito de Pixar está en los guiones de sus películas de animación, con los que no pueden competir las compañías rivales. No hay más que fijarse en la anécdota argumental que vertebra «Toy Story», película que marcó toda una revolución dentro del género hace ya casi 15 años, porque encierra una aleccionadora fábula sobre los tiempos cambiantes.

John Lasseter, creador del largometraje y del estudio, sabía muy bien que las nuevas técnicas de animación no podían llegar al corazón del público sin el contrapeso de los sentimientos. No se pueden presentar robots o máquinas desalmadas a los niños que acuden a los cines acompañados de sus padres, por eso esta historia de juguetes que cobran vida en ausencia de los humanos insiste en que las pilas no lo son todo para hacerlos funcionar.

Los juguetes, de hecho, no son sino una proyección imaginaria de las contradicciones de sus dueños infantiles. En los 90 el consumismo empezaba a ser una obsesión para los más pequeños, a los que en las familias de los países desarrollados no se les negaba nada. Es en ese contexto de falso expansionismo económico donde nace «Toy Story», que presenta la emotiva tragedia del anticuado vaquero apunto de ser relegado por un futurista astronauta, en cuanto plasmación del eterno dilema entre lo viejo y lo nuevo.

No es de extrañar que el «cowboy» Woody y Buzz Lightyear formen parte ya de la cultura moderna, siendo dos referencias obligadas a la hora de orientar a las nuevas generaciones sobre la necesidad conservacionista frente al progreso destructivo, apostando por una postura conciliadora entre los avances tecnológicos y el respeto por el legado de nuestros antepasados.

El romance entre Disney y John Lasseter

John Lasseter es un loco de la animación que aprendió el oficio en los estudios Disney, coincidiendo en su etapa de estudiante con Brad Bird y Tim Burton. Pasó luego a la Industrial Light and Magic, la compañía de George Lucas, de la que se independizó para formar Pixar. El lanzamiento del nuevo estudio se debió al éxito de sus cortos «Luxo Jr.» y «Tin Toy». Del primero surgió el conocido logotipo del flexo y del segundo, bien desarrollado, el primer largometraje titulado «Toy Story». Después dirigiría «Bichos», «Toy Story 2» y «Cars».

En la actualidad es el director creativo de Disney, que es la nueva dueña de Pixar, y se encarga personalmente de la realización de «Toy Story 3».

David Lloyd y Dave McKean, en el salón del cómic de Getxo

2009-10-21T00:00:00.000-05:00

Gara, Getxo

La octava edición del Salón del Cómic y Manga de Getxo, que se celebrará del 27 al 29 de noviembre en esta localidad vizcaína, contará con la participación de los creadores británicos David Lloyd y Dave McKean. Según informó ayer el Aula de Cultura de Getxo, junto a los británicos estarán en el salón autores como Paco Roca, Salvador Larroca, Pascual Ferry y Víctor Santos.

Además, en este certamen, uno de los más importantes de su clase en Euskal Herria, se homenajeará a Purita Campos, dibujante de la célebre colección «Esther», y al humorista gráfico e ilustrador vizcaíno Juan Carlos Eguillor, creador de «Mari Aguirre» y «Miss Martiartu».

David Lloyd es uno de los autores, junto a Alan Moore, de «V for Vendetta» (V de Vendetta), un exitoso trabajo que le aportó fama mundial. Dave McKean es uno de los ilustradores y diseñadores más afamados del Reino Unido debido a su colaboración con el célebre guionista Neil Gaiman, para el que ha ilustrado historias como «Casos violentos», «Orquídea negra», «Signal to Noise» o «Mr. Punch».

Shoujo Fight, un manga de voleibol femenino llega al anime

2009-10-20T23:59:00.000-05:00

Creo que no pasa una semana en que no tengamos novedades de algún manga que será adaptado al anime a la brevedad. Es que los estudios de animación japoneses están muy pendientes de las ventas y el éxito de las miles de publicaciones que salen semanalmente.

Esta semana la comenzamos con la noticia que el manga Shoujo Fight de Nihonbashi Yoko será adaptado al anime en un DVD producido por Production I.G que vendrá junto al sexto volumen del manga, el cual sale a la venta el 23 de octubre.

El argumento de Shoujo Fight cuenta la historia de Neri Ōishi, una talentosa jugadora de voleibol que luego de jugar como suplente los primeros años de secundaria tendrá la oportunidad de mostrar su talento en su nueva escuela.

Por otro lado, el soundtrack será una versión en Drama CD del manga e incluirá una canción del grupo BLiSTAR.

Este es el primer avance del anime:

Fuente: Manga Spain

Cuyes en acción. «G-Force»

2009-10-09T00:00:00.000-05:00

Divertida y original parodia del cine de acción y espionaje a lo James Bond protagonizada por cuatro heroicos cuyes convertidos en agentes especiales, y dispuestos a no volver nunca al laboratorio.

Mikel Insausti
Gara

Siempre es un golpe para el elemento humano ver cómo triunfan las películas protagonizadas por mascotas, como si la gente quisiera más a los animales de compañía que a sus semejantes de la misma especie. Los que aparecen en «G-Force» son unos divertidos cuyes reconvertidos en agentes especiales, idea que se le ocurrió al hijo pequeño de Hoyt Yeatman, un mago de los efectos especiales que debuta en la dirección, respaldado por el productor de cine de acción Jerry Bruckheimer, para quien lleva trabajando muchos años.

El protagonismo de los bichos es muy importante, incluso por encima del de los personajes humanos, para lo que han sido doblados en la versión original en inglés por Sam Rockwell, Tracy Morgan, Penélope Cruz y Nicolas Cage.

El ser una especie de James Bond peludos y en miniatura implica un tono paródico, que funciona mediante la interacción con un cómico de la talla de Zach Galifianakis, revelado por «Resacón en Las Vegas». En el lado opuesto, el gran actor inglés Bill Nighy es el villano de la función, un empresario que oculta sus peligrosas actividades ilícitas bajo la fachada de una compañía multinacional de electrodomésticos.

Los héroes de «G-Force» se encuentran con el problema para desenmascarar a su enemigo de que no dejan de ser unos cuyes, por lo que el Gobierno los quiere devolver al laboratorio del que salieron para seguir realizando rutinarios experimentos con ellos, debido a los recortes presupuestarios derivados de la crisis económica. Los cuatro cuyes habrán de llevar a cabo su misión secreta contra el reloj y de espaldas a sus superiores.

La rebelión irlandesa de 1916 da el salto al cómic

2009-10-08T01:24:00.003-05:00

La editorial O’Brien Press acaba de lanzar una novela gráfica sobre el Levantamiento de Pascua de 1916 [+ info aquí]. Se titula Blood Upon the Rose: Easter 1916, The Rebellion that Set Ireland Free y su autor es el arquitecto dublinés, criado en Sligo, Gerry Hunt, de 73 años. Interesado en este acontecimiento que cambió la historia de Irlanda, dado que su padre participó en la guerra de independencia, Hunt ha leído una docena de libros sobre 1916 para sumergirse en la rebelión que está en el origen de la Irlanda independiente. La obra consta de 46 páginas, aunque, como reconoce el autor entre carcajadas, “con todo lo que pasó en 1916, ¡podía haber llenado 200 páginas!”.

Con ojo de arquitecto, Hunt ha detallado los edificios que poblaban las calles del Dublín de comienzos del siglo XX. Más difícil le ha resultado, todo un desafío, retratar a los protagonistas del Levantamiento, rostros familiares perfectamente grabados en la conciencia colectiva de los irlandeses. Eso sí, la única fotografía disponible de Patrick Pearse es de perfil, lo que ha complicado su traslación a ilustraciones que reflejaran escenas de acción. Más fácil le resultó dibujar a James Connolly, tras su gran bigote.

Con el reciente resurgir del cómic o novela gráfica, universalizado por las adaptaciones cinematográficas, el autor tiene la esperanza de alcanzar al público norteamericano, donde hay una amplia comunidad de origen irlandés: “Se trata de contar en imágenes una parte de su historia. Eso es un gran cambio, y creo que es muy interesante”, ha declarado Gerry Hunt, que reconoce que este proyecto ha sido una oportunidad para él de llevar la historia a la vida: “Esta es una novela gráfica, así que me dio una oportunidad para ilustrar lo que hasta ahora sólo hemos estado leyendo”. También ha cambiado su punto de vista sobre los acontecimientos del Lunes de Pascua de 1916. “Después de haber leído muchos libros, no sé si eran sesgados o no, pero cuanto más lees, más te das cuenta de que estos chicos, que no eran delincuentes, estos tíos eran patriotas. Fueron muy valientes”. Y es que Hunt ha descubierto que los héroes no son sólo fruto de la fantasía. Y éstos, los Voluntarios Irlandeses, en lugar de capas y superpoderes visten uniformes verdes y se nutren de fervor patriótico.

[Descárgate una página a todo color en pdf, pulsando aquí].

A cantar con Xabarin (5 volumenes)[MÚSICA]

2009-09-26T16:32:00.002-05:00

Os acordais de aquel programa infantil que trasmitían en la Television de Galicia llamado Xabarin Club?

Pues aquí os traigo un post para recordaros las canciones que interpretaban para este programa artistas como Heredeiros da Crus, Aerolineas Federales, Siniestro Total o Killer Barbies.
A Cantar Con Xabarín es un conjunto de 5 volúmenes que incluye canciones tan míticas como "Estou na lavadora", "Íscalle lura", "Carmiña Bacaloura", "Non todo é o que parece", "O jai jai", "Socio, busca un socio" o "Pero que jallo é" (que todos recordareis como "Churras churras" XD).

Pues sin mas dilacion os dejo los 3 links de descarga que contienen los 5 discos y animo a los que no son gallegos a bajarse este recopilatorio

http://www.megaupload.com/?d=7ZCXR70P
http://www.megaupload.com/?d=SS9G695A
http://www.megaupload.com/?d=B8VRQDSX

- La contraseña es: GaRLiCeS&JLCBOADO
- Agradecimientos a Jlcboado.garlices por subir los archivos a Megaupload.

Estado español: Comicguía de nuevo a la venta

2009-09-09T02:24:00.000-05:00

Por J. M. Varona “Ché”

Tal como viene ocurriendo desde hace 32 años, se ha puesto a la venta un nuevo número –el 72- de la revista de divulgación de la historieta conocida en el mundo del tebeo como Comicguía, que edita y distribuye el historiador y crítico, nacido en Torrente en 1938, Francisco Tadeo Juan.

El nuevo cuaderno consta de 36 páginas en cuya portada no falta la referencia gráfica a El Guerrero del Antifaz, que también es citado en la particular y reivindicativa editorial que Tadeo publica en la página 3. Igualmente es oportuno destacar las carillas dedicadas al relato que Vicente Blasco Ibáñez, hace del caballero valenciano Hugo de Moncada que vivió en la recién unida España de los Reyes Católicos a los que sirvió, y también, en la del césar Carlos que fue emperador de nuestro país y de Alemania a cuyo servicio igualmente estuvo. Hugo de Moncada luchó en diversos países y en especial en los reinos -herencia aragonesa-, de Sicilia y Nápoles de los que llegó a ser virrey y general. También combatió a los piratas berberiscos que asolaban las costas mediterráneas. Revisando sus hazañas, es fácil llegar a la conclusión de que la vida y las aventuras de tan ilustre capitán, sirvieron de referencia a grandes profesionales de la plumilla, que como Manuel Gago, dieron vida a un héroe tan conocido como fue El Guerrero del Antifaz.

A continuación y dentro de la publicación de la que venimos hablando, podemos admirar una serie de trabajos del gran dibujante, caricaturista, ilustrador y otras cosas (Valencia 1877-1972) Manuel González Martí -que dio nombre y una magnífica colección al Museo de Cerámica-, que fue conocido en el solar patrio con el seudónimo de “Folchi”, el cual colaboró en su día, en las revistas Cascarrabias, Arte Moderno, Valencia Artística entre otras y que nos presenta José Benlliure en una carta fechada en 1926, que también aparece en la revista.

De igual manera en este Comicguía se dedican tres páginas, escritas por Antoni Arigita, al personaje creado en 1933 por Vincent Trout Hamlin que en los Estados Unidos fue conocido por Alley Oop y, en los países de habla hispana por “Trucutú” que es como le bautizaron en México. A este personaje, en USA el servicio de Correos, le dedicó un sello conmemorativo.

En otra página se rinde homenaje a la gran cantante Cecilia que se ve rodeada por diferentes dibujos de “Ortifus”, y una serie de portadas de revistas cuya lectura es recomendada. La publicación se cierra con sendos dibujos de Joe Kubert y uno final –en la contraportada- de Carrillo.

Las aventuras de Tintín desatan la polémica

2009-09-02T13:14:00.002-05:00

El ejemplar 'Tintín en el Congo' ha sido acusado de "racista", y la biblioteca de Brooklyn ya lo ha retirado de los anaqueles públicos

AGENCIAS - PÚBLICO.ES

El ciudadano belga de origen congoleño que hace unos años consideró racista el cómic Tintín en el Congo ha decidido no desistir y seguir luchando por la retirada de la obra. Ya en su momento denunció a la sociedad Moulinsart, gestora de los derechos mundiales de la tira cómica de Hergé (1907 -1983), y ahora acudirá a la Justicia francesa.

Mbutu Mondondo Bienvenu, de 41 años, considera "racista y xenófoba" la actitud del joven reportero rubio en Tintín en el Congo (1931) y pidió su prohibición en agosto de 2007.

El abogado del denunciante, Claude Ndjakanyi, afirmó en declaraciones a Le Figaro que en Bruselas la instrucción dura ya dos años y ni siquiera han tenido acceso al sumario.

La razón de ese silencio es "política", pues con Tintín y su dibujante se ataca "el símbolo de Bélgica", estimó el letrado, cuyo cliente, dijo, está dispuesto a ir hasta el Tribunal Europeo de los Derechos Humanos si es preciso.

¿Racismo o libertad de expresión?

El relanzamiento de la acción judicial ha salido a la luz poco después de que la biblioteca municipal de Brooklyn (EEUU) haya retirado el ejemplar de los anaqueles públicos, junto a otras obras "ofensivas" como Mein Kampf de Hitler y Trópico de Capricornio de Henri Miller, lo que ha desatado la polémica en las calles de Nueva York. Ahora, los ciudadanos se debaten entre la aprobación de la medida y la acusación de censura.

"Es importante aclarar que no estamos censurando este libro", dijo Malika Granville, portavoz de la institución del barrio este de Nueva York. A su juicio, esta medida es una forma de proteger la obra para que pueda ser transmitida de generación en generación.

"Durante cierto tiempo, nuestra copia de Tintín en el Congo era la única disponible en una biblioteca pública en los cinco distritos de Nueva York. Por esa razón es apropiado tener un mayor nivel de protección", dijo Granville. "Nuestra misión como biblioteca es asegurar la preservación y la transmisión del conocimiento de la historia y la cultura de la sociedad".

Dos posturas enfrentadas

Los detractores del joven reportero consideran que el episodio en el Congo contiene imágenes y diálogos que implican prejuicios racistas, donde los africanos son salvajes, parecen monos y hablan mal.

Al respecto, Moulinsart destacó la necesidad de juzgar una obra en su contexto, pues Tintín en el Congo fue escrito en 1931, en pleno período colonial.

Walt Disney pagará cuatro mil millones de dólares para hacerse con la Marvel

2009-09-01T06:04:00.002-05:00

Gara, Nueva York

La compañía Walt Disney anunció ayer que comprará Marvel por cuatro mil millones de dólares, con lo que sus más de cinco mil personajes de ficción, entre ellos el mítico Spiderman, Los Cuatro Fantásticos, la Patrulla X, el Increíble Hulk, Iron Man o el Capitán América, pasarán a formar parte de The Walt Disney Company.

Ambas empresas detallaron que sus respectivos consejos de administración ya han aprobado la operación, que valora cada acción en bolsa de Marvel en 50 dólares. Cabe recordar que la compañía Walt Disney también se hizo con la firma Pixar en 2006. «Creemos que la suma de Marvel a la cartera única de marcas de Disney aportará significativas oportunidades de crecimiento a largo plazo y de creación de valor», aseguró el responsable de Disney, Robert Iger, al anunciar la operación.

Su homólogo en la compañía adquirida, Ike Perlmutter, añadió que Disney es «la casa perfecta para los personajes fantásticos de Marvel, dada su demostrada capacidad para crecer en el negocio de la creación de contenidos», y destacó que Disney cuenta con una «tremenda organización global e infraestructuras en todo el mundo».

Producción cinematográfica

En lo que va de año, las acciones de Marvel han subido impulsadas en gran medida por el éxito de las producciones cinematográficas basadas en sus personajes. Las tres películas basadas en Spiderman, por ejemplo, han generado en taquilla más de 2.500 millones de dólares en todo el mundo, al tiempo que las cuatro cintas de X-Men rondaron los 1.600 millones de dólares.

«Up», el décimo largometraje de Pixar

2009-07-31T00:00:00.000-05:00

Fue la encargada de inaugurar el Festival de Cannes este año y se postula ya como candidata a ganar el Óscar absoluto a la Mejor Película, mientras se convierte en la más vista de todos los tiempos en sistema de proyección 3-D. Es el décimo éxito consecutivo de crítica y público para los estudios Pixar, indiscutibles líderes de la animación mundial.

Mikel INSAUSTI
Gara, DONOSTIA

Pixar siempre consigue estar a la vanguardia de la animación, y con su décimo largometraje ha podido ya liderar el mercado de las salas de proyección en 3-D. «Up» va a batir todos los records de recaudación en esta modalidad puntera, lo que ha llevado a muchas empresas de exhibición a hacer un esfuerzo para abrir cines debidamente equipados de cara a tan importante estreno. Las ciudades que no se pongan al día se van a quedar definitivamente atrás, así que en el resto de nuestras capitales tendrán que seguir el ejemplo de Bilbo para poder atender a la demanda de un espectáculo cinematográfico en las mejores condiciones.

Y en esto, como en todo, Pixar se distancia de sus más directos competidores, porque demuestra una madurez que los demás no tienen. La clave de su éxito reside en tratar al público de una forma adulta, porque para el estudio de John Lasseter la animación es un género que ha cumplido sobradamente la mayoría de edad.

Lo mismo que sus guiones son trabajados como si se tratara de películas de acción real, en el aprovechamiento del 3-D han sido igual de juiciosos. No han querido impresionar a los espectadores en sus butacas, con efectos de cine en relieve mediante los cuales llegar a asustarlos, sino que han preferido que la sensación tridimensional se integre en la historia de manera natural y convincente.

Dado que «Up» es el décimo largometraje de Pixar, es buen momento para hacer un alto e intentar explicar las razones por las que Pixar, hoy por hoy, no tiene rival en el cine de animación. No puede obedecer a ninguna casualidad que todas sus películas, desde la primera hasta la última, hayan superado a la anterior, para asombro del resto de estudios. Y los demás, porque la industria es así, siguen frotándose los ojos y no acaban de entender lo que no es un milagro, ya que nace como fruto de una dedicación absoluta.

La vida del personal de Pixar no gira por entero alrededor de un proyecto, al repartirse en varios simultáneos, pues cada uno de ellos suele llevar varios años, y «Up» en concreto ha necesitado seis para estar totalmente acabado. Pero de algún modo todos los empleados se sienten conectados entre sí, aunque se hallen inmersos en producciones diferentes, porque tienen participaciones en la empresa y desean que cada película suponga una mejora. Este sistema aglutinador garantiza la continuidad de los puestos de trabajo, con lo que una vez concluido un proyecto no son despedidos y pasan a colaborar en el siguiente. La satisfacción profesional de la plantilla se ve recompensada aún más si cabe en el plano creativo, gracias a la tranquilidad de saber que al frente del estudio se encuentra un cineasta genial como John Lasseter, en lugar de un ejecutivo que sólo entiende de números.

Habría que saber hasta qué punto afecta a la filosofía de Pixar su actual asociación con Disney, porque, pese a influir única y exclusivamente en la parte del negocio, a nadie escapa que implica ciertos roces en materia artística. Un ejecutivo de Disney declaró públicamente, muy molesto, que los diseñadores de «Up» no habían inventado suficientes personajes para el merchandising y la consiguiente fabricación de juguetes, rompiendo así una de las normas de la multinacional de Burbank. Debía de ser que este patán no considera personajes susceptibles de convertirse en muñecos a los seres adultos, y ya se sabe que el protagonista de «Up» es un jubilado, al igual que su máximo oponente.

En fin, es de suponer que al ver las cifras obtenidas en taquilla habrá tenido que tragarse sus palabras, porque no se ha sabido de ninguna rectificación. Ese es el principal signo de distinción entre John Lasseter y el típico ejecutivo de un estudio de animación que piensa que sus películas van dirigidas a una mentalidad infantil, por no decir otra cosa.

Lo comercial y lo creativo

La cuestión es que Pixar puede presumir de saber conciliar lo comercial y lo creativo armoniosamente, del mismo modo que triunfa entre el público y la crítica sin excepciones. Hay quienes piensan que ha sonado la hora de un reconocimiento todavía mayor, y que este año puede ser el del Óscar a la Mejor Película, fuera ya de una vez por todas de la restringida categoría de la animación. Son muchas las voces autorizadas que no dudan en postular a «Up» como favorita frente a las películas de acción real, teniendo en cuenta que este año el número de títulos finalistas se ha ampliado a diez.

El ambiente favorable hay que agradecérselo al Festival de Cannes, el primero en romper con los prejuicios y atreverse a recibir con todos los honores a «Up», programándola en la apertura. Basta repasar las crónicas de los enviados especiales para comprobar que fue la película que concitó mayor unanimidad en lo que a elogios se refiere, así que si todos nos rendimos ante la evidencia sólo falta que lo hagan los encargados de votar y decidir los premios.

La principal novedad que aporta «Up» es su introducción, por cuanto se trata de un preludio dramático que resume acontecimientos muy graves en la vida del protagonista, un viudo marcado por la tragedia de perder a su esposa y al bebé que esperaban. Es una colección de recuerdos que apenas ocupa diez minutos de metraje, y que se desarrolla visualmente, sin necesidad de palabras o la voz de un narrador, sólo con el emotivo subrayado de la música de Michael Giacchino.

Lo sorprendente es que este comienzo tan triste y melancólico funciona muy eficazmente dentro de la película, si bien sus responsables no lo tuvieron claro hasta ver todo el montaje. Su intención era la de enganchar emocionalmente al espectador desde el arranque, para luego liberar la presión inicial a través de las fantásticas aventuras que se desarrollan.

El viudo Fredriksen, cuyo abultado rostro es un cruce entre Spencer Tracy y Walter Matthau, quiere ver cumplido el sueño que compartía con su mujer de viajar a Sudamérica. Y esa ilusión por llegar al Parque Nacional de Canaima en Venezuela se despliega mediante miles y miles de globos que hacen volar su casa. En su aventura le acompaña como polizonte un regordete boy-scout y, una vez en el aire, serán atacados por una versión voladora del capitán Nemo, un pirata aéreo con las facciones de Kirk Douglas.

Criterios de producción de calidad para la televisión infantil - Profesor Súper O

2009-07-30T12:13:00.003-05:00

Hernán Zajec. Productor de Animación Profesor Súper O

El Profesor Súper O trata de bajar los índices de ignorancia con respecto al mal uso de nuestro idioma y a su vez, educar a la población infantil y adulta para el debido uso del lenguaje. No es un programa infantil netamente, es más un programa familiar.

Nuestra empresa arrancó produciendo una serie animada que se llamaba El Siguiente Programa, algunos de ustedes probablemente la recuerdan, era una cosa supremamente irreverente de dibujos animados que peleaba con todo el mundo. Duramos tres años al aire pero esta serie se acabó porque obviamente no puedes hablar mal de todo el mundo y esperar que la gente te contrate.

El público nos adoraba, éramos número uno en rating y nos sacaron como si nada. A diferencia de 31 Minutos, nuestros focus groups la sacaban del estadio todas las veces, hemos tenido unos focus groups que son impresionantes.

Terminando El Siguiente Programa, RCN se aventuró con nosotros en hacer la primer serie infantil colombiana real que se llamó Betty Toons, los dibujos animados de Bety la Fea, que alcanzó a verse en 30 países. Se ha visto en Israel, en Malasia, en Tailandia, en Perú, en Argentina, en Chile, en Estados Unidos y otros países. La compró incluso Cartoon Network. La cosa es que nosotros estábamos desarrollando Betty Toons cuando llegaron con esta idea loca Toño y Martín, alguien con quien ya había trabajado.

Antonio Guerra – Guionista Profesor Súper O

Después de darle mil vueltas llegamos a una conclusión. ¿Cuál fue la salida? Un batman chocoano. La primera idea que tuvimos y la idea más simple fue hacer un superhéroe idiomático, la idea siguiente fue cómo hacer un superhéroe idiomático en este tema aparentemente denso y difícil de llegarle sobre todo a los niños, cómo hacerlo atractivo y cómo hacerlo llamativo y obviamente lo primero que se nos vino a la cabeza fue alejarnos del cliché y hacer un antihéroe.

Pensamos en un héroe chocoano que siempre está estigmatizado porque es una de las zonas con mayor índice de analfabetismo. Martín y yo somos de Cali y tenemos alguna cercanía con la cultura del Pacífico, entonces eso nos daba entre comillas alguna autoridad para hablar de los personajes porque teníamos esa cercanía. Y empezamos a desarrollar todo el universo de la serie y finalmente llegamos a la conclusión de que tenía que ser un superhéroe cuya misión era proteger el idioma español y propender por su buen uso.

Pensamos en hacer un superhéroe, pensamos en hacer un antihéroe que fuera superhéroe y mesero. Y también desde el principio esta serie, como lo planteamos en la primera diapositiva, no es una serie infantil sino más bien una serie familiar. Eso lo tuvimos en cuenta desde el comienzo, que fuera una serie que le gustara a los niños y nos gustara a los grandes.

Teníamos que hacerle un guiño satírico a la sociedad para que los grandes se pudieran acercar y por medio de artilugios y naves relacionadas con el Pacífico como el chontaduróptero y toda esa especie de naves raras, pretendiendo acercar a los niños y también a través de las situaciones y los personajes.

Ni Martín ni yo somos especialistas en el idioma ni el lenguaje ni somos doctorados en eso. Nos toca hacer un proceso largo de investigación muy riguroso porque si uno está pretendiendo hacer una serie educativa no puede caer en errores. Y tuvimos claro desde el comienzo también que la serie tenía que ser llamativa a través del humor, tenía que ser en un formato corto porque los niños ahora son muy volátiles, como alguien decía aquí: están recibiendo información todo el día, los celulares, los videojuegos, etc.

Le apostamos a personajes sólidos que tuvieran gracia y sobre todo tuvieran arraigo y que cayeran bien en la gente, que no fueran personajes pretenciosos.

La idea empezó hace cuatro años con mucho trabajo y con el apoyo de Canal 13 llevamos 150 capítulos. Tuvimos la fortuna de participar con 30 capítulos a propósito del bicentenario de la Independencia. Súper O viaja en el tiempo y da algunas guías de lo que pasó hace 200 años con respecto a la independencia de Colombia y responde a unas preguntas de los niños, como qué pasó hace 200 años, si hace 200 años se aplicaba anestesia cuando se operaba o si hace 200 años había tráfico de drogas, etc.

Cuando tuvimos la obra literaria totalmente escrita fuimos donde Hernán Zajec, que es el productor de animación, uno de los más importantes que han existido aquí, y él se aventuró con nosotros. Al principio fue un poco reacio pero después se convenció. Hicimos el piloto a riesgo, fuimos a los canales privados RCN y Caracol y la respuesta fue un no rotundo y afortunadamente a la Comisión Nacional de Televisión le gustó la idea, vio que podía ser, que era original, que podía llegar a los niños y que podía tener un impacto social interesante.

Y a partir de ahí a través de la Comisión Nacional de Televisión y la Gerencia del Canal 13 comenzó a emitirse en el Canal 13 desde el año 2005 y, como decía, ya lleva 150 capítulos al aire. Actualmente se está emitiendo también en los canales regionales Teleantioquia, Telepacífico y en Señal Colombia.

Por último, es un poco pretencioso decirlo, pero nos preguntan que cuáles son los factores del éxito de la serie. Esta no es una serie masiva, pero es una serie que ya tiene cierto reconocimiento y creemos que parte de esto es que trata la educación a través del humor con un lenguaje amable.

Otro factor es que es un formato corto, un formato de cinco a siete minutos, que es original, que no se parece a algo que uno haya hecho. Y también que tiene un valor social, que es que todos debemos hablar mejor y comunicarnos mejor porque el supuesto es que cuando hay mala comunicación hay atraso, y cuando hay atraso hay violencia y eso es lo que nosotros queremos evitar.

Antonio Guerra
Guionista
Profesor Súper O.
Canal 13
Bogotá
Colombia
produccion@canal13.com.co

Fuente

I Muestra Iberoamericana de Televisión Infantil 2009. Comisión Nacional de Televisión de Colombia. 11 y 12 de junio de 2009. Bogotá, Colombia.

If you live with ethics, man, it's hard to be rich.

2009-07-14T16:30:00.006-05:00

My eyes just want you
My hunger needs you
Don't bother to exist, we'll just eat you
It's not your fault that you're on our road
The freak ones are there to justify our goals

We’re Meatiful people, we’re Meatiful people
We’re all relative to the size of our egos
We can see the forest is for greed
We can't smell our own meat on our knees

There’s no crime, don't discriminate,
We ate every moral sucker
That was in our way

Sweet you, what do we eat?
Something beautiful!
Something free!
Hey you, why are you trying to be clean?
If you live with ethics, man, it's hard to be rich

Rawwar will live in every host
It's easy to see which one of us eat most

the tree-hugger people, the tree-hugger people
It's as utopist as the size of our giggle
Capitalism has made us this way,
Old-fashioned veganism won’t stop us any way

THE MEATIFUL PEOPLE.
Omnivorous Zombies.

*

The Beautiful People.
Marilyn Manson.

to be continued .....
continuará .....

Batman, el héroe de cómic que se apoderó de las grandes pantallas, cumple 70 años

2009-07-11T07:53:00.001-05:00

Mónica Faro
Gara, Madrid
6 de julio de 2009

Desde que Bob Kane dibujó el primer boceto en 1939 Batman no sólo ha dejado su huella en las viñetas. En sus 70 años de vida la sombra del hombre murciélago ha sobrevolado la cartelera y la pequeña pantalla hasta convertirse en «una fantasía de poder adolescente». Así define Diego Olmos, dibujante de la reciente aventura de Batman que transcurre en Barcelona, a este héroe.

El éxito de Superman llevó a la editorial DC Cómics a apostar por un nuevo personaje inspirado en varios referentes, que culminó en un hombre murciélago «oscuro, misterioso y un poco terrible», apunta Olmos, frente a un «positivo» Superman. Pero eso no ha impedido que el héroe de la ciudad imaginaria de Gotham haya protagonizado aventuras en todos los formatos y que, junto a otros personajes del mundo del cómic, se haya convertido en un icono popular.

oginarama: glosario

2009-07-08T02:02:00.003-05:00

O g i n a r a m a :

Plano espiral.
Población humana (aparente) : 6,769,669,640
Innita para No : Compositora, cantante y multi-instrumentalista, nudista. Novia de No.
No para Innita : Bióloga en investigaciones de evolución y mutación de especies centroamericanas. Novia de Innita.
Innita: Innita para No y su banda que la acompaña en vivo, compuesta por:
Dedé Alcántara: Guitarrista.
Halo Limia: Teclista.
Jana Ospina: Baterista.
Loto Rubiza: Bajista.
Ang Tarctica : Pingüina misántropa caza-cazadores. Usa una pistola de agua, cargada con sangre que extrae de los humanos que caza.
Yimar Ayrim : Actual presidenta de EEUU, esposa de Georgia.
Georgia McCain : Actual Primera Dama, esposa de Yimar.
Fran-Kitsch-Tein : Cirujana alemana con corazón de hada irlandesa. Su cuerpo alberga retazos de 2 mujeres cosidas en 1 cuerpo, para que ambas pudieran sobrevivir.
Xetl : virgen maya sobreviviente de sacrificio azteca que duró hibernando, embalsamada viva, con ritmo de un latido por año, desde el siglo XV hasta abril del 2006. Profetisa del 2012 .
Bitter Pam : A diferencia de Peter Pan que no quiere dejar de ser niño, ella no quiere dejar de ser adolescente, y permanece de 19 años. Su sombra brilla. Experimenta con el lado oscuro de los 9 colores del arco iris y con las criaturas zoomorfas en el plano espiral actual.
Sí yes oui ja da kyllä tak sim : abogada española multimillonaria, hija de ex comunista y ex ultraderechista.
Liebre de sábado por la noche : actriz y comediante que usa artes marciales en sus “stand-ups” de chistes pesados.
Vinilo Camuez : Top Model, hija de Sí yes oui ja da kyllä tak sim.
Indigo : Ingeniera aeronáutica y astronauta.

Plano espacial ( RAWWAR).
Población humana : 676’966.964
Araeallia : VeganVampire búlgara que descubrió la existencia del colectivo y aislado plano espiral. Esposa de Mydne.
Mydne : VeganVampire, esposa de Araeallia.
VeganVampires: 1% de la población humana : 6’769.669
VegeTaurians : 9% de la población humana: 60’927.027
Omnívoros Zombies: 90% de la población humana : 609'270.267
M : seudónimo de Madre Natura, pareja de Oz’on.
Oz’on: seudónimo de Madre Ozono, pareja de M.
Sahiaras : hienas parlantes que cazan todos los 3 tipos actuales de humanos, a los que ven como cadáveres vivientes. Se visten con la piel de los humanos que devoran. Su mutación y expansión global se origina en la Tercera Guerra Mundial (abril 2006).

R.I.P.
Tui (Big Bang - Alemania, 1945) : Cuando Dios quiso dejar de ser Dios para convertirse en humana femenina. Asesinada en 1945, Auschwitz.
Cristina de Jesús (Valledupar, Colombia 1972 - Vaticano, abril 2006): Cardenal mujer disfrazada de hombre que llega a ser Papa en el 2006. Asesinada meses después.
Christine (Tijuana, 1997 - San Francisco , abril 2006) : Hija de ambientalista radical y de enfermera socorrista voluntaria. Torturada y asesinada para presionar a su padre.
Adélie Montsegur : (Antártica, 1989, - Antártica, marzo 2009): Pingüina asesinada por pesqueros.

*

revisado: 7 de julio de 2009.

Llamamiento de los caricaturistas cubanos a sus colegas del mundo

2009-07-05T16:40:00.002-05:00

El dedeté, periódico humorístico de Juventud Rebelde convoca a todos los humoristas gráficos del mundo a solidarizarse con el caricaturista Allan Mac Donall y el pueblo hondureño enviando una o varias caricaturas a la dirección electrónica amigos@dedete.cu

Hemos sabido gracias al sitio alternativo Rebelión, que en la madrugada de este martes 30 de junio el caricaturista hondureño y asiduo colaborador de ese portal, Allan Mac Donall fue arrestado y sacado por la fuerza de su casa junto a su hija de17 meses.

Los brutales acontecimientos que tienen lugar en el hermano pueblo de Honduras tras el golpe de estado al presidente Manuel Zelaya, llevan consigo la fascista persecución a intelectuales y periodistas como ha ocurrido otras veces en este continente.

El golpe militar hondureño es una bofetada a la institucionalidad y la democracia en América y cualquier parte del mundo. La persecución de intelectuales, como la ocurrida con el premio nacional de caricatura Allan Mac Donall es una cobardía y un reconocimiento al humor gráfico como un arma de alto valor ideológico.

A pesar que a las pocas horas el artista fue liberado, se teme por su integridad física y la de su familia.

Teniendo en cuenta estos acontecimientos y los que puedan ocurrir, el dedeté, periódico de humor de Juventud Rebelde convoca a todos los humoristas gráficos del mundo a solidarizarse con el caricaturista Allan Mac Donall y el pueblo hondureño enviando una o varias caricaturas a la
dirección electrónica amigos@dedete.cu. Las obras serán publicadas en una galería visible desde esta página.

Firaman la convocatoria: Adán Iglesias, Presidente de la Sección de Humor Gráfico de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba. U.N.E.A.C. y director del dedeté; Ares, Caricaturista, vicepresidente de la sección de Artes Plásticas de la U.N.E.A.C; Laz, Caricaturista del dedeté y Falco, Caricaturista del dedeté.

Ver las caricaturas solidarias:
http://www.juventudrebelde.cu/internacionales/2009-07-01/caricaturistas-dicen-no-al-golpe-de-estado-en-honduras/

Crítica de cine: «Ice Age 3: El origen de los dinosaurios»

2009-07-04T16:33:00.003-05:00

La tercera entrega de la franquicia «Ice Age» sigue apostando por los personajes de comicidad visual, en vista de la popularidad alcanzada por la ardilla Scrat y su pelea con las bellotas. Un tipo de acción embromada que cobra mayor espectacularidad gracias a la proyección en 3-D.

Mikel Insausti
Gara, Donostia

Hace poco, un ejecutivo de Disney se quejaba a los animadores de Pixar de que habían creado pocos personajes para «Up», la última maravilla del estudio ante la que se han rendido crítica y público. La protesta del patán con poder dentro de la multinacional se refería a que el merchandising de un largometraje de animación incluye la posterior venta de juguetes inspirados en la película y cuantos más sean, mejor para el negocio. No le entraba en la cabeza que «Up» responde a un concepto artístico de constante superación imaginativa, y que no debería encontrarse con barreras de ese tipo.

A tal mentalidad cuantificadora responde en mayor medida la franquicia «Ice Age», que está llena de numerosos bichitos difíciles de memorizar con sus respectivos nombres para todos los que ya no somos niños y nos traen sin cuidado las bajas y altas de cada nueva entrega. Pero por respeto al público, infantil o adulto, que sí tiene en cuenta tales cuestiones habrá que decir que sus seguidores vuelven a contar con la presencia estelar de la ardilla Scrat, el perezoso Sid, el tigre Dientes de Sable y los mamuts Manny y Ellie.

Al grupo itinerante se unen en esta tercera aventura las zarigüeyas Crash y Eddie y la comadreja Buck, además de los dinosaurios que anuncia el subtítulo, que desvela ya de entrada el tema argumental ideado por un nutrido equipo de guionistas, con al menos cinco personalidades acreditadas. Es un esfuerzo al que se somete Blue Sky, al igual que el resto de compañías que tratan de imitar a Pixar, cuyas creaciones se basan en un desarrollo más en profundidad de los guiones, que no llega a ser igualado en ningún caso por sus directos competidores, más aún dentro de la cartelera estival.

No obstante, al César hay que darle lo que es del César, y es de justicia reconocer que Blue Sky se ha convertido con «Ice Age» en la heredera actual de maestros de la animación como Tex Avery o Chuck Jones, al basar su comicidad en el slapstick, que es la pura acción visual sin diálogos.

Las bellotas de Scrat

La clave de este éxito sigue residiendo en los divertidos movimientos protagonizados por la ardilla Scrat cada vez que se pelea con una bellota, representativa de su lucha contra los elementos por la supervivencia de su especie. Para que el constante desafío humorístico no acabe siendo un monólogo, sus creadores han tenido a bien buscarle una pareja llamada Scratte, la cual le dará nuevos quebraderos de cabeza, pues se trata de una hembra más inteligente que él.

En «Ice Age 3: El origen de los dinosaurios» adquiere coprotagonismo la comadreja Buck, que se ha vuelto loca habitando en el medio ambiente de los saurios, que se incorporan a la serie aprovechando las posibilidades espectaculares del sistema de proyección en 3-D, otro aliciente con el que no contaban las dos anteriores entregas.

Todas las películas de Blue Sky

Así como en Pixar tienen a John Lasseter como principal cabeza pensante, en Blue Sky ese honor se lo reparten el brasileño Carlos Saldanha y Chris Wedge, que son los dos máximos creadores del estudio. Fue el segundo el que ganó un Óscar en 1998 con el cortometraje «Bunny», que sirvió de espaldarazo a la productora de animación para lanzarse a la carrera del largometraje. Y la pareja codirigió la ópera prima «Ice Age» hace siete años, que les abrió de par en par las puertas del género, gracias al éxito de público alcanzado.

No faltó la inevitable continuación, dirigida en el año 2006 por Carlos Saldanha en solitario, aunque para la tercera actual entrega ha vuelto a la modalidad del tándem, pero esta vez ha trabajado junto a Mike Thurmeier. Aun así, Bluye Sky ha demostrado suficiente capacidad para encarar otros proyectos, aunque con unos resultados desiguales. «Horton», que recordaba a «Dumbo», funcionó mejor entre los más pequeños que «Robots», que se parecía a «Los Supersónicos» por su ambientación futurista.

Animación soviética de la Gran Guerra Patria (II Guerra Mundial)

2009-06-29T06:36:00.001-05:00

Vals con Bashir: sueño, memoria, tragedia

2009-06-25T17:59:00.003-05:00

La "humanización" del soldado israelí o la naturaleza criminal de la guerra del Libano

Entrevista con Ari Folman

Vals con Bashir plantea una incursión a través de los pliegues de la memoria del propio cineasta. Freud, el mejor cartógrafo del psicoanálisis, siempre lamentó la frustrante sensación de no poder aprehender sus complejos mecanismos. ¿Por qué se borran algunos recuerdos? ¿Por qué la memoria es permeable a reinventar el pasado con interferencias del presente, como si el pasado no fuera sino un relato en construcción desde el aquí y el ahora?

Un sueño en el presente, en realidad una pesadilla que proviene del pasado, pone en marcha este vals de muerte y olvido. Ese es el pretexto del que se sirve Ari Folman para arrojar luz sobre el agujero negro de su memoria. A partir de ese punto, Vals con Bashir se precipita hacia un vacío rasgado por los ladridos de 26 perros encorajinados que amenazan desde el miedo y la rabia. Considerados por la mitología como guardianes de las tinieblas, sus ladridos despiertan la conciencia dormida del cineasta. Lo que luego se convoca es una denuncia inapelable: reconocer que seguimos viviendo en el tiempo del Holocausto.

Vals con Bashir plantea una incursión a través de los pliegues de la memoria del propio cineasta. Freud, el mejor cartógrafo del psicoanálisis, siempre lamentó la frustrante sensación de no poder aprehender sus complejos mecanismos. ¿Por qué se borran algunos recuerdos? ¿Por qué la memoria es permeable a reinventar el pasado con interferencias del presente, como si el pasado no fuera sino un relato en construcción desde el aquí y el ahora?

Ari Folman salda cuentas consigo mismo. Folman participó activamente en la guerra del Líbano a principios de los 80, supo de la matanza de miles de refugiados palestinos en Sabra y Chatila y ahora, cinco lustros más tarde, lo rememora en un proceso redentor y terapéutico. Un proceso que adopta un ropaje cinematográfico insólito. ¿Es posible crear un documental con dibujos animados?

Para Folman lo es. Es más, ese proceso por el que la crónica se hace dibujo, le faculta al realizador para rescatar la verdad de tanta imagen periodística contaminante y contaminada. Esa posibilidad inherente en la animación de poder ensamblar planos subjetivos con imágenes fotográficas, lo fantástico con lo sufrido, propician un vehículo eficaz. Así, Folman aplica en su obra algo que los maestros japoneses usan desde hace años, la llave precisa para penetrar en el territorio del subconsciente. Bajo ese hipnótico ritmo propio del anime, Folman aleja su relato de esas imágenes convergentes y deudoras con el imaginario bélico mostrado por el Kubrick de La chaqueta metálica o el Coppola de Apocalypse now.

Folman sabe que el horror y la muerte producen siempre imágenes abrumadoramente monótonas, así que en Vals con Bashir el cineasta reinventa ese escenario a través de la línea. Como un surrealista del siglo XXI, Folman aspira a rozar lo real en su grado superior: fundir aquello que los ojos ven con lo que las emociones rezuman. De ese modo, su filme impacta en el espectador desprevenido. Cuando ya nadie cree en las imágenes fotográficas, estos dibujos devienen en escritura iconográfica.

Y con ello, ese vals que un soldado israelí baila en medio de una emboscada con la cara de Bashir Gemayel multiplicada en las calles ametralladas, adquiere los negros presagios del ritual de una danza macabra. Es cierto que en este Vals, son los cristianos falangistas los autores de la masacre ante la mirada impávida del poder israelí, pero no lo es menos que la denuncia de Folman se hace incontestable e intemporal. De ahí que en sus planos finales, en la decisión más discutible y paradójica, Folman eche mano de la huella real para, con ella, hacer que las víctimas se tornen en inquietantemente próximas. Se pasa de los personajes con nombre propio representados por el dibujo, a la presentación de los rostros desconocidos de unas víctimas fotografiadas que bien podrían intercambiarse con quienes ahora lloran en Gaza y Bagdad. Lágrimas anónimas zarandeadas por ese vals maldito y letal que nadie detiene, que nunca cesa.

::Fuente: Noticias de Alava

Dirección y guión: Ari Folman.
Música: Max Richter.
Montaje: Nili Feller.
Intérpretes : Yael Nahlieli, Serge Lalou, Gerhard Meixner y Roman Paul.
Nacionalidad: Israel, Francia y Alemania.
2008.
Duración: 90 minutos.

Entrevista con Ari Folman: "La guerra es terriblemente inútil"

"Vals con Bashir", basada en las vivencias de soldados israelís durante la guerra del Líbano, hace más de 20 años, ha sido desde su estreno en el Festival de Cannes el año pasado un título recurrente en festivales y premios. Ganó el Globo de Oro a mejor film extranjero y ahora es candidato al Oscar, con categoría de máximo favorito. Aparte de su contenido antibelicista, el desafío formal de rodar "un documental animado" ha sido una nota de originalidad muy valorada. Su autor, el guionista y director israelí Ari Folman, vivió muchas de las experiencias que se narran en la película, coproducida por Alemania y Francia, que llegará este viernes a los cines españoles, y en abril a Argentina y Brasil.

- ¿La película se basa en su experiencia?
Es mi historia personal. La película empieza el día que descubrí que algunas partes de mi vida se habían borrado de mi memoria. Los cuatro años que trabajé en "Vals con Bashir" me provocaron un violento trastorno psicológico. Descubrí cosas muy duras de mi pasado y, sin embargo, durante esos cuatro años, nacieron mis tres hijos. Puede que lo haya hecho para mis hijos. Para que, cuando crezcan y vean la película, les ayude a saber escoger, a no participar en ninguna guerra.

- ¿Realizar "Vals con Bashir" fue como una terapia?
La búsqueda de recuerdos traumáticos enterrados en la memoria es una forma de terapia. La terapia duró lo que la producción de la película, cuatro años. Durante este tiempo, pasaba de la depresión más absoluta, fruto de los recuerdos que me volvían a la memoria, a la euforia más desbordante por hacer una película de animación innovadora, que iba mucho más rápido de lo que había esperado. Si fuera un loco de la psicoterapia, diría que realizar la película me ha transformado profundamente.

- ¿Todos los personajes entrevistados en la película son reales?
Siete de nueve. Por razones personales, Boaz (el amigo que soñaba con los perros) y Carmi (el amigo que vive en Holanda) no han querido que aparezcan sus nombres verdaderos. Pero sus testimonios son reales.

- ¿Conoce a más gente que haya pasado por la misma experiencia?
Claro, no soy el único. Creo que miles de ex soldados israelíes han enterrado sus recuerdos en lo más profundo de su memoria. Algunos podrán vivir así siempre. Pero existe el peligro de que explote en cualquier momento, y en ese caso los daños son imprevisibles. Lo llaman estrés postraumático.

- ¿Cuál fue su primera intención, realizar un documental o una película de animación?
Siempre lo imaginé como un documental de animación. Ya había realizado varios documentales, y me entusiasmó lanzarme a este proyecto. Mi primera experiencia con la animación fue con una serie documental, “The Material Love is Made of”. Cada episodio empezaba con tres minutos de animación durante los que unos científicos evocaban la “Ciencia del amor”. Era animación Flash básica, pero funcionó tan bien que siempre pensé en llevar el mismo proceso a un largometraje.

- ¿Puede decirse que el proyecto se concibió como un documental de animación?
Sí, "Vals con Bashir" siempre fue un documental de animación. Hacía varios años que había tenido la idea, pero rodarlo en imágenes “reales” no me convencía. ¿Qué habría sacado? Un hombre de cuarenta años entrevistado sobre fondo negro, contando historias de hace 25 años, sin una sola imagen de archivo para ilustrar sus palabras. Habría sido un aburrimiento. Por eso la animación me pareció la única solución, porque concede una gran libertad imaginativa. La guerra es muy irreal, la memoria es muy ladina, más valía hacer semejante viaje con la ayuda de buenos grafistas.

- ¿Cómo crearon la animación de la película?
Primero rodé "Vals con Bashir" en vídeo en un estudio y se montó como un largo de 90 minutos. A partir de ahí, realizamos un storyboard que desarrollamos con 2.300 dibujos y que animamos posteriormente. El director de animación, Yoni Goodman, creó el estilo de animación en nuestro estudio, el Bridgit Folman Film Gang. Es una mezcla de animación Flash, de animación clásica y animación 3D. Es importante dejar claro que no se usa el rotoscopio, en el que se vuelve a pintar la imagen de vídeo. Cada dibujo se creó desde cero gracias al magnífico talento del director artístico David Polonsky y de sus tres asistentes.

- ¿Qué siente hoy acerca de la matanza de Sabra y Chatila?
Lo mismo que antes. Es lo peor que puede pasarle a un ser humano. Estoy seguro de que los falangistas cristianos fueron los responsables de la masacre. Los militares israelíes no dieron ninguna orden. Pero el gobierno israelí sabe hasta dónde alcanza su responsabilidad; estaba al corriente de esta masacre premeditada.

- ¿Y la guerra?
He rodado "Vals con Bashir" desde el punto de vista de un soldado cualquiera, y solo puede concluirse que la guerra es terriblemente inútil. No tiene nada que ver con las películas estadounidenses. No tiene nada de glamouroso ni de glorioso. No son más que hombres muy jóvenes, que no van a ninguna parte y que disparan contra desconocidos, les disparan desconocidos, y que vuelven a su casa intentando olvidarlo todo. Algunas veces lo consiguen. Pero no ocurre en la mayoría de los casos.

- ¿Cree que sus compatrioras piensan igual que usted respecto a la guerra?
No es ninguna noticia para los israelíes decirles que la invasión de Beirut oeste en 1982 era inútil y no servía de nada. Es una enorme mancha negra en nuestra historia. Incluso estoy dispuesto a apostar que Ariel Sharon, actualmente en coma, habría dado lo que fuera para reescribir la historia e impedir esta expedición sin sentido que tanto defendió. Por ese lado, no creo que nadie diga: “¿Cómo se atreve a decir que no debimos estar?”. Puede que el modo en que se presenta el ejército moleste más al público israelí. La película carece de momentos gloriosos. Todas las personas entrevistadas son más bien antihéroes, excepto uno, el periodista Ron Ben-Yishai, pero no es un soldado.

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«Cher ami»

2009-06-18T23:11:00.001-05:00

M. I. | DONOSTIA

La animación catalana tiene en Miquel Pujol al fundador de los estudios Acció, de los que salieron la creación televisiva «La noche mágica» y el largometraje cinematográfico «10+2. El gran secreto», que tuvo continuidad en las salas de proyección en forma de consejo para los espectadores, con los personajes de la película llamando a no emitir ruidos con las palomitas o el móvil. Tras varios años de trabajo, llega «Cher ami», una nueva propuesta más elaborada, ya que de un tiempo a esta parte la competencia dentro del sector es mucho mayor.

El argumento recuerda bastante al de «Valiant», que era una producción británica de los estudios Vanguard, que fueron los primeros en ficcionar el dato histórico de la utilización de palomas mensajeras en las dos contiendas del pasado siglo. «Cher ami» se sitúa en la Primera Guerra Mundial, y su heroico palomo salvará a un batallón aliado.

«Los mundos de Coraline» Una familia de pesadilla

2009-06-16T16:48:00.002-05:00

Mikel Insausti
Gara, 16 de junio de 2009

Aún siendo consciente de que “Los mundos de Coraline” va a alcanzar la máxima puntuación en los paneles de la crítica, he de matizar que, en mi modesta opinión, se dispensa al cine de animación de autor un reconocimiento desmesurado para su escasa conexión con el público. Con este nuevo largometraje de Henry Selick me pasa lo mismo que con algunas de las recientes realizaciones de Hayao Miyazaki, que me resulta excesivo. Y me llego a aburrir, al igual que les pasa a los niños y niñas que no aguantan la larga duración de una película ya de por sí tan sombría, porque cien minutos son demasiados para una obra que está fotografiada en stop motion, imagen por imagen. Reconozco la pericia técnica del que es uno de los últimos artesanos de la animación, así como su genial talento surrealista, pero me temo que a Henry Selick le iba mucho mejor en su etapa como colaborador de Tim Burton, cuando no era tan ambicioso desde un punto de vista artístico.

No puedo evitar las comparaciones con «Pesadilla antes de Navidad», que tenía un formato de cuento que se echa de menos en «Los mundos de Coraline», donde el onirismo se apodera ya de la narración de principio a fin, con toda su compleja y mareante carga simbólica. Y, por supuesto, prefiero mil veces la fantasía aparentemente simple de «James y el melocotón gigante», deudora de la incomparable inventiva crítica del galés Roald Dahl. En cambio, «Los mundos de Coraline» se basa en Neil Gaiman, un autor de cómic que tiende a la caricatura distorsionada, observable en los personajes de los vecinos de la niña protagonista, ya sean las hermanas cabareteras o el forzudo circense. La idea del otro lado del espejo o universo paralelo está además muy explotada en la literatura infantil, sin que el texto de Gaiman aporte mayores novedades que la de los botones que sustituyen a los ojos y que convierten, dentro del reverso de la realidad, una actividad tan cotidiana como la de la costura en algo de lo más siniestro, por no decir terrorífico.

WE3

2009-06-16T15:29:00.005-05:00

En un centro secreto de investigación de las Fuerzas Aéreas se lleva a cabo un proyecto de desarrollo cibernético que puede resultar revolucionario. Las pruebas se realizan sobre animales domésticos, manipulados quirúrgicamente por los científicos del Proyecto AWE, que han creado un nuevo tipo de cyborg, criaturas de carne y metal diseñadas para imponerse en los campos de batalla del mañana.

Un grupo de animales, un perro llamado 1, un gato llamado 2 y un conejo llamado 3, con los que el gobierno estadounidense ha experimentado hasta convertirlos en máquinas asesinas, injertando a los pobres animalitos todo tipo de maquinaría, y con los que pretenden sustituir a los soldados para realizar todo tipo de misiones arriesgadas.
Todo se complica cuando los tres animales (el perro, el gato y el conejo) consiguen escapar del proyecto y de su muerte, tras haber sido cancelado éste y es en este momento cuando emprenderán una frenética huida con el ejército estadounidense tras sus huellas.

El mayor éxito de los responsables del proyecto es un trío de prototipos conocido con el nombre clave de WE3, cada uno de ellos construído y entrenado para trabajar como especialista en un equipo. Con sus sistemas nerviosos mejorados y reforzados con hardware militar de última generación, WE3 son el arma definitiva; programables, pero con autonomía, leales, pero despiadados.

En definitiva, esta pequeña tesis acerca del movimiento, la naturaleza humana y animal, la violencia, el miedo, la supervivencia, el hambre, el compañerismo, la irresponsabilidad y el deseo de libertad es, en mi opinión, uno de los cómics más destacados de este año 2005 que está a punto de finalizar. Sencillamente imprescindible.

Información en ingles: http://en.wikipedia.org/wiki/We3

LINKS:
WE3 - 1
WE3 - 2
WE3 - 3